CRITIQUE : Drunk Shakespeare, Roy Arias Stages ✭✭✭✭

Drunk Shakespeare

Roy Arias Stages

10 Avril 2015~

4 Étoiles

L'excellence au théâtre se présente sous toutes formes et tailles, lieux et modes. Elle peut se trouver dans l'écriture lumineuse et résonnante, dans la performance audacieuse et remarquable (jeu, danse, chant, mime, la liste continue), dans la réalisation resplendissante de l'imagination d'un designer (du décor, du costume, de l'éclairage ou du son) ou dans la façon dont les combinaisons de certains ou de tous ces éléments produisent des résultats inoubliables grâce à un metteur en scène d'une vision particulière.

Parfois, elle se trouve dans des endroits et des manières surprenantes.

De nombreuses soirées, en ce moment, durant une semaine donnée à New York, parfois deux fois en une soirée, un petit espace sur l'un des niveaux supérieurs des Roy Arias Stages sur la West 43rd Street accueille les réunions de The Drunk Shakespeare Society, « un club de buveurs avec un problème Shakespeare ». Ce sont des soirées grivoises, brutales et très drôles où une poignée de comédiens talentueux s'ébattent à travers des approximations brutes des écrits du Barde, racontant en quelque sorte les histoires de ses pièces mais mettant l'accent sur le plaisir insensé plutôt que sur l'étude complexe des personnages.

Le résultat est une farce théâtrale fraîche, frivole et quelque peu interactive. Cela semble hasardeux et insophistiqué mais c'est en réalité le résultat d'un travail minutieux, d'excellence en improvisation et d'une compréhension approfondie de la dynamique et des attributs de chaque membre de la troupe de comédiens.

Il y a deux éléments qui rendent cette troupe particulièrement impressionnante. Premièrement, tout ce qu'ils font se déroule avec le membre du public le plus proche à portée de main et soit ivre, buvant ou joyeusement familiarisé avec l'alcool - tout le monde reçoit un verre d'alcool fort à boire en entrant dans l'espace et des boissons sont achetées et consommées (et il est encouragé de les consommer) tout au long de la soirée.

Cela signifie qu'au fur et à mesure que la soirée progresse, l'imprévisibilité de la propension du public à interjecter ou même à participer au théâtre plaisant augmente proportionnellement à mesure que l'intoxication de leur flux sanguin s'élève. D'une certaine manière, bien sûr, c'est véritablement shakespearien - son public était capable d'être vocal lors des représentations et pouvait et buvait pendant celles-ci. Dans de telles situations, les acteurs doivent être au sommet de leur art pour éviter que l'élan soit perdu, que le récit soit distrait ou obscurci et que le public ne devienne trop turbulent.

Ce qui nous amène au second point de différenciation. Généralement, un artiste doit être alerte et vigilant dans des situations d'improvisation comme celle-ci. Mais la complication unique ici est qu'au moins un des acteurs commence les festivités en ingurgitant une série de cinq verres à la chaîne comme première étape de sa performance et, au fur et à mesure que les choses progressent, boit plus d'alcool au cours de la soirée. À la fin de la nuit, cet acteur pourrait avoir consommé suffisamment d'alcool pour faire tomber un rhinocéros (en particulier lors d'une journée de deux spectacles comme celle que j'ai vue) mais doit encore livrer des dialogues de manière cohérente et réagir aux circonstances changeantes autour de lui/elle.

C'est une mesure de l'engagement des acteurs (ou de leur tolérance à l'alcool peut-être) que les myriades de tâches puissent être réalisées de façon cohérente et engageante, malgré les interruptions constantes et la consommation d'alcool.

La représentation que j'ai vue mettait en scène cinq acteurs, quatre hommes et une femme, délivrant un résumé ivre de Macbeth. Malgré tous les bouffonneries, et il y en a eu beaucoup, l'axe principal de Macbeth a été raconté avec une clarté captivante : ceux qui ne connaissaient pas l'histoire ne seraient pas confus. Plus important encore, ceux qui la connaissaient pouvaient apprécier les plaisanteries folles utilisées pour embellir ou se moquer du texte de Shakespeare.

Les points clés qui restent en mémoire incluent : Duncan choisi parmi des participants volontaires du public prêts à payer de l'argent réel pour être couronné roi ; Lennox réduit au statut de marionnette, à la fois une critique du rôle et une solution ingénieuse à un problème causé par la taille de la distribution ; le moment où le Macbeth ivre réalise qu'il est sans son propre poignard fac-similé juste au moment où il s'apprête à lancer l'assassinat de Duncan ; le débat avec le public sur quel nom donner à Fleance au lieu de Fleance car l'acteur s'opposait à jouer un personnage nommé de manière si sotte (Denis était la solution) ; la parodie de Sleep No More ; le dernier combat entre Macbeth et MacDuff étant un affrontement de danse.

Il y a des imitations, des défis physiques, des points d'ordre, des interventions, le rare massage ou baiser sur la langue pour les membres du public, des acteurs essayant de faire rire d'autres acteurs ou de faire rougir les membres du public. Cela semble être une grande libre-entrée, mais c'est évidemment un effort bien répété, bien pensé. Les pièces maîtresses dans le texte bardisé ont clairement été soigneusement perfectionnées, mais le hasard et la réponse idiosyncratique d'un public particulier peuvent jeter dextrement les plans de côté : ici, par exemple, le besoin de Duncan d'uriner a frustré les plans de Macbeth pendant un moment.

Certains membres de la distribution sont clairement les observateurs - destinés à garder les roues en marche. Caitlin Morris et Whit Levenberger ont exécuté ces rôles admirablement, tout en jouant une gamme de personnages avec finesse et joie. D'autres membres de la distribution sont là pour provoquer, pour mélanger les choses, pour créer de nouvelles possibilités comiques. Josh Hyman et Damiyr Shuford se sont énormément amusés ici : il faudra du temps avant que j'oublie le Moondance shakespearien de Shuford.

Au cœur de ce spectacle particulier (on a l'impression, peut-être à tort, que différents membres de la distribution jouent différents personnages centraux dans différentes pièces ; que les principaux interprètes tournent) Adam Thomas Smith était excellent. Il faut de bons ou de grands acteurs pour convaincre en tant que mauvais. Smith a révélé sa compétence lorsqu'il a livré, comme défi, le monologue d'Hamlet « Être ou ne pas être ».

L'expérience entière est amusante. Elle ouvre l'appétit - à la fois pour voir une production de Macbeth où les enjeux sont réels et pour voir ces acteurs dans une production avec un agenda différent, non motivé par l'alcool. De plus, cela vous donne envie de voir plus de ces ivrognes dévoués à Shakespeare - s'ils pouvaient rendre Macbeth aussi drôle, que pourraient-ils faire avec la Comédie des erreurs ?

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