CRITIQUE : À la découverte de Neverland, Théâtre Lunt-Fontanne ✭✭✭✭✭

À la poursuite de Neverland

Théâtre Lunt-Fontanne

5 Étoiles

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Le dramaturge célèbre J.M. Barrie a le syndrome de la page blanche. Sous la pression de son producteur américain insistant pour produire une nouvelle pièce, il peine à trouver de nouvelles directions. Il s'est lié d'amitié avec quatre garçons dont le père est décédé subitement l'année précédente. Il vit des aventures folles avec eux dans les jardins de Kensington, jouant aux pirates et aux Cowboys et Indiens, et s'échappant de sa propre vie tout en les aidant à trouver leur chemin pour avancer dans la leur, surtout Peter, celui des quatre qui s'efforce le plus de laisser derrière lui son enfance, cherchant à entrer précocement dans le monde adulte car il pense que les adultes ressentent moins la douleur.

Un jour, Barrie a joué intensément avec les garçons et les a ramenés chez eux où ils doivent aller se coucher. Ils sont très excités et leur énergie débordante les pousse dans une hyperactivité. En un instant, sans avertissement, Barrie voit le monde différemment, et nous aussi. Un champ d'étoiles apparaît sur scène et soudain, de manière incroyable, les garçons volent en jouant. Comme des moments enchanteurs de surprise théâtrale inattendue, ce moment, où les graines des aventures de Peter Pan et des Garçons Perdus sont semées, est très haut dans l'échelle de l'extase. Personne ne respire pendant que ces garçons volent, personne ne fait de bruit. L'encapsulation d'un pur, étonnant émerveillement est trop parfaite, trop capitale pour qu'un battement de cœur soit manqué.

Harvey Weinstein a été le champion de l'adaptation du film à succès, À la poursuite de Neverland, pour la scène du théâtre musical. Il y a quelques saisons, une version magnifique a été montée au Leicester Curve mais Weinstein n'en était pas satisfait et a décidé de reprendre le projet à zéro avec une nouvelle équipe créative. Le résultat de cette décision est maintenant en avant-première au Théâtre Lunt-Fontanne.

C'est une histoire vraie curieuse. Avant d'écrire Peter Pan, J.M. Barrie a rencontré et formé une relation étroite, que certains considèrent malsaine, avec Sylvia Llewellyn Davies, une veuve, et ses quatre garçons. L'un de ces garçons, Peter, a inspiré le personnage du garçon qui ne grandit jamais. Sylvia est morte alors que les garçons étaient jeunes et Barrie a pourvu à leurs besoins comme s'il était leur propre père, un acte qui n'est pas sans conséquences pour Barrie. Cette trame est embellie et enrichie ici, mais aucune des conséquences des choix faits par les personnages centraux n'est diminuée. De façon écrasante, il s'agit d'une histoire d'amour pur, d'imagination pure et de génie pur.

Walt Disney a toujours cherché à créer de la magie, à ravir, à enchanter, à exposer des émotions, en réalisant des films pour les enfants, jeunes et vieux. Disney serait fier de la persévérance de Weinstein et de l'accomplissement extraordinaire de Diane Paulus (direction), James Graham (livre), Gary Barlow et Eliot Kennedy (partition et paroles), David Chase (supervision musicale), Simon Hale (orchestrations), Scott Pask (décors), Suttirat Anne Larlarb (costumes), Kenneth Posner (éclairages), Jonathan Deans (son), Paul Kieve (Illusions) et Mary-Mitchell Campbell (chef d'orchestre) - chacun d'eux.

Car À la poursuite de Neverland est une expérience véritablement magique du théâtre musical. Véritablement. Magique.

La partition est vive et très belle. Des ballades aux chansons de garçons tapageuses et aux grandes pièces d'ensemble généreuses, plus un hymne exceptionnel ou deux - Barlow et Kennedy livrent vraiment la marchandise. Il y a un numéro magnifique dans le deuxième acte, Play, qui arrête presque le spectacle - en effet, si l'orchestration était plus affirmée et puissante à la fin de la chanson, cela serait définitivement le cas. Les numéros que vous voulez entendre encore et encore viennent en abondance : Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus Of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me et le superbe When Your Feet Don't Touch The Ground. Toute la partition a une forme, une sonorité qui fonctionne parfaitement avec la période dans laquelle le récit se déroule, mais qui reste fraîche et vivante avec enthousiasme.

Le livre de Graham est splendidement théâtral et direct. Il y a des blagues de théâtre, des références méta et des clins d'oeil familiers ; mais plus que cela, il raconte l'histoire triste des garçons Llewellyn Davies de manière nette et claire, sans avoir recours à un sentimentalisme excessif. Avec intelligence et un immense cœur, Graham détaille comment les garçons guérissent Barrie et soignent son syndrome de la page blanche, tout en les soignant eux-mêmes et en les aidant à traverser leurs pertes tragiques.

Contre cette histoire émotionnelle très personnelle et très compliquée, Graham imagine le monde hautement théâtral du théâtre et ceux qui le peuplent - le producteur, les acteurs, la direction de scène, l'équipe technique. De différentes manières, la vie est donnée à l'imagination et la délinéation parallèle de la façon dont cela se passe est réalisée avec soin, humour et audace. Les caractérisations dessinées avec finesse, les décors intelligents et rapides, une mèche lente de douleur alors que la tragédie se déroule et que les possibilités de rédemption se profilent - Graham écrit avec perspicacité et conscience, produisant un livre qui est sans cesse surprenant et satisfaisant. Cela pourrait bien être son meilleur travail pour la scène.

Paulus s'assure que le sentiment d'émerveillement et de magie est toujours au centre, que ce soit les acrobaties aériennes de divers personnages, l'apparition dramatique soudaine (et totalement inattendue) du Capitaine Crochet, la façon dont les fées et la Fée Clochette sont représentées, le travail captivant des jeunes acteurs, la création du navire de Capitaine Crochet à partir de rien, ou la scène absolument à couper le souffle où Sylvia quitte le monde mortel dans une pluie d'enchantement scintillant et venteux. Tout dans la façon dont la pièce est mise en scène est étincelant, excitant et impliquant. Il faudra vraiment un cœur de pierre pour ne pas verser de larmes pendant une grande partie du deuxième acte, tant les expressions sincères de joie et de douleur sur scène sont vraies, crues et totalement compréhensibles. Paulus est un génie. Indiscutablement.

Le décor de base de Scott Pask est assez remarquable, combinant le sens des jardins de Kensington, le concept de l'écriture, la notion de théâtre et divers aspects de l'histoire de Peter Pan en un seul ensemble coloré fixe. Il ajoute des éléments détaillés, richement décorés, ou de beaux tissus de fond pour créer divers espaces. La chambre des garçons évoque naturellement, et devient alors, la chambre où les enfants Darling résident. La scène où les garçons tentent de monter la pièce de Peter est simple et ingénieuse, et la scène en coulisses où Barrie et Sylvia admettent leur attirance et dansent en ombre est tout simplement envoûtante, aidée en grande partie par le superbe éclairage de Posner. Le spectacle est aussi magnifiquement texturé que la partition est sonore.

Les jeunes hommes qui ont joué les garçons Llewellyn Davies étaient tout simplement formidables. Aidan Gemme a capturé admirablement la nature perdue de l'âme de Peter, ainsi que sa colère et sa rancune, qui ont toutes fondu sous les soins prodigués par le Barrie de Matthew Morrison. Il a une voix douce et vraie et une présence scénique captivante. Alex Dreier a fait un Michael splendidement exubérant et Sawyer Nunes un George doux, mais ferme. Son embarras face au beau sourire d'une fille et la façon dont il a remis sa grand-mère à sa place étaient des moments de vérité pleinement réalisés. Effervescent et espiègle, Christopher Paul Richards était un Jack parfait.

Ensemble, les quatre étaient tout à fait crédibles en tant que frères, leur camaraderie et leur rivalité excellemment exprimées. Il n'y avait aucune fausse fanfaronnade chez aucun d'eux ; quatre talents doués, naturels et sincères.

Carolee Carmello est glorieusement formidable en tant que matriarche de la maison Llewellyn Davies. Elle chante aussi admirablement que jamais, son ton est riche et ravissant, ses notes sont sonores et pures. Elle commence comme une véritable dure à cuire, mais l'extérieur de plutonium se dissipe au fil du jeu et elle finit par être la mère de sa fille et la grand-mère de ses petits-fils - c'est une performance magnifiquement pensée.

Dans le rôle de la tragique Sylvia, Laura Michelle Kelly est belle et enveloppée de grâce. Maternelle et aimante, sa Sylvia est totalement superbe. Elle chante avec un ton lustré et clair, ses notes aiguës sont pures et expressives, c'est exaltant. Son rapport avec Morrison est exceptionnel et construit avec soin jusqu'à la superbe séquence de danse en ombre. Elle est également excellente avec les garçons et sa chaleur amorce le processus qui libère la grand-mère bénigne intérieure de Carmello. Kelly est une véritable délice.

Il en va de même pour Kelsey Grammar qui joue le rôle du véhément et exigeant Charles Frohman, le producteur désespéré d'une nouvelle pièce de Barrie. Il est hilarant - "Les enfants sont comme les soufflés : inutiles jusqu'à ce qu'ils soient levés" - et prend le rôle à bras-le-corps, en tirant chaque nuance et rire du rôle. Environ aux deux tiers du premier acte, on se demande brièvement pourquoi il a pris ce rôle, mais ensuite il y a un rebondissement qui rend tout cela parfaitement compréhensible. En tant que conceptualisation de Hook par Barrie, Grammar est exceptionnellement bon. Il chante aussi bien qu'il joue, avec entrain, aplomb et véritable style.

L'ensemble est uniformément formidable, avec des performances remarquables de Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith et Jack dans le rôle du chien adoré du public, Porthos.

Mais, sans aucun doute, la vedette ici est Matthew Morrison, qui livre une performance d'une énergie sans limite en tant que dramaturge en difficulté J.M. Barrie. Curieusement, il utilise un bon accent écossais pour le dialogue mais l'abandonne pour chanter, Morrison apporte de la gravité et de l'intensité à chaque scène. C'est une performance totalement engagée, inondée de charme et de cette douceur paternelle ineffable que les bons pères exigent. Son travail avec les garçons est merveilleux à regarder (ces années Glee rapportant de grands dividendes) tout comme sa chimie avec Grammar, Kelly et Carmello. Il est drôle et astucieux, danse avec vigueur et dextérité, et chante avec une puissance, assurée, de baryton haute pleine de sang et sans faille. Ce rôle représente une transition pour Morrison, d'acteur secondaire accompli à véritable leader de Broadway. En tant que J.M. Barrie, il est meilleur qu'il ne l'a jamais été.

Cette saison voit Broadway couvrir une large gamme de styles dans les nouvelles comédies musicales. Something Rotten est celui qui est infectieusement hilarant ; An American In Paris est celui dont la danse est somptueusement mise en avant, romantique ; Hamilton, celui qui défie le genre, excitant ; Fun Home, celui qui satisfait intellectuellement ; It Shoulda Been You, celui qui est charmant et doux ; Dr Zhivago, la romance exotique ; et The Visit, un exemple de forme défiée par le contenu.

À la poursuite de Neverland est celui magique ; celui qui nourrira et libérera votre enfant intérieur. Ne gardez pas votre enfant intérieur emprisonné - volez pour obtenir un billet. Vendez votre ombre si nécessaire.

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