CRITIQUE : Chacun sa propre nature sauvage, Orange Tree ✭✭✭✭✭

Rosie Holden et Joel MacCormarck dans Chacun Sa Propre Jungle. Photo : Richard Hubert Smith Chacun Sa Propre Jungle

Orange Tree Theatre

5 Étoiles

Durant sa vie, Doris Lessing a remporté tous les prestigieux prix littéraires, y compris le Nobel ; et sa réputation de romancière n'a pas faibli depuis sa mort en 2013. Pourtant, certains aspects de sa production protéiforme restent négligés, particulièrement ses trois pièces, et c'est l'une de ces œuvres précoces qui est maintenant reprise par Paul Miller au théâtre Orange Tree de Richmond. Initialement jouée au Royal Court en 1958 sous la direction de John Dexter, Chacun Sa Propre Jungle semble au premier abord appartenir à la génération d'Osborne avec ses protestations contre les collectivités britanniques des années 1950, mais la réalité est bien plus intrigante, complexe et stimulante. Lessing a toujours fait la vertu de refuser la classification tant dans la forme que dans le fond: son écriture explore sans relâche de nombreuses formes et genres, conventionnels et non conventionnels; et tout en semblant embrasser les aspirations des causes progressistes, politiques et féministes, elle a résolument refusé d’être inscrite dans leur nombre. C'était une attitude ironique d'écrivain, pas simplement ou principalement une question d'entêtement personnel. Dans son livre le plus célèbre, Le Carnet d'or, écrit juste après cette pièce (et clairement lié à elle), elle affirme que « l'art est le miroir de nos idéaux trahis » ; et à un niveau, ce roman et cette pièce sont des commentaires prolongés sur cette observation ironique et consciente. Non seulement les personnages démontrent la capacité humaine à porter des idéaux contradictoires et déroutants en même temps dans leur esprit; mais notre tendance à envelopper le personnel dans le politique suscite également un scepticisme sur la question de savoir si les engagements les plus nobles peuvent jamais être séparés d'un certain degré d'illusion personnelle.

La pièce se concentre sur la relation entre une veuve d'âge moyen et mère, Myra Bolton, et son fils Tony, récemment revenu du Service national pour vivre dans leur maison londonienne spacieuse mais encombrée. Myra est une femme d'une variété et vitalité exceptionnelles mais épuisantes, engagée dans des campagnes politiques successives de divers types, tout en menant également une vie émotionnelle trépidante avec une succession de « oncles » (comme les appelle Tony) qui ont succédé à son mari, tué il y a longtemps lors du Blitz. Myra est une femme de grande fascination et charme pour tous ceux qui l'entourent, qui embrasse la vie à pleines dents ; mais Lessing utilise sa relation avec son fils pour suggérer qu'elle pourrait faire autant de mal que de bien. D'abord, nous sommes amenés à croire que ses énergies sont trop généreuses, trop diffuses et chaotiques pour réussir : elle est détournée même pour se rendre à la manifestation devant le Parlement qui est au centre des premières scènes. Sa maison est pleine d'une foule de vagabonds et d'orphelins de sorte que son fils doit dormir sur un canapé dans le hall, et le cadre lui-même symbolise cette confusion, ce déplacement et ce désordre par lieu dans un couloir en désordre, mais assez joliment carrelé à l'encaustique, tout au long de la pièce.

Plus important encore, Myra fait beaucoup de dégâts involontairement à ceux qui lui sont dévoués en ignorant ou en contournant leurs sensibilités pour le prétendu bien de la cause plus grande et plus vaste. Dans un renversement d’attentes bien travaillé, c’est son fils qui est le personnage qui a besoin de stabilité, d’ordre, de cohérence de comportement et d’une existence domestique stable, et le parent qui nie continuellement ces possibilités. L’apolitique, sèchement observateur, et mis de côté Tony démontre le coût personnel et familial de l’activisme, et aspire à être laissé tranquille pour concevoir sa propre façon de vivre. Au lieu d'être « torturé par des choses situées à des milliers de kilomètres », il veut vivre à la maison avec dignité dans « la pauvre petite Grande-Bretagne ». La confrontation entre la mère et le fils dans la pièce s’approfondit avec les meilleures intentions de part et d’autre et culmine en une conclusion désolée et mutuellement dévastatrice. Le commentaire final et sombre de Lessing semble être, comme elle l'a dit ailleurs : « Il n'y a pas grand-chose à dire pour la sincérité en soi. »

Dans une première pièce d'un auteur imprégné de lectures larges et profondes, vous vous attendez à des échos d'autres pièces, et il y en a. Par moments, Myra semble canaliser Judith Bliss de Hay Fever, et les échanges tendus entre mère et fils doivent clairement quelque chose au Coward de The Vortex. Tony a beaucoup de l'éloquence, du scepticisme, du jeu et de l'indécision de Hamlet aussi. D'autres références et stéréotypes peuvent et seront sans doute trouvés, mais rien de tout cela n'a d'importance si la pièce convainc par elle-même. Ce qu'elle fait indubitablement. Le dialogue est captivant de naturalisme, plein d'esprit, vif et poignant tout en contenant aussi de petits joyaux d'intuition cristallisée qui émergent sans dissonance dans le tissu de la conversation. Le caractère est habilement établi entre les principaux protagonistes mais aussi certains des personnages secondaires. Il y a de belles opportunités, bien saisies ici surtout par Susannah Harker en tant que l'amie triste et avertie de Myra, Milly Boles, pleinement consciente des conséquences de ses propres actions d'une manière inconnue de Myra. De même, il y a de beaux caméos de Roger Ringrose en tant que Mike Ferris, un ancien admirateur de Myra, dont la dévotion non reconnue à sa cause et ses causes est une autre victime de la « sincérité », et de Rose Holden en tant que Rosemary, une ingénue dans ce ménage worldly, qui fait cause commune avec Tony. Bien qu'elle ait peu à dire, elle joue magnifiquement hors du discours et en réaction aux autres personnages, presque comme un chœur commentant l'action.

Cependant, cette pièce repose ou s'effondre sur la qualité de l'interaction entre Myra (Clare Holman) et son fils (Joel MacCormack). Ici, le jeu est vraiment très fin. Holman capte le charme mercurial et énergisant de Myra ainsi que la tristesse intérieure, les insécurités et la peur de vieillir qui animent son activité frénétique. Sa bonne intention et son désir irrésistible d'organiser les autres sans consultation sont très bien équilibrés dans une performance qui possède également une fluidité gracieuse de mouvement, prêtant élan et flux à l'action chaque fois qu'elle est au centre de la scène. La clé de la performance de MacCormack, en revanche, réside dans son immobilité et son aplomb, la façon dont il vous attire dans son monde domestique tranquille d'une manière innocente sans prétention, et la belle musique verbale qu'il apporte à son texte.

La pièce n'est pas sans faiblesses. Certains des personnages mineurs sont très légèrement esquissés et offrent peu de possibilités de développement par les acteurs. Il n’est jamais tout à fait clair pourquoi Myra et Philip (John Lightfoot) ont eu une passion si grandiose l’un pour l’autre, et Sandy Boles (Josh Taylor), l'intérêt amoureux de Myra au début de la pièce, reste un « petit opportuniste lisse », avec sa relation avec sa propre mère frustrante non examinée dans la pièce. De plus, Lessing suppose la proximité psychologique de la Seconde Guerre mondiale, et des réalités contemporaines de la bombe-H, du service national et d'autres réalités des années 1950 sans les tisser dans la texture de la pièce de manière très plausible. Pour ces personnages, il se peut que « la politique ait la même intensité que le sexe », mais nous ne le ressentons pas vraiment à travers l'écriture elle-même; et l'engagement de Tony avec la vie militaire disparaît dès qu'il enlève son uniforme dans le premier changement de scène. Si cette pièce est datée à certains égards, ce n'est pas principalement parce que les idées ont eu leur jour mais parce que les débats contemporains et le cadre sont plutôt pris pour acquis au lieu d’être intégrés.

Avec toute reprise, la question qui compte est de savoir si la pièce vit de son propre droit à nouveau ou dépend d'un plaidoyer spécial. Je n'ai aucun doute que cette pièce a sa propre vitalité et force et mérite de renaître. Elle réussit finalement parce qu’elle offre une belle vitrine pour les qualités sans illusion qui marquent la grandeur globale de Lessing en tant qu'écrivaine : d'une part, le cas pour l'activisme organisé et une vie d'engagement envers un altruisme visionnaire est fait avec force; mais il est équilibré par une lucidité impitoyable sur le mélange de motivations et les coûts personnels impliqués dans de tels choix de vie. Son message sans illusion semble être que dans un monde de fragmentation croissante – entre les familles, les genres, les générations et au sein de nos propres personnalités – il n’y a pas de solutions idéologiques toutes faites, seulement des compromis souvent inconfortables, et que le plus que nous pouvons souvent espérer est un degré de conscience de soi concernant nos propres contradictions et illusions incessantes….Chacun sa propre jungle.

Le théâtre Orange Tree s'est taillé une niche unique pour lui-même en tant que foyer pour l'écriture nouvelle et pour les reprises soigneusement choisies de répertoire longtemps négligé. Cette production est une marque de distinction ajoutée à cette réputation et un autre succès notable pour le metteur en scène Paul Miller et son équipe créative lors de leur première saison primée.

Chacun sa propre jungle est à l'affiche au théâtre Orange Tree jusqu'au 16 mai 2015