CRITIQUE : Falstaff, Théâtre Arcola ✭✭✭✭✭

Falstaff

Arcola Studio 1

18/08/15

5 Étoiles

« Les gens ont tort de dire que l'opéra n'est plus ce qu'il était. Il est ce qu'il était. C'est ce qui ne va pas avec lui. » Noël Coward. Lorsque Verdi fut interrogé sur sa vision du théâtre, il répondit simplement : « Un théâtre plein ». J'aime à penser qu'il aurait été très heureux tant de la performance que de la salle comble des représentations de sa dernière œuvre Falstaff (1893) à l'Opéra de Fulham. Verdi n'était pas un théoricien mais un homme de théâtre pragmatique, et cette production partageait exactement ce même esprit – traitant un ancien favori avec un respect total pour ses valeurs musicales tout en étant ouvert à de nouveaux concepts de production pour attirer de nouveaux publics. Cela est particulièrement nécessaire pour les comédies avec un cadre historique spécifique. Après Monty Python et Blackadder, il n'est vraiment pas possible de présenter ce type d'opéra dans un fustian croisé sans une angle ironique ; mieux vaut donc, en de nombreuses façons, le sortir de son temps et le représenter dans une autre époque ou en tenue contemporaine - comme ici - où il devient effectivement Les Joyeux Chavs de Windsor. Le résultat est l'une des meilleures justifications de l'ethos Grimeborn de la saison actuelle, et une merveilleuse réfutation de la citation de Coward en tête de cette critique.

Le Studio 1 à l'Arcola peut être un espace difficile : le principal espace de représentation est assez petit, surtout si vous devez faire de la place pour les instrumentistes aussi ; et si une grande partie de l'action se déroule dans l'espace de loft surélevé, alors au moins un tiers du public aura une vue limitée des événements. Le premier point à souligner au sujet de cette excellente production est qu'elle utilise très efficacement le théâtre tout en minimisant ses limitations.

Il y a une fluidité dans le mouvement des personnages ici, qu'ils soient seuls ou en groupe, qui en dit long sur l'expérience et la flexibilité du metteur en scène Daisy Evans. Les excellents Bardolph (Oliver Brignall) et Pistol (Antoine Salmon) gambadent sur les passerelles parmi le public et génèrent une énergie incessante tout en délivrant des performances vocales posées. Autour du point fixe - le bar du Garter Inn - meubles et accessoires vont et viennent avec aisance, de sorte qu'il y a toujours suffisamment d'espace vide pour travailler. Il y a beaucoup plus de danse qu'habituellement aussi. Je n'ai jamais vraiment pensé à cette opéra comme étant plein de potentiel chorégraphique, mais il y a maintenant beaucoup d'épisodes qu'il sera difficile de penser sans ces images en tête - la réminiscence twinkle-toed de Falstaff de sa jeunesse en tant que page, et un finale style disco à l'acte trois ne sont que deux exemples qui se démarquent.

Un rythme effréné est d'autant plus important parce que l'équipe créative a décidé de solidariser les deux premiers actes, ce qui donne une première moitié très longue d'environ 100 minutes. Que cela passe si rapidement et mémorablement est grâce à l'ensemble du casting, bien sûr, mais peut-être avant tout au pianiste Jonathan Musgrave, qui a reçu une ovation bien méritée à la conclusion de la soirée. Les répétiteurs ne reçoivent toujours pas le crédit qu'ils méritent, mais il est difficile de voir comment le Grimeborn pourrait avoir lieu sans eux. J'étais initialement sceptique quant à la façon dont cet opéra sonnerait sans les touches orchestrales extraordinaires que Verdi lui prodigue avec prodigalité. Cependant, les touches de couleur et la technique bravura que Musgrave a fournies ont servi à nous faire tous oublier que nous écoutions une réduction pour piano. Des tempos incisifs, variés avec des points de repos et une large dynamique, étaient au cœur du succès de cette production. Ben Woodward en tant que directeur musical les a fixés pour les chanteurs, mais Musgrave nous a donné la base essentielle sécurisée durant toute la soirée.

Ce n'est pas un opéra facile à réaliser. Les chanteurs doivent être de très bons acteurs également et capables de livrer des lignes vocales complexes en mouvement. Musicalement, il est exceptionnellement concentré. Des mélodies magnifiques passent en abondance, illustrant tout ce que Verdi était capable de faire dans son style tardif. Nous sommes habitués aux compositeurs nous donnant beaucoup d'occasions de réentendre des airs réapparaître sous différentes formes pour que nous enregistrions toute leur richesse. Pas ici. Presque aucune ne revient, amenant certains commentateurs à considérer cet opéra comme sans mélodie, une travestie de la vérité. Ainsi, les chanteurs doivent vraiment être capables de faire enregistrer les airs en entier dès la première demande tout en jouant naturellement. Une tâche difficile, mais que ce casting livre.

Il n'y a pas de maillons faibles, et il y a une confiance détendue dans l'ensemble qui indique que tout le monde est suffisamment technique et en synch avec l'esprit de la production pour s'amuser. Keel Watson est naturellement adapté au rôle de Falstaff. Il a une voix énorme au besoin, et une manière sournoise, pétillante, facile de tromperie qui vous permet de voir le vieux filou à la fois comme escroc et charmeur. Les côtés plus sombres de la vie intérieure du gros chevalier, habilement interpolés des pièces Henri IV par le librettiste Arrigo Boito, ont également été transmis avec émotion et intensité.

Parmi les autres rôles masculins principaux, Oliver Gibbs comme Ford a tiré le meilleur parti de son air de « jalousie », la section de cet opéra qui renvoie à l'intensité tragique brûlante d'Otello; et Roberto Abate, comme le jeune amoureux Fenton était plein du bon type d'ardeur romantique à cœur ouvert et de malice pour couvrir les principaux aspects de son personnage. Les rôles comiques, comme je l'ai déjà noté, surpassaient leurs poids, et ils ont été complétés par un Dr Cajus convenablement grossier en Brian Smith-Walters.

Les quatre rôles féminins principaux sont vocaux distinctifs et collaborent bien en équipe. En particulier Catherine Rogers comme Alice Ford était vocalement imposante et offrait leadership et invention comique, et Lindsay Bramley comme Mistress Quickly a joué à fond sur le potentiel de machination dans son rôle. En tout, ces performances étaient bien moins conventionnelles et suffisantes que d'habitude. J'ai vu ces rôles joués auparavant comme « Desperate Housewives de Windsor », mais pas comme une bande de filles d'Essex, et c'était un changement rafraîchissant. Quiconque a conçu les costumes - non nommé dans le programme - a fait un excellent travail en 'assortissant' des couleurs criardes qui s'entrechoquent avec beaucoup de clinquant de bon goût.

Tout n'est pas parfait. Pour quelque raison inexplicable, les surtitres de l'excellente traduction moderne du livret ont été projetés de manière à ce qu'une grande partie du public ne puisse les voir, et j'ai également pensé que rouler Falstaff dans l'orchestre avec le linge était un peu faible comme moyen de dramatiser son dépôt et sa plongée dans la Tamise. Mais peu importe : cette soirée avait tellement pour elle, tellement plus de véritable comédie en fait que l'on trouve dans de nombreuses productions traditionnelles qu'elle mérite la plus haute distinction.

Photos : Robert Workman

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