CRITIQUE : Flames, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Flames

Théâtre Waterloo East

14 mai 2015

3 Étoiles

Un cimetière avec quelques pierres tombales délabrées de travers; quelques arbustes nus; le dispersé et le bruissement des feuilles mortes; et le goutte-à-goutte régulier et le tambourinement de la pluie hivernale qui s'installe pour la journée fournissent le décor atmosphérique pour FLAMES, la dernière œuvre de Stephen Dolginoff, qui se joue maintenant sous l'arche ferroviaire du Théâtre Waterloo East. Dolginoff est surtout connu pour Thrill Me, sa remarquable comédie musicale de 2005 sur l'affaire Leopold & Loeb qui a auparavant inspiré des films tels que Rope et Compulsion. Cependant, un tonnerre immense et des octaves retentissantes sur un piano, plus honky-tonk que Steinway, signalent dès le début que nous voyageons vers le cimetière de Highgate, Londres au lieu de Hyde Park, Chicago et vers un monde de frissons de cimetière directs plutôt que la quête du Surhomme de Nietzsche et le meurtre parfait.

Un couple émerge de l'ombre pour rendre hommage à une tombe sur scène. Meredith (Abi Finley) pleure la perte de son fiancé, Edmund, décédé dans un incendie exactement un an auparavant. Elle est accompagnée du meilleur ami et collègue de travail proche d'Edmund, Eric, (David O’Mahony), qui cherche à la rassurer dans un numéro d'ouverture insidieux en lui disant qu'il est maintenant temps de tourner la page et qu'ils devraient peut-être confirmer leur connexion et sortir ensemble. Cependant, les circonstances de l'incendie et la mort d'Edmund continuent de la troubler et fournissent le moteur de tous les rebondissements qui se développent le reste de la soirée. Quand Eric retourne à leur voiture, un autre homme apparaît (Bradley Clarkson) prétendant être Edmund revenu d'une tombe qu'il n'a jamais réellement occupée. Il présente une version très différente des événements dans laquelle il a échappé au feu dans lequel il est censé avoir péri. Il veut revenir pour blanchir son nom du détournement d'épargne dont il était accusé au moment de sa mort, reprendre sa vie là où il l'avait laissée et confronter son meurtrier présumé. Ce développement du scénario établit le thème dominant et la source de tension au sein de la comédie musicale, à savoir, « Quel personnage, si jamais, parle vrai, et lequel, si jamais, devrait-on réellement croire ? » Meredith doit-elle croire ce récit, et en fait, est-ce que l'un des personnages est réellement celui qu'il prétend être ?

Ce sont donc dans les relations, plutôt que dans les crimes, que les frissons doivent résider. Cela se reflète dans l'équilibre entre dialogue, musique et action. Le cadre du cimetière est principalement décoratif : des bouffées rhétoriques d'oxygène liquide et des coups de tonnerre prolongés (avec l'ajout ponctuel d'un train passant au-dessus) ponctuent chaque nouveau rebondissement du scénario mais ne glacent pas la moelle des os. Au lieu de cela, l'accent est mis sur les débats entre les personnages pour nous convaincre de leur culpabilité ou innocence. Une grande partie de la musique prend la forme de chansons en solo qui se transforment en duos de débat élaborés et soutenus. Cela pourrait être assez statique entre de mauvaises mains, mais la fluidité du mouvement est maintenue adroitement par le réalisateur Garry Noakes, malgré le décor encombré; et sans vouloir trop en dévoiler, dans les scènes finales, le directeur des combats Cristian Valle fait se battre très plausiblement les trois acteurs entre eux. Étant donné que le livre, la musique et les paroles sont l'œuvre d'un même homme, elles ne peuvent vraiment être jugées séparément. Le premier point à noter est que c'est un travail très sophistiqué et adroit. Le dialogue est mordant, serré et spirituel mais aussi naturellement affectueux et affectueux quand il doit l'être. Dolginoff est habile à mettre en scène les conflits émotionnels de manière à ce que la transition des mots vers la musique soit tout à fait naturelle. Les paroles peuvent être assez verbeuses et volontairement intelligentes; mais l'écriture musicale peut gérer un discours verbal continu sans se heurter en grande partie parce que les paroles sont toujours entraînées par le scénario, faisant avancer l'action plutôt que de nous calmer dans une humeur ou une autre trop longtemps. La musique est généralement propulsive, mettant en avant les mots avant tout plutôt que de les submerger, mais avec des bassins de repos plus calmes pour cristalliser un point et souligner une nuance émotionnelle. Les points pédaliers dominent, avec un style arioso flottant au-dessus dans la voix. Il y a des séquences d'accords saisissants et des flous harmoniques intéressants à la manière de Sondheim qui signalent des changements d'humeur et des phrases mélodiques flottées qui saisissent puissamment les aspirations émotionnelles et lyriques des personnages. Cependant, il y a une incertitude de ton à propos de l'œuvre dans son ensemble qui ne convainc pas entièrement. La soirée commence comme un thriller simple avant de semble changer à mesure que les rebondissements du scénario se multiplient en une parodie consciente du genre à la place. Il n'y a rien de mal à cela, mais à certains moments, en particulier dans les scènes ultérieures à tir rapide et presque burlesques, il n'était pas clair quelle vue devait prédominer, si l'on devait sympathiser ou simplement rire des personnages. La soirée où j'ai assisté, il y avait clairement quelques rires au mauvais endroit, et le public ne savait pas comment interpréter le ton émotionnel. Si le travail précédent et le plus connu de Dolginoff reflétaient très bien les thèmes et les tropes de Sweeney Todd, ce thriller appartient finalement plus à l'archi-gothique du Rocky Horror Picture Show. Si c'est le cas, cela était-il davantage dû aux performances ou au matériel ? Je pense que la réponse se situe entre les deux. C'est une œuvre moindre que Thrill Me car elle essaie simplement de faire trop de choses et est trop intelligente à moitié, lorsque nous atteignons la fin. Mais pour réussir les changements rapides de ton, il lui faut aussi des interprètes qui accélèrent le rythme du dialogue et le jouent avec le sérieux mortel rapide que Noël Coward disait être le secret de la meilleure comédie. Mon sentiment est que au fur et à mesure que la série progresse et que les acteurs deviennent plus confiants en l'environnement et les uns avec les autres, ce sera le cas. Cela dit, les trois acteurs ont chanté avec assurance et exprimé à la fois une intensité émotionnelle réelle et fictive comme le scénario l'exigeait. À leurs côtés, Mathew Eglinton fait tout ce qu'il faut pour accélérer le rythme lorsque la musique intervient et génère une atmosphère de clavier sinistre, retentissante et chargée de malheur. Flames se joue jusqu'au 31 mai 2015 au Théâtre Waterloo East