CRITIQUE : Follies In Concert, Royal Albert Hall ✭✭✭

Follies en Concert. Photo : Darren Bell Follies

Royal Albert Hall

28 avril 2015

3 Étoiles

Les versions concert de comédies musicales sont très exigeantes. À moins qu'elles ne soient exécutées avec une grande habileté et un enthousiasme inépuisable, elles ne peuvent que décevoir. En l'absence de décors et de costumes, la partition et le livret sont exposés, tout comme les artistes, qui doivent ressembler à eux-mêmes, en tenue de cérémonie glamour, mais être des personnages différents. C'est une demande difficile.

Il y a environ trente ans, un célèbre concert à New York a redonné vie à l'un des grands scores de Stephen Sondheim. La distribution réunie là-bas a créé une magie spéciale et, même maintenant, l'enregistrement de ce concert a un pouvoir spécial, une résonance remarquable.

On ne peut pas en dire autant de la représentation en matinée d'hier du concert du même grand œuvre au Royal Albert Hall. Bien qu'il y ait eu de nombreux moments magnifiques, certains vraiment palpitants, ce n'était pas une performance pour les livres d'histoire, une réalité qui n’a rien à voir avec ni la direction magistrale de Gareth Valentine des 38 membres du City of London Philharmonic ni la chorégraphie stylée, sexy et évocatrice d'Andrew Wright.

Follies est un chef-d'œuvre. La partition de Sondheim est un hommage affectueux à divers styles qui avaient pris de l’importance à Broadway à l'époque où des productions de grande envergure et à grande distribution apportaient des Follies saisonnières et légères sur scène. Numéro après numéro pastiche rend hommage glorieux à cette époque, ces spectacles. James Goldman fournit un livret qui navigue entre les zones temporelles, remplissant lentement les histoires de Ben et Phyllis, Buddy et Sally. Ben et Buddy étaient amis, et lorsque Phyllis et Sally étaient des choristes, elles attendaient avec impatience à la sortie des artistes pour eux. Ben a fait l'amour à Sally mais n'a jamais eu l'intention de l'épouser; Phyllis était toujours son but. Sally aimait Ben et, blessée et confuse, elle a épousé Buddy.

Le théâtre où ils ont joué est en cours de démolition pour faire place à un parking et l'impresario qui a monté les anciens spectacles décide de tenir une fête d'adieu finale dans les ruines du théâtre. Alors que les personnes qui ont autrefois eu les moments de leur vie sur scène se réunissent et se remémorent, leurs souvenirs sont ravivés, leurs esprits vagabondent et, dans le cas des quatre personnages centraux, de vieilles blessures sont ouvertes et réexaminées. La folie de la jeunesse est contrastée avec la folie de la maturité, et tout cela sur fond de la folie de combiner chanson et danse pour le pur divertissement. La folie de la chanson et de la danse ne se révèle pas être la vraie folie.

La mise en scène offre opportunité après opportunité pour des numéros qui suscitent l'enthousiasme alors que les anciens revivent leurs plus grands moments sur cette scène. La grande idée de surprise de la pièce - lorsque l'angoisse intérieure du quatuor central est représentée par une série de numéros de Follies à l'ancienne - offre à ce quatuor des numéros de véritable bravoure qui, lorsque réalisés comme prévu, brisent même le cœur le plus cynique.

Bien sûr, le revers de la médaille est que si les numéros potentiellement spectaculaires et les tournures de bravoure ne se concrétisent pas, la déception est sévère. C'est particulièrement le cas étant donné le nombre de ces numéros qui sont devenus des standards de cabaret, interprétés maintes et maintes fois par des superstars de l’enregistrement et de la scène.

Donc, comme toujours, le casting est tout. Ou devrait l'être.

Dans le cas de Betty Buckley en tant que Carlotta, le casting a été inspiré. Gracieuse et mondaine, le charisme de star sans effort dans chaque geste, chaque phrase, Buckley était la diva par excellence, la véritable star. À juste titre, sa puissante et joyeuse interprétation de I'm Still Here a arrêté le spectacle et a vu des spectateurs bondir de leurs sièges. Il y avait quelque chose de vraiment étonnant à entendre l'orchestre changer de clé en regardant les yeux de Buckley briller avec l'attente des notes à venir, tout son corps immergé dans la tâche de vendre la chanson. Je n’ai jamais entendu cette chanson mieux chantée en performance live. Buckley seule valait le prix d’entrée.

L'un des aspects de Follies qui peut être difficile et souvent aléatoire est le quatuor des jeunes versions. Pas ici. Les jeunes versions de Sally, Phyllis, Ben et Buddy étaient impeccablement ajustées, engageantes et sublimes. Alistair Brammer (Young Ben) et Laura Pitt-Pulford (Young Phyllis) étaient parfaitement en harmonie, avec une voix vraiment excellente et totalement dans le bon style pour livrer le délicieux You're Gonna Love Tomorrow; leur empathie, leur charme et leur prestation élégante étaient divins. Brammer a montré un formidable potentiel de rôle principal masculin classique, non evident dans ses tournées modernes de Miss Saigon, tandis que Pulford a montré un autre aspect de son attrait aux multiples facettes. C’était la même chose avec la lumineuse Amy Ellen Richardson (Young Sally) et le wide-eyed Jos Slovick – leurs performances impeccables de Love Will See Us Through ont apporté une grande joie tout en soulignant les fractures dans les relations des versions plus âgées de leurs personnages, en plus de fournir des remèdes à ces fractures. Un pas derrière Buckley, ces quatre étaient les autres stars du concert.

Russell Watson a mal commencé les choses avec une interprétation mal jugée, hors de note et désordonnée de Beautiful Girls. Heureusement, Stephanie Powers était intelligente et glamour en tant que Solange et Ah, Paris ! s’en est mieux sorti que souvent. Lorna Luft, en tant que Hattie, a fourni le premier frisson vocal de l’après-midi avec son interprétation engagée et courageuse de parties, mais seulement des parties, de Broadway Baby. Mais c'est Anita Dobson dont le tournant autodérisoire en tant que Stella a finalement galvanisé toute la compagnie dans une cohésion glorieuse : son attaque dans Who’s That Woman était splendide (une ceinture courageuse a accompagné sa prouesse de danse) et elle et toutes les autres femmes ont bien réussi à donner vie à la chorégraphie ingénieuse d'Andrew Wright. Le numéro avait un réel sens d'accomplissement partagé, de succès contre toute attente. Plus tard, la livraison de Charlotte Page de One Kiss a monté comme elle le devrait et ce numéro est devenu l’un des moments les plus tendres et les plus sincères de la production. Totalement en harmonie, vocalement et dramatiquement, Page était une autre délice.

Il y a eu des problèmes de son importants pendant la performance, assez inexplicables dans un lieu comme le Royal Albert Hall qui devrait être pratiqué dans l'organisation de performances de concert, et ceux-ci ont eu un impact négatif sur certaines des performances vocales. Anita Harris et Roy Hudd ont particulièrement souffert à cet égard pendant Rain On The Roof (bien que cela ait pu être une bénédiction car ni l'un ni l'autre ne semblait correctement préparé), mais il en allait de même pour les quatre principaux - Christine Baranski (Phyllis), Alexander Hanson (Ben), Ruthie Henshall (Sally) et Peter Polycarpou (Buddy).

Baranski s'en est le mieux sorti des quatre; sa Phyllis était cassante, royale et impeccablement stylée. Son travail sur The Story of Lucy and Jessie était son meilleur, et elle a été aidée dans cela par quelques danses très sexy et plein d'entrain de l'ensemble. Étonnamment, son interprétation de Could I Leave You? n'était pas aussi impressionnante qu'elle aurait dû l'être, mais cela semblait plus lié à la familiarité avec le texte et la musique qu'à son aptitude, bien que ses mains étaient absolument dans un spectacle à part. Elle a réussi à rendre les scènes d'actes rares suffisamment bien et il y avait une réelle conviction dans ses relations avec les trois autres personnages. Son embrassade finale et acceptation de Ben d’Hanson était véritablement émouvante.

Hanson a livré son habituel homme de tête suave, légèrement nerveux, urbain, fiable mais sans éclat. Il a peut-être épargné sa voix pour la performance du soir, mais il semblait étrangement sous-puissant vocalement, particulièrement sur The Road You Didn’t Take. Ses meilleures scènes étaient avec Baranski et les moments hantés, envoûtés où passé et présent se sont entrechoquées. Il était contraint par la Sally décevamment froide et inintéressante de Ruthie Henshall et son manque de précision à l'apogée de sa gamme vocale a atténué la puissance de Too Many Mornings. Sally est le personnage le plus complexe du quatuor, brisée, perdue et en train de s’effondrer. Elle ne chante pas Losing My Mind pour rire. Henshall n'a même pas essayé d'apporter de la perspicacité ou de la fraîcheur à Sally et son incapacité à rester dans le ton (In Buddy’s Eyes était douloureux) a rendu son casting presque inexplicable, surtout avec Page dans le casting. Lorsque Phyllis passe pour l'épouse chaleureuse et compréhensive, quelque chose est sérieusement mal. Peter Polycarpou a complété le quatuor central en tant que Buddy, aussi fade et prévisible que sa distribution le promettait.

Craig Revel Horwood a dirigé les événements et il y a eu une efficacité et un sens du style tout au long qui étaient admirables. Le « décor » consistait en quatre grands miroirs encadrés d’ampoules, qui étaient efficaces pour évoquer l'histoire de performance du théâtre où l'action était située, et Revel Horwood a veillé à ce qu'ils soient déplacés dans des tableaux intéressants à divers stades. La chorégraphie de Wright était excellente tout au long et l'ensemble a fait un excellent travail. Leurs costumes étaient cependant plus étranges qu'ils auraient pu être, particulièrement les hommes. Le croisement de la ligne temporelle était bien fait.

La partie la plus étrange de l'ensemble des événements, cependant, était la décision inexplicable de continuer le premier acte au-delà de sa fin naturelle et prévue, Too Many Mornings, dans le matériel du deuxième acte (aucun de ceux-ci n'étant identifié dans le programme) juste au-delà de Could I Leave You?, au point où le caractère de Ben trébuche. Cela signifiait que le deuxième acte était entièrement composé des séquences de rêve Loveland et de leurs conséquences. Il aurait pu y avoir une raison à cela si un réaménagement sérieux de la scène avait eu lieu, ou si des costumes élaborés devaient être enfilés – mais ce n'était pas le cas. Cette décision de mise en scène a provoqué de la consternation car le sens de la progression de la comédie musicale était fatalement compromis par cela. C'était une grande folie en soi.

En fin de compte, ce concert était important car il a permis de ressentir la puissance de la partition avec le soutien complet d'un orchestre impressionnant. De cette façon, sinon en beaucoup d'autres, l'œuvre de Sondheim a été bien servie. Autrement, c'était un exercice pour défendre l'idée d'une production appropriée, entièrement développée qui permet les profondeurs et la largeur de la pièce d'être correctement explorées et qui permet à une génération plus âgée de stars d’avoir une véritable chance sous les projecteurs.

Dans une ville qui se vante de Hannah Waddingham, Jenna Russell, Josephina Gabrielle, Imelda Staunton, Julia MacKenzie, Sian Phillips, Maureen Lipman, Judi Dench, Caroline O’Connor et Elaine Paige, il semble incompréhensible qu'il soit nécessaire d'importer des étoiles féminines, aussi brillantes puissent-elles être, pour renforcer les rangs dans Follies. Peut-être que The Old Vic relèvera le défi ? Quelqu'un devrait certainement essayer.