CRITIQUE : Fings Aint What They Used T'Be, Théâtre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Photo : Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Théâtre Royal, Stratford

21 Mai 2014

4 Étoiles

Fings Ain't Wot They Used T'Be, Lionel Bart (Musique et Paroles) et Frank Norman (Livre), maintenant ressuscité là où il est né, au Théâtre Royal Stratford East, dans une nouvelle production dirigée par Terry Johnson, présente au public régulier de théâtre britannique un certain nombre d'énigmes troublantes, parfois dérangeantes.

Qu'est-ce que Ryan Molloy fait ici à perdre son temps ? Jessie Wallace - C'est une blague ? Bart a vraiment écrit cette chanson pour cela ? Pourquoi voudriez-vous ressusciter ça - vous ne verriez jamais quelque chose de similaire au National ? Où est le véritable chorus line ? Peut-on utiliser ce langage sur scène ? Qu'est-ce que je viens de voir ?

Il est important de bien réfléchir à ces questions difficiles.

Tout d'abord, Ryan Molloy. Célèbre pour son rôle de Frankie Valli dans le phénoménalement succès Jersey Boys, Molloy passe une grande partie du premier acte à faire très peu, étant un membre de l'ensemble, chantant et dansant avec tout le monde - juste un membre hétéroclite des faux méchants qui traînent au bar de Fred et s'engagent dans de petits crimes et méfaits, ainsi que dans un peu de prostitution.

Molloy est excellent dans tout cela. Sans question. Mais pourquoi s'embêter ?

Parce qu'au milieu du premier acte, il fait une entrée en tant que Horace, le décorateur d'intérieur heureux que Fred appelle pour redonner un coup de neuf à son bar. Horace est un rôle de rêve : tape-à-l'œil, dynamique, un numéro fabuleux qui fait sensation, moderne, démesuré et extravagant avec une robe dans l'acte deux. Molloy est un merveilleux Horace sous tous les angles – élégant, pétillant, grand danseur, merveilleux chanteur, diction parfaite et aucun faux pas dans le timing comique. C'est un véritable jeu d'acteur dans une comédie musicale et Molloy montre des talents avec une profondeur et une ampleur peu courantes pour un premier rôle masculin. C'est une performance époustouflante à tous points de vue.

Jessie Wallace est bien connue en tant que Kat Slater dans Eastenders et bien qu'il y ait quelques similitudes superficielles entre ce personnage et Lil ici, le plus frappant est qu'en réalité, Lil est une performance complètement différente. La dureté, le mouvement incessant, les sarcasmes, l'agressivité tranquille de Kat ont disparu – Lil est coriace mais gentille, juste et romantique dans l'âme. Dans ses silences, Wallace brille – et elle n'est pas en reste quand il s'agit de chanter et danser non plus. Tant Do You Mind que Polka Dots sont délicieux dans ses mains et elle interprète le titre avec un véritable éclat et un style de diva.

Elle est absolument merveilleuse à tous égards. C'est stupéfiant de voir quelqu'un qui peut être inégal en tant que Kat être si parfaite à tous égards. Souvent, elle vous fait penser à Barbara Windsor, ce qui, franchement, est idéal.

L'équipe de production ici a introduit dans le livre révisé certaines chansons que Bart a écrites mais qui n'étaient pas dans le spectacle original. Do You Mind et Living Doll, tous deux des succès pop de leur temps, trouvent facilement leur place dans cette partition et même si certains pourraient être surpris que Bart ait écrit ces morceaux, le fait est qu'il l'a fait et qu'ils conviennent parfaitement au style de ce spectacle. Where Do Little Birds Go? et Big Time sont parmi les autres ajouts qui fonctionnent également bien, renforçant le caractère et l'empathie. La partition augmentée offre un véritable régal musical.

Sous la direction astucieuse et habile de Hands, et avec le travail supplémentaire sur le livre d'Elliot Davis, la pièce s'avère être cette bête inhabituelle : une reprise, une pièce d'époque et une allégorie sur des questions qui troublent toujours la société : la distance entre les classes, l'attrait du crime, la façon épouvantable dont les hommes traitent les femmes, le véritable sens de l'amitié, l'identification du vrai bien et du vrai mal. Recréée, augmentée et remodelée, cette comédie musicale de 1959 a beaucoup à offrir à la Grande-Bretagne moderne : un aperçu de son passé, présent et futur – tout à la fois.

Cette production montre à quel point la contribution de Bart au théâtre musical britannique a été et est importante. Elle met en lumière les insuffisances de l'approche du Théâtre National. La production de Bart est importante pour le répertoire : elle devrait être présentée avec toutes les ressources du Théâtre National. Elle est tout aussi importante que Hare, Bennett, O'Casey, Stoppard ou n'importe quel nombre d'écrivains de théâtre ; à certains égards, encore plus, parce que Bart a toujours reflété les vies des gens ordinaires.

L'une des meilleures choses de cette production est qu'elle abhorre la sagesse conventionnelle et les certitudes fausses sur le théâtre musical. Il n'y a ici ni chorus line « glamour » masculin ni féminin. Au contraire, il y a des femmes très, très bonnes, très, très sexy de toutes tailles et formes (de la forme svelte de Vivien Carter à la voluptueuse et merveilleusement ample Suzie Chard – dont les seins magnifiques semblent défier les théories d'Einstein sur la gravité) qui insufflent chaque moment de leur sensualité joyeuse, de leur béatitude léthargique et de leurs attentes teintées de lassitude. Chacune d'elles est une triple menace. Elles sont extraordinaires.

Tout comme la délicieuse Sarah Middleton qui joue Rosie, l'ingénue qui trébuche dans le monde de Tosher, souffre pour lui et puis a son moment au soleil. Elle est frêle et douce ; la soie qui scintille sur l'acier.

Une autre excellente chose ici est que le langage de la pièce est fermement ancré en 1959. Toutes les couleurs, l'éclat, le scandale et le charme du langage de l'époque de l'East End sont préservés, intacts des tentacules troublants du politiquement correct. Où d'autre entendriez-vous une chanson intitulée The Student Ponce ? La richesse que ce langage apporte à l'ensemble du spectacle est immensément satisfaisante.

Et ce n'est pas seulement le langage parlé qui est riche. Les décors et les costumes de William Dudley établissent parfaitement la période, la classe et le style de la pièce. C'est un heureux mariage de texte et de vision créative. Ben Omerod éclaire tout magnifiquement et il y a une utilisation ingénieuse de grands écrans vidéo pour augmenter l'atmosphère et intensifier l'humeur, qu'elle soit tendue ou joyeuse.

Mais le glaçage sur le gâteau, le frisson inattendu, la véritable dose de feu divin vient avec la chorégraphie musclée, sexy, charmante et totalement séduisante de Nathan M Wright. Il est rare, en effet, que des pas de danse contribuent à la compréhension du personnage – mais c'est précisément ce qui se passe ici. Le public en apprend plus sur la Lil de Wallace dans sa façon d'exécuter les pas de danse que dans n'importe quelle scène. C'est pareil pour le Horace de Molloy et le Tosher mûr et inattendu de Stefan Booth. En effet, avec tout le casting. Tout au long, Gary Watson et Stevie Hutchinson réalisent un excellent travail de jambes, tout cela est techniquement impressionnant et un merveilleux détail de fond.

Le travail le plus intelligent de Wright se trouve dans son traitement de Where It's Hot, qui donne à Christopher Ryan, en splendide forme comique tout au long, l'occasion de voler la scène en tant que Red Hot. Mais les grands numéros sont tout aussi impressionnants et bien que la scène soit petite, les chorégraphies ne semblent jamais encombrées ou confinées : elles scintillent sans cesse.

Il est vrai que Gary Kemp et Mark Arden ne sont pas aussi impressionnants que certains membres du reste de la distribution, mais cela importe peu. Avec tant de délicieux tours comiques – Carter et Will Barton en Myrtle et Percy sont simplement inspirés – le léger manque d'intensité de jeu des deux principaux acteurs masculins passe presque inaperçu.

Hands a produit une reprise merveilleuse, joyeuse et tout à fait triomphante d'une pièce souvent négligée et écartée comme étant « démodée ». La vie, la beauté et le pur plaisir qui émanent de la scène méritent de durer longtemps, longtemps.

Si seulement plus de choses étaient comme ça, comme elles avaient l'habitude de l'être.