CRITIQUE : Fings Aint What They Used T'Be, Théâtre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Photo: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Théâtre Royal, Stratford

21 Mai 2014

4 Étoiles

Fings Ain't Wot They Used T'Be, Lionel Bart (Musique et Paroles) et Frank Norman (Livre), désormais ressuscité à l'endroit où il est né, le Théâtre Royal Stratford East, dans une nouvelle production dirigée par Terry Johnson, présente au public régulier du théâtre britannique un certain nombre de casse-têtes gênants, voire perturbants.

Que fait Ryan Molloy à perdre son temps dans ça ? Jessie Wallace - C'est Quoi Ça? Sûrement Bart n'a pas écrit cette chanson pour ça ? Pourquoi ressusciter ça - vous ne verriez jamais rien de tel au National ? Où est la ligne de chœurs appropriée ? Peut-on utiliser ce langage sur scène ? Qu'est-ce que je viens d'assister ?

Il est important de réfléchir correctement à ces questions difficiles.

D'abord, Ryan Molloy. Connu pour son rôle de Frankie Valli dans le très réussi Jersey Boys, Molloy passe une grande partie du premier acte du spectacle à faire très peu, étant un membre de l'ensemble, chantant et dansant avec tout le monde - juste l'un des groupes hétéroclites de faux méchants qui traînent au bar de Fred et se livrent à de petits crimes et à des escroqueries, ainsi qu'à un peu de prostitution.

Molloy est excellent dans tout cela. Aucune question. Mais pourquoi s'embêterait-il ?

Parce qu'à mi-chemin du premier acte, il fait une entrée en tant qu'Horace, le décorateur d'intérieur joyeux que Fred appelle pour moderniser l'apparence de son bar. Horace est un rôle de rêve : tape-à-l'œil, dynamique, avec un numéro fabuleux, Contempery, un camérisme outrancier et une robe dans l'acte deux. Molloy est un Horace merveilleux en tout point – élégant, pétillant, excellent danseur, merveilleux chanteur, diction parfaite et il ne fait aucune erreur de timing comique. C'est du véritable jeu de caractère dans une comédie musicale et Molloy affiche des talents d'une profondeur et d'une ampleur inhabituelles pour un héros. C'est une performance époustouflante à tous égards.

Jessie Wallace est bien connue sous le nom de Kat Slater dans Eastenders et bien qu'il y ait quelques similitudes superficielles entre ce personnage et Lil ici, la chose la plus frappante est que, vraiment, Lil est une performance complètement différente. La dureté, le mouvement incessant, le grognement, la belliqueur sourde de Kat ont disparu - Lil est dure mais gentille, juste et romantique dans l’âme. Dans ses silences, Wallace brille - et elle ne démérite pas non plus en chantant et en dansant. Tant Do You Mind que Polka Dots sont délicieuses entre ses mains et elle interprète la chanson titre avec un vrai goût et un style de diva.

Elle est absolument merveilleuse à tous points de vue. C'est stupéfiant de voir quelqu'un qui peut être inégal comme Kat être si parfait dans tous les aspects. Souvent, elle vous fait penser à Barbara Windsor, ce qui, franchement, est idéal.

L'équipe de production ici a intégré dans le livre révisé des chansons que Bart a écrites mais qui n'étaient pas dans le spectacle original. Do You Mind et Living Doll, tous deux des succès pop de leur temps, se fondent aisément dans cette partition et bien que certains soient surpris que Bart ait écrit ces mélodies, le fait est qu'il l'a fait et elles conviennent parfaitement au style de ce spectacle. Where Do Little Birds Go? et Big Time sont parmi les autres ajouts et ils fonctionnent également bien, améliorant le caractère et l'empathie. La partition augmentée constitue un délice musical délicieux.

Sous la direction astucieuse et habile de Hands, et avec le travail supplémentaire sur le livre d'Elliot Davis, la pièce s'avère être cette bête inhabituelle : une résurrection, une pièce d'époque et une allégorie sur des problèmes qui troublent encore la société : la distance entre les classes, l'attrait du crime, la façon horrible dont les hommes traitent les femmes, la véritable signification de l'amitié, l'identification du vrai bien et du véritable mal. Retraité, augmenté et relooké, cette comédie musicale de 1959 a beaucoup à offrir à la Grande-Bretagne moderne : un aperçu de son passé, présent et avenir – tout à la fois.

Cette production montre à quel point la contribution de Bart au théâtre musical britannique était et est importante. Elle met en lumière les lacunes de l'approche du National Theatre. La production de Bart. est importante pour le répertoire : elle devrait être exposée avec toutes les ressources du National Theatre. Elle est tout aussi importante que Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard ou tout autre nombre d'écrivains de drame ; à certains égards, davantage, car Bart a toujours reflété la vie des gens ordinaires.

L'un des meilleurs aspects de cette production est qu'elle abhorre les lieux communs et les certitudes fausses sur le théâtre musical. Il n'y a pas de ligne de chœurs “glamour” ici, masculine ou féminine. Au lieu de cela, il y a des femmes très très bonnes, très très sexy de toutes formes et tailles (de la forme mince et ardente de Vivien Carter à la voluptueuse et merveilleusement ample Suzie Chard – dont les seins magnifiques semblent défier les théories d'Einstein sur la gravité) qui imprègnent chaque moment de joie sensuelle, de bonheur nonchalant et d'attentes lasses, désenchantées et fanées. Chacune est une triple menace. Elles sont au-delà du merveilleux.

Ainsi est la ravissante Sarah Middleton qui joue Rosie, l'ingénue qui trébuche dans le monde de Tosher, souffre pour lui et a ensuite son moment au soleil. Elle est fragile et douce ; la soie qui scintille sur l'acier.

Une autre excellente chose ici est que le langage de la pièce est maintenu fermement en 1959. Toute la couleur, l'éclat, le scandale et le charme de la langue de l'époque de l'East End est intact, non molesté par les tentacules gênants de la correction politique. Où ailleurs entendriez-vous une chanson intitulée The Student Ponce? La richesse que ce langage apporte à l'ensemble du spectacle est immensément satisfaisante.

Et ce n'est pas seulement la langue parlée qui est riche. Les décors et costumes de William Dudley établissent magnifiquement la période, la classe et le style de la pièce. C'est un mariage heureux entre le texte et la vision créative. Ben Omerod éclaire tout merveilleusement et il y a une utilisation astucieuse de grands écrans vidéo pour ajouter de l'atmosphère et augmenter l'humeur, qu'elle soit tendue ou heureuse.

Mais la cerise sur le gâteau, la surprise inattendue, la plus vraie dose de feu divin vient avec la chorégraphie musclée, sexy, charmante et totalement envoûtante de Nathan M Wright. Il est rare en effet que les pas de danse contribuent à la compréhension d'un personnage – mais c'est précisément ce qui se passe ici. L'audience apprend plus sur la Lil de Wallace dans la façon dont elle exécute les pas de danse que dans n'importe quel nombre de scènes. Il en va de même pour Horace de Molloy et Tosher de Stefan Booth, mûr et inattendu. En effet, avec l'ensemble de la distribution. Tout au long, Gary Watson et Stevie Hutchinson font un travail de pied formidable, tout cela est techniquement impressionnant et un merveilleux arrière-plan détaillé.

Le travail le plus astucieux de Wright vient dans son traitement de Where It's Hot qui donne à Christopher Ryan, qui est en grande forme comique tout au long, une chance de voler la scène en tant que Red Hot. Mais les grands numéros sont tout aussi impressionnants et bien que la scène soit petite, les routines ne semblent jamais encombrées ou confinées : elles scintillent sans cesse.

C’est vrai que Gary Kemp et Mark Arden ne sont pas aussi incroyables que certains autres membres de la distribution, mais cela importe peu. Avec tant de tours comiques délicieux – Carter et Myrtle de Will Barton et Percy est simplement inspiré – le léger sous-jeu des deux rôles principaux masculins se remarque à peine.

Hands a produit une résurrection merveilleuse, joyeuse et assez triomphante d'une pièce qui est souvent négligée et rejetée comme “démodée”. La vie, la beauté et le pur plaisir qui émanent de la scène méritent une longue, longue série.

Si seulement plus de Fings étaient comme ça; comme ils étaient.