CRITIQUE : Foi, Espoir et Charité, Théâtre National ✭✭

Julian Eaves critique Faith, Hope and Charity de Alexander Zeldin actuellement joué au Dorman Theatre du National Theatre.

Celia Noble dans Faith, Hope and Charity. Photo : Sarah Lee Faith, Hope And Charity

Dorfman Theatre, National Theatre,

17 septembre 2019

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Lord Cottesloe a autrefois donné son nom à l'un des trois auditoriums du National Theatre's South Bank; maintenant il ne reste qu'une seule salle de réception dans laquelle, lors de la première de cette nouvelle pièce, écrite et mise en scène par Alexander Zeldin, la presse a été rassemblée à l'entracte.  Presque entièrement dépourvue de mobilier, il y a une grande bibliothèque à une extrémité, sur laquelle sont entassés de nombreux scripts de pièces et des livres écrits par des dramaturges.  Parmi eux, celui qui a attiré mon attention est le réfléchi et provocant 'As Much As I Dare' d'Arnold Wesker.  Je l'ai retiré de l'étagère et j'ai décidé de jouer à 'draw the sortes' avec : le laissant tomber au hasard à une page et laissant mes yeux se poser sans guide sur les mots les plus proches de ma focalisation, et de ces mots prenant des conseils spirituels, pour mieux naviguer mon chemin actuel.  De manière fascinante, voici ce que j'ai lu, des mots non de Wesker, mais cités par lui : '... gardez-vous loin de la prose... tenez-vous-en à la poésie...'  C'était un conseil donné quand il était jeune écrivain.  Bien que je sois loin d'être une personne à soumettre Dieu à une 'critique supérieure', j'ai néanmoins senti que j'avais besoin d'une assurance pour soutenir cette position : après tout, ce que j'avais lu n'était pas les mots de Wesker lui-même, mais des mots 'trouvés'.  J'avais besoin de quelque chose de sa voix.  Ainsi, j'ai pris un deuxième volume, un exemplaire de ses 'Social Plays', et de celui-ci est tombée cette ligne magique : 'La vérité est la vérité - dévastatrice'.

Photo : Sarah Lee

Avec ces pensées résonnant dans mon esprit, je suis retourné à l'auditorium pour continuer à regarder la première de cette pièce au titre si religieux (tiré de 1 Corinthiens, 13:13, dans la version autorisée du roi Jacques de la Sainte Bible : 'Et maintenant, ces trois choses demeurent : la foi, l'espérance, la charité ; mais la plus grande de ces choses est la charité').  Le titre est à peu près la seule chose mystique à propos de la pièce.  Tout le reste est une banalité austère, terre-à-terre, hyperréaliste, où l'éclairage brutalement terne à pleine intensité de Marc Williams nous immerge dans le même monde sans charme que le décor ultra-naturel de Natasha Jenkins (elle habille le casting avec la même ordinaire inflexibilité).  Cependant, parmi les blocs de béton et les panneaux de contreplaqué, Jenkins introduce une trinité de fenêtres de chapelle néo-néoclassiques non conformistes, suggérant (ce que le script ne fait jamais) un certain sens religieux perdu - la centrale est légèrement plus haute que les deux autres.

Nick Holder et Dayo Koleosho. Photo : Sarah Lee

Quant au reste de la pièce, eh bien, il n'y a vraiment pas grand-chose, et elle est assez dépourvue d'inspiration poétique.  Une sorte de revisite des 'Les Bas-fonds' de Gorki - se déroulant dans un centre de jour pour sans-abri, dépossédés et détressés - c'est un parent pauvre en effet, manquant presque dans tous les aspects.  Je ne sais pas combien dans le public ont passé beaucoup de temps à vivre dans les conditions représentées sur scène.  Je ne pourrais pas vous dire combien d'entre eux ont eux-mêmes expérimenté personnellement le sans-abrisme, la pauvreté, la faim, le froid et l'isolement, mais pendant de nombreuses années, ce furent des caractéristiques dominantes dans ma vie, et dans la vie de ceux avec qui je suis entré en contact.  Cette réalité, cependant, n'est pas quelque chose que j'ai reconnue dans la création de Zeldin.  Il a, apparemment, entendu les voix des personnes qu'il représente, il a vu leur société : cela est laborieusement et je suis sûr sincèrement recréé ici.  Mais sans les tripes et sans l'esprit.  C'est une sorte de théâtre 'halal' : une image de la vie prise et lentement exsangue avant d'être servie au public.  Superficiellement, cela semble plausible ; mais prêtez attention et cela se trahit rapidement comme une fraude.

Alan Williams. Photo : Sarah Lee

C'est un monde peuplé exclusivement de perdants.  N'ayant connu qu'énergie et vitalité chez les pauvres, désespérés et marginalisés, cela a été un véritable choc de devoir m'asseoir à travers deux heures et demie de faiblesse, de plainte et de regret, d'excuses, de déni et de reproche, présenté de manière si délibérément sans artifice et avec une vraisemblance affichée, tellement sérieux dans ses efforts pour vous faire croire qu'il est réel.  Les gens dans cette salle s'assoient et discutent, discutent et discutent avec un manque singulier de vivacité et de dynamisme d'une manière si étrangère à ce que j'ai vécu, ici même à Londres, pendant tant d'années.  Le bavardage est presque interminable, racontant toujours des événements de deuxième main qui auraient pu faire un drame captivant - si le dramaturge-réalisateur les avait permis.

Apparemment, c'est le domaine de 'Hazel' de Cecilia Noble, la matrone - sans rien d'autre que l'arrière-plan 'esquissé tardivement' - dont les soins presque sacrés gardent la soupe populaire glorifiée en marche.  Son interprétation, comme la plupart de la distribution, est patiente et tolérante, ne cherchant pas à attirer trop l'attention sur les inadéquations désolantes du texte, de la construction, du style, de la manière, etc. de la production.  Cependant, dès la première scène, il est clair que sa vocation dramatique est tout autre : être l'une des nombreuses femmes qui orbitent autour d'une figure beaucoup plus importante, un homme, 'Mason' l'intermédiaire d'une banalité officielle de Nick Holder.  En théorie, il est là pour diriger un 'choeur', et en un sens il y a une 'intrigue' qui se construit jusqu'au climax fracassant où ils passent en revue quelques chansons pop (pensez à 'The Events' de David Greig, tellement mieux, et diluez avec 10 parties d'eau de fossé froide).  Cependant, je pense que sa raison d'être dramato-esthétique est tout autre.  Dès le début, Hazel ne peut détacher ses yeux de lui ; et assez vite, 'Beth', la mère défaillante de manuel de Susan Lynch, lui jette ses bras autour, lui montre sa poitrine nue et l'étouffe de baisers passionnés.  Quel homme.

Ayomide Mustafa. Photo : Sarah Lee

Pendant ce temps, le 'Karl' de Dayo Koleosho, l''Anthony' de Corey Peterson et le rôle d''Ensemble' sans nom de Nathan Armakwei-Laryea sont tous ignorés.  Il en va de même pour 'Marc' de Bobby Stallwood (seulement âgé de 16 ans).  En termes de politique sexuelle, c'est 'intéressant' de voir cela se produire.  Ah, quelqu'un a-t-il mentionné la politique ?  Vous savez, je pense que, quelque part, derrière toutes les chaises en plastique et les serviettes en papier, il est censé y avoir une discussion 'implicite' sur, euh, je crois que l'expression technique est les questions 'brûlantes du jour'.  Mais, et c'est un gros mais, Zeldin s'assure que personne n'est jamais autorisé à monter sur scène pour leur donner une forme physique, en tant que journaliste, ou conseiller municipal - je pense que le programme les appelle 'conseillers' - ou toute incarnation de l'autorité qui pourrait concevablement dépasser le seul mâle alpha autorisé, 'Mason' (avec son nom si évocateur de 'constructeur', 'membre d'une organisation d'entraide secrète', etc.).  Hmmmm....

Le résultat est une pièce pleine de mots mais totalement dépourvue de drame.  Cela n'a pas dérangé le public de la première : la plupart ont ri et gloussé docilement tout au long du talk-show sur scène, puis ont sauté sur leurs pieds à la fin de la 'performance' pour l'acclamer jusqu'aux cieux.  Et honnêtement, je n'ai pas pu comprendre pourquoi.  Je ne sais pas.  Peut-être que je me trompe complètement.  Peut-être qu'ils savent tous ce à quoi ce genre de monde ressemble vraiment, et que c'est moi qui ne sais pas.  Je suis heureux d'être corrigé.  En attendant, nous avons des rôles sous-écrits pour 'Tharwa' de Hind Swareldahab et son enfant de scène, 'Tala' (Kamia Hunte, Ayomide Mustafa ou Ashanti Prince-Asafo), plus les supplémentaires gaspillés de Sarah Day, Shelley McDonald et Carrie Rock - tous des satellites orbitant plus distants.  Marcin Rudy contribue un tout petit peu de mouvement.  Et puis il y a la constante lamentation et les excuses d''Bernard' joué par Alan Williams.  De toutes les choses que je me souviens des gens de ce milieu, aucun d'eux n'a jamais senti qu'ils avaient à s'excuser pour ce qu'ils étaient ou ce qu'ils faisaient.  Et donc ils ne l'ont jamais fait.  Il y a quelques éclats mal préparés et sous-alimentés ici, mais rien n'atteint jamais l'impulsion nécessaire pour aller quelque part.

Bobby Stallwood. Photo : Sarah Lee

Tout cela lui donne un air très fade et pré-digéré, avec chaque poussée potentielle de dynamisme théâtral avortée avant d'avoir eu la chance de se développer.  De mon point de vue certes limité et probablement désespérément biaisé, ceci est tellement décevant.  Ces gens des bas-fonds de la société sont ceux qui, à mon expérience, ne perdaient guère de temps pour aller droit au but, et pourtant ici ils ne semblent jamais même commencer à le saisir.  Je termine avec un dernier exemple : Un jour, en me faisant couper les cheveux, un jeune homme du coin a fait irruption chez le coiffeur, désireux de vendre - rapidement, pour de l'argent liquide et sans poser de questions - un appareil photo coûteux qui venait d'arriver en sa possession.  Il m'a abordé avec son offre.  J'ai posé quelques questions d'évaluation sur l'appareil.  Il a rejeté mes questions d'un geste léger mais poli, 'Je suis un voleur, pas un photographe'.  Je suggérerais que cet individu comprenait plus sur le dialogue concis, ingénieusement conçu qui fait un impact dramatique soudain et indélébile que le prudent et laborieux M. Zeldin ne saura jamais.  La vérité est vraiment la vérité - et elle est dévastatrice.  Et c'est précisément ce que vous n'obtenez pas ici.  Il y a bien des contributions bien intentionnées de la part des acteurs et des créatifs, mais rien ne peut résoudre les défauts d'un script verbeux, statique et sans vie.