CRITIQUE : Di et Viv et Rose, Théâtre Vaudeville ✭✭✭✭

Photo : Johan Persson Di et Viv et Rose

Vaudeville Theatre

26 janvier 2015

4 étoiles

Dans le premier acte, l'exubérante Rose achète trois grands bols jaunes pour presque rien. Elle rentre à la maison qu'elle partage avec ses amies étudiantes, Di et Viv, et les déballe fièrement. Ce n'est que lorsqu'elle les met sur le comptoir qu'elle se rend compte qu'ils sont défectueux, qu'ils ne peuvent pas reposer à plat sur la surface. Ils vacillent, vides. Mais la maligne Viv fixe du Blu-Tack à chaque base pour les stabiliser, et la fougueuse Di les remplit chacun de cidre. Avec l'aide des trois amies, ces récipients non conformes, vides, deviennent utiles. Plus tard, dans l'Acte Deux, des années après que le trio a cessé d'être colocataires, les bols vacillants deviennent un symbole poignant de ce temps révolu où les trois amies vivaient ensemble et où la vie était plus simple.

En vérité, bien sûr, les bols jaunes représentent les femmes. Lorsque nous rencontrons chacune des trois pour la première fois, aucune n'est tout à fait à sa place, ne fonctionne pas correctement en tant qu'être humain opérationnel, et est plutôt, sinon complètement, vide. Mais avec l'aide des deux autres femmes, chacune devient plus forte, plus robuste, prête à remplir son rôle. Elles affrontent leurs défauts, les voient corrigés par leurs amies et avancent, productives et principalement optimistes, menant des vies pleines, quoique inattendues ou chaotiques.

Di et Viv et Rose, une pièce écrite par une femme (Amelia Bullimore), mise en scène (avec compétence et audace) par une femme (Anna Mackmin), chorégraphiée par une femme (Scarlett Mackmin), et mettant en vedette trois femmes (Samantha Spiro, Tamsin Outhwaite et Jenna Russell) est maintenant jouée au Vaudeville Theatre. La présence de tant de créatrices dans une production du West End est déjà une raison de célébration, mais Di et Viv et Rose mérite d'être célébrée pour plusieurs raisons. Bullimore observe ses personnages avec acuité et, comme tout bon dramaturge traitant de questions domestiques et personnelles, elle dénoue les couches de chacun des trios d'amies petit à petit, pas nécessairement de manière linéaire, exposant le noyau brut de chacune. Ce n'est pas une pièce pour femmes, mais c'est une pièce sur les femmes. Mais plus que cela, c'est une pièce sur l'amitié; une longue amitié durable.

C'est drôle, même idiot parfois, plein de cœur et cousu de fils de chagrin, de tragédie et du genre de disputes confrontantes que seules de véritables amies peuvent avoir. Le dialogue de Bullimore est vif et tranchant; des mondes et des classes s'entrechoquent dans la zone de guerre que peut être l'enseignement supérieur alors que les différences sont dévoilées, débattues et acceptées. Chacune des trois est fraîche, aiguisée et tout à fait réelle. Le sentiment de l'amitié qui se développe au fil des décennies est reflété dans un détail étincelant.

Il est peu probable qu'il y ait une meilleure production de cette pièce; les trois stars sont parfaitement choisies et chacune fait s'élever son personnage d'une manière qui transcende le texte.

Russell est la clé du trio, l'exubérante, avide d'hommes, croquant la vie à pleines dents, et décontractée agaçante Rose. Elle dépeint parfaitement les aspects inflexibles de Rose qui sous-tendent son envie folle de cuisiner, curieuse et volage, étudiante cherchant à échapper à sa famille. Il est impossible de ne pas la voir comme l'amie universelle, chic, loyale et stupidement franche. Malgré ses défauts, elle est irrésistible. Russell rayonne de joie - il faudra longtemps avant que j'oublie l'image d'elle allongée sur le dos sur un canapé se rafraîchissant l'entrejambe surmené avec un ventilateur sur pied.

Outhwaite est en excellente forme en tant que lesbienne sportive archétypale, dont la mère envoie des gâteaux et des colis de réconfort mais ignore que sa fille est gay. Elle est directe et apaisante et lorsque son monde s'effondre, la douleur est évidente, poignante et transmise avec sensibilité. Son oraison funèbre dans l'Acte Deux est particulièrement bonne, le point culminant de la soirée. Impossiblement triste mais pas sentimentale, Outhwaite démontre habilement et de manière convaincante ce que c'est que d'avoir perdu une amie de toujours.

Spiro est acide, piquante, intellectuelle et réservée; l'âme conduite, désespérément solitaire qui trouve réconfort, refuge et soutien auprès de ses improbables amies dans la colocation. Ses cheveux et ses tenues sont merveilleux (travail astucieux de Paul Wicks) et elle imprègne le personnage le plus difficile des trois d'une perspicacité et d'une compréhension. Sa scène finale avec Outhwaite est vraiment puissante.

Deux fois, peut-être trois, le ton de la pièce change brusquement, mais jamais cela ne gêne et l'auteur et les comédiennes profitent pleinement de chaque tournant. Ces trois actrices talentueuses manient facilement les thèmes lourds de l'Acte Deux. L'Acte Un se concentre davantage sur les opportunités et les possibilités – l'Acte Deux traite des conséquences et de la décadence.

Le premier acte cherche, délibérément, à être plus drôle et réussit largement. Le deuxième acte, bien que clairement plus sombre, reste drôle – mais il est aussi confrontant. Et bouleversant. Il y a beaucoup de tragédies déconnectées, surtout dans l'Acte Deux, et une partie de ce qui s'y passe semble incohérente avec les différents points de vue et traits de caractère si soigneusement construits dans l'Acte Un. Mais, alors, la vie est incohérente et injuste et la pièce et les personnages de Bullimore reflètent cette vérité.

Il y a une section extraordinaire dans l'Acte Deux où Spiro rit de manière incontrôlable pendant des siècles. Finalement, elle fait rire Outhwaite aussi – parce que les personnages sont complètement établis, le rire irrépressible, absurde et à couper le souffle est contagieux et compréhensible. Entre de moins bonnes mains, cette scène aurait pu échouer, être presque une torture à endurer. Mais avec quelle efficacité les trois actrices nous ont fait comprendre ces trois vies, si différentes et pourtant entrelacées, que cela résonne avec honnêteté. Peu de gens n'auraient pas été dans une telle situation; encore moins pourraient réussir ce que Spiro accomplit ici.

Le décor de Paul Wills est à son meilleur pour représenter la maison que le trio partageait; les scènes de New York et de la gare sont moins réussies. Et il y a une certaine intimité perdue dans le transfert de l'espace de Hampstead Theatre, où une incarnation antérieure de cette pièce a connu une vie réussie en 2013.

C'est un rare plaisir d'avoir trois actrices travaillant si bien ensemble, et leur humanité et leur humour garantissent que l'attention ne faiblit jamais et que les sourires (joyeux ou sombres) ne sont jamais loin. Le choix d'actrices évidemment plus âgées que les personnages qui apparaissent dans le premier acte semble étrange au début, mais la décision est correcte – et il est intéressant de voir l'effet que cela a sur la pièce à mesure qu'elle progresse. D'une certaine manière, la notion des personnages «alors» est toujours présente, même dans les scènes du «maintenant», et nous sommes constamment rappelés que nos «moi» actuels sont le produit de nos «moi» passés. Nous sommes ce que nous deviendrons.

Et nos véritables amies seront toujours avec nous. Peu importe quoi.

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