CRITIQUE : From Here To Eternity, Shaftesbury Theatre ✭✭✭

From Here To Eternity au Shaftesbury Theatre From Here To Eternity Shaftesbury Theatre 10 octobre 2013 3 Étoiles Actuellement en avant-première au Shaftesbury Theatre se trouve From Here To Eternity, une comédie musicale mise en scène par Tamara Harvey, avec un livre de Bill Oakes, des paroles de Sir Tim Rice et de la musique de Stuart Brayson.

Ne jamais avoir lu le livre de James Jones, mais connaissant le célèbre film avec Burt Lancaster/Deborah Kerr/Frank Sinatra/Donna Reed, primé aux Oscars, l'intrigue de cette version musicale était, pour le moins, surprenante, suivant peut-être de plus près le livre original ou peut-être étant "mise à jour".

Révéler le destin du personnage central dès la première scène n'a pas de sens à mesure que les événements se déroulent et ne sert qu'à priver les scènes ultérieures de poignant et de véritable impact dramatique. C'est un choix dramatique étrange et surprenant pour le théâtre, même si le film suivait cette voie.

Ce qui n'est pas surprenant, c'est que le décor est signé du toujours présent Soutra Gilmour et il fonctionne très efficacement, en particulier en tandem avec l'éclairage de Bruno Poet. L'histoire se déroule dans les semaines précédant le bombardement de Pearl Harbour et le décor doit donc évoquer le sentiment d'Hawaï et la vie quotidienne terne des recrues de l'armée stationnées là-bas. Gilmour fait en sorte que tout fonctionne très bien, mieux peut-être que le mérite le récit, bien que dans le cours des deux histoires d'amour clés, des espaces plus intimes auraient été préférables.

L'utilisation de quelques séquences vidéo astucieuses et généralement discrètes (pas cependant dans le final de l'Acte Un où l'assaut vidéo soudain de vagues de proportions énormes vous fait vous demander s'il s'agit d'un tsunami à venir ou simplement d'une mauvaise réflexion sur le moment iconique de sexe dans les vagues de Lancaster/Kerr) aide généralement, mais sert également de rappel sensible du film.

Alors, quand il est arrivé, la séquence dans le bar gay était aussi choquante, étonnante et déroutante que si, disons, un numéro de ménestrel en noir et blanc était soudainement placé dans l'Acte Un de Les Misérables. Et le sous-texte centré autour de cela n'a pas été correctement expliqué, vous laissant à vous demander encore plus sur le sens de toute la séquence, surtout que le résultat est de totalement embrouiller le public sur un personnage clé, le rôle de Sinatra du film : est-il secrètement homophobe ? Est-il un voleur vicieux ? Est-il quelqu'un qui trompe et agresse les hommes gays solitaires ? Et, si l'une des réponses est affirmative, pourquoi le laissent-ils revenir dans leur club ? Et pourquoi le joyeux vaurien, fou de filles, cynique italien avec un esprit fort (interprété ici de manière très charmante par Ryan Sampson) ferait-il cela ? Est-il emprisonné pour être gay ?

Il s'avère que les références gays ont été initialement censurées du livre mais ont été rétablies ces dernières années par la fille de l'auteur décédé. Le point clé était que le personnage de Sinatra/Sampson laissait les hommes plus âgés "lui faire une fellation" pour de l'argent parce qu'il avait besoin d'argent car les temps étaient difficiles dans l'armée. Peut-être que le livre révisé rend tout cela compréhensible mais, curieusement, cette version musicale ne le fait pas.

Mais ce n'est pas tout ce qui est surprenant ici. Ce qui est particulièrement bon, c'est la façon dont Gilmour évoque le sentiment du bordel/club de Mme Kipfer où les garçons de l'armée se détendent. C'est miteux mais captivant et c'est le premier véritable aperçu du bon sentiment temporel de l'histoire. En effet, chaque fois que les filles du bordel apparaissent, les choses s'améliorent. Cela n'est pas dû à Mme Kipfer (un mauvais tour de Julie Armstrong) mais à la frisson créée lorsque le formidable ensemble féminin apparaît (mené par Lucinda Shaw, qui évoque parfaitement le sentiment Ava Gardner nécessaire ici, et une Rebecca Sutherland fougueuse) - vraiment la plupart des meilleurs numéros de ce spectacle les impliquent : Don'cha Like Hawaii, You Got The Money et The Boys of '41.

Cela ne dénigre pas l'ensemble masculin, mais, en vérité, ils ne sont pas de taille pour les filles. Il s'agit censé être une compagnie dure de boxeurs de l'armée : mais beaucoup de personnes ont été choisies qui ne peuvent pas crédiblement répondre à cette description. Pourtant, il y a un excellent travail masculin de Warren Sollars, James Ballanger, Joshua Lacey (légèrement hors de sa zone de confort en tant que soldat gay troublé et vicieux Bloom), Stephen Webb et Matthew Wesley.

Javier De Frutos chorégraphie les hommes avec une précision balétique, et il y a quelques sections qui sont assez électrisantes (le travail au ralenti est très bon bien que légèrement prolongé) et impressionnantes. Il y a une réalisation astucieuse du bombardement de Pearl Harbour et de ses conséquences.

L'ensemble entier chante très très bien et les grands numéros choraux sont lancés à pleine allure.

Malheureusement, aucun des personnages principaux n'est interprété aussi bien que l'écriture l'exige - ce sont des personnes réelles et imparfaites avec des arrière-plans et des motivations complexes, pas des chiffres unidimensionnels. Une fois de plus, comme c'est souvent le cas dans les comédies musicales du West End, le casting se révèle aller à l'encontre des objectifs et des besoins de la pièce.

Le plus proche de la cible est Robert Lonsdale dans le rôle du personnage central, Prewitt, mais il ne chante pas tout à fait assez bien ni ne transmet les sous-entendus et les sensibilités de cet homme hanté qui s'enfuit dans l'armée pour se cacher mais échoue à atteindre ses objectifs, tout en adhérant curieusement à un code moral très strict. C'est un rôle difficile - boxeur, clairon, sage-gars, amant, ami, tueur - et il nécessite plus de profondeur que Lonsdale ne l'offre - mais ce n'est que le début et il pourrait bien grandir dans le rôle au fur et à mesure que les performances s'accumulent.

Certainement, lui et Sampson sont ceux à surveiller ici.

Les autres principaux vont de l'oubliable (Susan Harrison, Rebecca Thornhill, Darius Campbell) à l'embarrassant (Martin Marquez, David Stoller, Brian Doherty) - c'est le West End, pas un music-hall désaffecté : à 90 £ le billet, le public a le droit d'attendre une excellence dans la performance, pas les animaux de compagnie des agents de casting et des réalisateurs avec peu de jugement.

Plus que tout, il n'y a pas de chimie sexuelle entre les deux ensembles de leads romantiques.

Harvey doit prendre la part du lion dans le blâme pour tout cela : sa vision des performances, du drame, de la tension et des retournements est médiocre là où elle doit être inspirante.

Bien sûr, aucun des leads ni Harvey ne sont aidés par le livre terne ou la musique et les paroles parfois banales. Il y a une histoire adulte sérieuse à raconter ici, mais elle est maintenue sous le talon.

Il y a de superbes numéros - Something In Return est particulièrement impressionnant et on peut voir qu'avec d'autres voix, la chanson titre pourrait s'envoler.

Une grande partie de la partition est indifférente et il y a des moments musicaux qui sont attendus en raison des personnages et des situations, mais qui ne viennent jamais : le livre de Oakes n'offre pas au compositeur les bonnes chances. Il est difficile de secouer le sentiment qu'un producteur impitoyable avec une sensibilité théâtrale aiguë pourrait transformer cette production en quelque chose de frais et remarquable.

Mais la voie médiane parcourue ici, bien que généralement globalement divertissante (grâce entièrement au formidable ensemble, Sampson et Lonsdale) ne parvient pas au travail musical fascinant et dramatique que cela pourrait être.

Sir Tim décrit le travail comme une comédie musicale adulte : pas sûr de ce que cela signifie, mais on ne peut s'empêcher de penser que tout le monde aurait mieux fait si cette pièce était mature dans le ton et l'exécution plutôt que "adulte".