CRITIQUE : Farinelli et le Roi, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove et Sam Crane dans Farinelli et le Roi. Photo : Marc Brenner Farinelli et le Roi

Théâtre Sam Wanamaker

4 mars 2015

4 étoiles

Le roi est au lit, à la pêche. Pas des compliments, mais du poisson. Enfin, un poisson. Dans un bocal à poisson rouge. Rêve-t-il ? Est-il fou ? Est-il bipolaire ? La reine essaie de le calmer, de percer ses barrières, de l'aimer, avec soin, patience et compréhension, afin qu'il puisse émerger de sa noirceur et régner à nouveau sur l'Espagne, devenir à nouveau le petit-fils du Roi-Soleil français. Mais elle ne parvient pas à l'atteindre. Son Conseil non plus, qui tente la brutalité et les menaces de destitution, plutôt que l'amour, le respect ou la compréhension, pour le sortir de sa torpeur. Aucune tactique ne fonctionne.

Dans le désespoir, la reine s'en va. Pendant qu'elle s'inquiète hors d'Espagne, elle entend la célèbre superstar d'opéra, Farinelli, chanter. Sa voix céleste, éthérée, apaisante, incroyablement musicale, la touche de façons qu'elle comprend à peine. Elle a une idée. La voix extraordinaire de Farinelli pourrait-elle soulager l'esprit troublé de son mari, son roi ?

La réponse se trouve au Théâtre Sam Wanamaker, où la nouvelle pièce de Claire van Kampen, Farinelli et le Roi, est présentée en première saison, dans une mise en scène de John Dove. C'est une pièce légère, mais très belle, parfaitement adaptée à la grandeur intime de l'espace, et tout à fait enivrante, tant tout y est parfaitement jugé.

Les bougies qui éclairent la scène baignent les événements dans une chaude lueur ambrée qui est parfaitement accordée au cœur du récit. La musique est somptueusement exécutée, avec des musiciens talentueux (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson et Jonathan Byers) et William Purefoy qui ravit en tant que Castrati pour toutes les saisons, le Farinelli titulaire. (Purefoy partage le rôle avec Iestyn Davies).

Une astuce astucieuse est employée pour le rôle de Farinelli. Le talentueux Sam Crane en porte la charge dramatique, mais quand vient le moment de chanter, il est soit rejoint sur scène, soit remplacé par Purefoy, costumé exactement comme Crane. Astucieusement, cette astuce sépare la voix de l'homme, reproduisant la douloureuse castration de Farinelli à l'âge de dix ans. L'homme ne pouvait pas avoir cette voix ; la voix est contre nature ; la voix est extraordinaire. Tant en termes de thèmes abordés par la pièce que de théâtralité du jeu, cette dualité dans la représentation de Farinelli est inspirée. Elle permet le meilleur des jeux d'acteur et des chants.

Purefoy a un contre-ténor fort, riche et agile. Il est un plaisir à écouter. Le timbre de sa voix est séduisant ; plein de tonalités expressives et fumées, ainsi que de notes de grâce agiles et de fioritures impressionnantes. Les passages soutenus sont correctement soutenus et dynamisés et il n'y a aucune indifférence paresseuse à la production sonore que l'on peut trouver dans les voix moins compétentes de ce type. Ce qui est juste bien, car rien ne pourrait sauver cette œuvre si le chant du contre-ténor n'était pas magnifique.

Sam Crane est en superbe forme en tant que superstar de l'opéra diffidente. Incertain de lui-même lorsqu'il n'est pas en costume, sur scène et devant un orchestre, le Farinelli de Crane est une âme douce, gentille et tourmentée. Il est clair qu'il aimerait retrouver ses testicules à l'instant. Les attraits de la célébrité et de la richesse ne lui plaisent pas autant que d'être normal, de faire partie d'une famille, de faire quelque chose de bien.

Crane met en avant tout cet arrière-plan par une performance gagnante qui repose autant sur sa posture ou l'expression de son visage que sur sa maîtrise du langage. C'est une performance complexe et stratifiée, débordant de nuances et de charme ; drôle autant qu'émouvante. Son discours sur ses débuts à l'opéra à Londres est le point culminant de la pièce. Crane dépeint clairement la douleur et la solitude d'une célébrité écrasante.

En tant qu'Isabella, la deuxième épouse de Philippe V, Melody Grove est envoûtante à tous points de vue. Elle démontre sa dévouement et son dévouement à son mari sans effort, et vous parieriez sur elle contre le Conseil du Roi n'importe quel jour : elle peut sembler belle et discrète, mais les feux de sa passion brûlent profondément. Son discours sur la gloire du travail vocal de Farinelli est magistralement et à faire frémir. La relation délicate et complexe entre Isabella et Farinelli est touchamment illuminée par Grove et Crane qui sont parfaitement synchronisés. Performances généreuses, détaillées et élégantes.

Edward Peel est convenablement arrogant et irritant en tant que grand d'Espagne pointilleux, De la Cuarda, le fonctionnaire qui se méfie de son monarque à l'esprit confus. En tant que Docteur Cervi et Metastasio, Huss Garbiya et Colin Hurley ont peu à travailler, mais se débrouillent bien, apportant un intérêt supplémentaire en tant qu'initiés idiosyncratiques dans le récit allégé en intrigues.

La pièce de van Kampen est une magnifique confection et touche à des thèmes intéressants : le pouvoir guérisseur de la musique ; la question de l'« art élevé » et l'accès de la communauté à celui-ci ; la beauté sous une forme non naturelle ; la relation entre douleur et grandeur. Ce sont toutes des facettes intéressantes du joyau central de la couronne de van Kampen : la relation unique et particulière entre Farinelli et Philippe. Les deux hommes se considèrent comme étant là où ils sont pour des raisons non naturelles : Farinelli à cause de sa castration, Philippe parce que son grand-père le Roi-Soleil l'a choisi pour son poste. Les deux hommes souffrent à cause du fardeau non naturel qu'ils portent.

De même, l'un et l'autre en viennent à apprécier et à être guéris par les vertus, réalisations et capacités de l'autre. Il y a une séquence délicieuse dans le deuxième Acte où Philippe s'efforce de faire chanter Farinelli pour les communautés de la forêt où ils ont vécu, communiant avec la nature et la musicalité des sphères dans les cieux. C'est un moment important pour les deux hommes : Philippe signifiant qu'il soutiendra l'intérêt de sa femme pour l'Opéra et le rendra accessible aux masses ; Philippe suggérant que Farinelli devrait à nouveau chanter en public et comprendre pourquoi son don devrait être apprécié de beaucoup ; et Farinelli comprenant que son travail pour guérir le Roi est allé aussi loin qu'il le pouvait probablement.

Dans le programme, van Kampen déclare : « Le rôle du Roi est très particulier en ce que l'acteur doit habiter l'esprit et le corps d'un homme qui est gravement perturbé, mais qui est très aimé. Je devrais dire que le fait de me souvenir de Mark jouant Hamlet en 1988 et à nouveau en 2000 a joué un rôle fondamental pour moi dans la création de ce rôle ; Hamlet se comporte de manière épouvantable avec tout le monde dans la pièce (sauf Horatio) mais le public s'en soucie tout au long. C'est bien sûr le génie de Shakespeare, mais la capacité de Mark à jouer ces types de rôles (comme avec Johnny 'Rooster' Byron dans Jerusalem en 2011) l'a placé fermement dans mon esprit au cœur de cette pièce ».

Sans aucun doute. Rylance est marié à van Kampen et elle a eu de nombreuses années pour considérer et réfléchir à ses nombreuses qualités en tant qu'acteur. Tout cela se reflète clairement dans l'écriture : le rôle de Philippe est pour un acteur changeant, gracieux, qui peut minauder comme un enfant de deux ans et rugir comme un tyran envahissant, tout cela dans un portrait complet, complexe et constamment en changement de dysfonctionnement.

Rylance est excellent à tous égards, notamment dans le sens de la tolérance humble qui sous-tend les aspects plus rationnels de son Philippe. Il est très drôle, mais aussi la douleur et la difficulté de la dépression sont aiguës transmis. Il y a des moments où Philippe se retourne contre Isabella et la blesse, presque lui brisant le poignet ou lui mordant la lèvre ; ce sont des moments purement sauvages, propulsés par une rage incandescente issue de la folie et Rylance les réalise magnifiquement.

Avec une touche légère et un œil ouvert sur les possibilités comiques, Rylance montre clairement la lutte du Roi avec la santé mentale et le devoir. Il brise souvent le quatrième mur, toujours à bon escient, et sa réponse extatique à la musique que fait Farinelli est tout à fait inspirée. C'est bon de le voir enfin marcher sur les planches de la scène du Théâtre Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom fournit un design astucieux et tout à fait somptueux pour la production. Sa solution pour les scènes de forêt dans l'Acte Deux était particulièrement bonne. Les costumes sont merveilleusement détaillés et colorés – la robe d'Isabella dans les scènes de forêt est d'une beauté époustouflante.

La production de Dove est douce et magnifique. La pièce ne changera pas le monde et ne représente pas nécessairement fidèlement le véritable tableau historique, mais elle est aimable et rayonne de chaleur et de joie. Un bon récit, un jeu d'acteur superbe et une musicalité immense – un cocktail puissant et un moment très heureux au théâtre.

Farinelli et le Roi sera transféré au Théâtre Duke Of York's le 14 septembre 2015