CRITIQUE : Rencontre, Above The Stag ✭✭✭✭✭

De gauche à droite : Penelope Day, Alexander Huetson, Adam Lilley. Crédits photo : Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Étoiles

Acheter des billets Above the Stag, sous les arches ferroviaires de Vauxhall, est bien connu pour sa programmation soigneusement orchestrée axée sur des thèmes gay, mais ce qui contribue autant à sa réputation croissante et à son succès, c’est le fait que Peter Bull et son équipe produisent tous les spectacles en interne. Cela garantit des valeurs de production constantes, mettant en avant un mélange d'écriture nouvelle frappante, de reprises stratégiques de spectacles injustement négligés et de comédies musicales ou de pantomimes légères. Les contraintes d’espace, de budget et de temps de répétition se transforment régulièrement en opportunités créatives qui offrent une expérience continuellement gratifiante, stimulante, drôle et pourtant intime pour le public. Toutes ces qualités sont très présentes dans le nouveau spectacle superbe, Encounter, qui prend le film d'après-guerre de Noel Coward et David Lean Brief Encounter comme source d'inspiration, mettant en valeur un script brillant et quelques performances d’acteurs exceptionnelles. Il est souvent avancé que les pièces de Coward, Rattigan et Tennessee Williams offrent des études de cas sur la sexualité déplacée, où le dramaturge masque son propre homosexualité dans les expériences de couples hétérosexuels pour explorer indirectement des rencontres qui n'auraient jamais pu être mises en scène directement à l'époque. Bien qu’il y ait quelque chose à dire pour cette interprétation (surtout dans le cas de The Deep Blue Sea de Rattigan), c’est souvent beaucoup plus compliqué que cela.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crédits photo : PicsByGaz.com Certes, dans ce cas, les personnages de Coward étaient pleinement formés, d'abord comme véhicules pour lui-même et Gertrude Lawrence, dans la courte pièce Still Life, et plus tard dans les rôles rendus célèbres au cinéma par Celia Johnson et Trevor Howard. Mais cela ne signifie pas que transformer les personnages en deux hommes gays est de quelque manière que ce soit étranger à l'esthétique de l'original, qui est fidèlement recréée ici.

Car le drame est tout autant un récit des pressions impossibles auxquelles les gens ordinaires étaient soumis à la fin de la guerre en 1947, qu'une simple histoire d'amour contrariée. Le rationnement, l'austérité forcée, la mauvaise santé publique, les inégalités énormes de classe et de richesse et les opportunités éducatives sont tous des thèmes qui traversaient l'original et qui reviennent ici dans la réécriture subtile de Phil Willmott. La victoire semblait peu meilleure que la défaite. Ajoutez à cela le carcan des mariages malheureux dont un nouvel amour offre soudain l'espoir d'une évasion joyeuse et vous avez exactement les circonstances alléchantes nécessaires pour présenter une relation gay transgressive mais rédemptrice dans un cadre contemporain plausible.

C'est très similaire au monde et aux questions que J.B. Priestley explore dans An Inspector Calls, et la mise en scène (également par Phil Willmott) évoque à certains égards le style de la célèbre production de Stephen Daldry. Si ce n'est pas ce qu'a écrit Coward, c'était certainement fidèle à la texture de la vie qui s'est vécue et expérimentée dans plus de quelques gares, parcs et sacristies d'après-guerre ... et maintenant cela peut être évoqué et documenté ...

Willmott marque le fait qu'il s'agit d'un hommage à une période en plaçant un motif de parenthèse moderne autour de l'histoire principale, de sorte que nous voyons un couple gay contemporain réagir au matériel préservé dans un journal qui est soudain apparu abandonné sur un kiosque. De là, nous sommes ramenés à la gare de Vauxhall en 1947, dans des nuages de vapeur, un éclairage expressionniste frappant et un décor superbement évocateur qui est décoloré en tons sépia qui évoquent le film. Le designer David Shields (qui est interviewé dans le programme) a un parcours impressionnant dans ce théâtre où le défi est d'utiliser pleinement la largeur de l'espace scénique tout en donnant l'illusion de profondeur.

Alexander Huetson et Adam Lilley Crédits photo : PicsByGaz.com

Ce décor est l'un de ses meilleurs – beaucoup est entassé dans un petit espace – un kiosque de vendeur, la ferronnerie et l'architrave en dentelle de découpe d'une station victorienne, des notes d'époque, une salle d'attente gothique qui fait également office de sacristie d'église, et le foyer d'une maison familiale à Surbiton. Pourtant, les lignes de vue sont claires et les acteurs semblent très à l'aise en son sein. Le public a à la fois une vraie proximité et l'illusion de la distance par rapport à l'action, et la sensation de période est parfaite. Il en va de même pour les costumes.

Il y a quatre interprètes, dont deux jouent plusieurs rôles. Adam Lilley joue le Dr Lawrence Marsh, qui est détaché dans une clinique à Vauxhall un jour par semaine. Alexander Huetson est Arthur Hollis, le chef de gare, qui rencontre pour la première fois le Dr Marsh en tant que patient. Penelope Day joue à la fois la femme de Marsh, Sarah, et une vendeuse de journaux, Mavis Madden. La distribution est complétée par Chris Hines, qui incarne à la fois un policier et le vicaire local, et est répertorié comme assistant réalisateur.

Bien qu'il y ait quelques moments de mélodrame ici tout comme dans l'original, ils se limitent à l'intrigue plutôt qu'au jeu qui se distingue par sa subtilité et sa retenue. Ce qui n'est pas dit ou ce qui est exprimé en langage corporel plutôt qu’en mots produit une démonstration éloquente que moins, c’est souvent plus, et certainement chez les personnages britanniques super-réservés et contraints de cette période. Les deux hommes gays en particulier sont enroulés comme des ressorts sous tension, et sans comprendre cela, la pièce ne peut fonctionner.

La relation entre Marsh et Hollis est très soigneusement développée. Elle fait référence au film – une matinée de cinéma, une musique récurrente de mélancolie et de nostalgie – Schubert et non Rachmaninov cette fois-ci, interruptions déconcertantes par d'autres à des moments clés – mais elle trace son propre chemin de manière totalement plausible. Marsh est à la fois le plus éloquent et le plus tourmenté des deux, et celui qui est bien plus prisonnier des anxiétés conventionnelles de classe et de moralité. Ce contraste angoissé est très bien représenté par Lilley, oscillant entre peur et surenchère bravache, et refusant d'admettre la puissance de l'amour et de l'attraction sexuelle. C'est finalement une étude de l'auto-absorption, et comment sous pression cela conduit à la cruauté involontaire et au sacrifice de la réalisation de soi. Marsh a plus à perdre aux yeux de la société, mais dans le processus, il renonce à la meilleure chance qu'il aura jamais d'être vrai envers lui-même. Lilley nous donne le sous-courant de regret et de perte ainsi que la confiance en la surface assurée.

De gauche à droite : Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crédits photo : Scott Rylander

Arthur Hollis est techniquement un rôle exigeant à interpréter car il est bien moins articulé que Marsh. Pourtant, Huetson fait un travail magistral et émouvant en le rendant le baromètre émotionnel de la pièce, allant de l'optimisme pétillant à un stoïcisme pâle. En partie à travers le langage corporel, et en partie par son jeu détaillé en dehors du discours, Huetson trouve une éloquence, une tendresse et une dignité pour son personnage qui sont très émouvantes. Et quand il trouve sa voix – dans un monologue sur la réalité des préjugés et des persécutions, et dans une déclaration puissante sur le pouvoir transformateur de l'amour – les résultats sont vraiment convaincants.

Les rôles de Penelope Day sont une partie importante de l'ancrage structurel et émotionnel de la pièce. Le conjoint à la maison, comme dans le film, est un rôle assez ingrat, mais il a besoin d'être une représentation parfaite, sans faille, de la bonté ordinaire pour fonctionner, et cela est difficile à réaliser. Elle doit être une personne de valeur à part entière pour rendre l'intrigue plus poignante – Marsh ne devrait avoir aucune bonne raison autre que l’amour pour quitter sa femme. Mavis Madden est une création plus burlesque, en partie Mrs Pike de Dad's Army, et en partie Mrs Malaprop de The Rivals. Elle sert à éclairer et modérer le ton, tout en offrant une compréhension discrète et coquine de l'histoire d'amour et une sorte de chœur.

De même, le personnage du policier est plus un stéréotype comique qu'un rôle majeur, mais le portrait de Chris Hines montre bien les contradictions et paradoxes entre sa vie personnelle en tant que Lothario vagabond et son rôle officiel de gardien moral. Le vicaire, en revanche, est une création bien plus trouble et sinistre : une démonstration du pouvoir malveillant de la haine de soi gay et de la jalousie sexuelle, vernie d'empathie spécieuse, huileuse et fausse.

Évoquer des films célèbres peut facilement sombrer dans la parodie ou la comédie involontaire mais grâce à l'habileté de l'écriture et au jeu soigneusement gradué et pleinement habité, cette production est un triomphe sur tous les plans et mérite une course très réussie. Encounter creuse profondément dans les méfaits des distinctions de classe et expose les effets de la privation, qu’elle soit sexuelle, émotionnelle ou sociale, dans un drame touchant, non dogmatique qui peut atteindre quiconque est piégé dans l'écart entre la réalité compromise et l'aspiration désirée. Il y a aussi beaucoup d’humour, à la fois large et subtil.

C'est une des deux ou trois pièces qui m'ont le plus impressionné cette année. À ne pas manquer.

Encounter est à l'affiche au Above The Stage Theatre, Vauxhall jusqu'au 15 novembre 2015