CRITIQUE : Dessa Rose, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Dessa Rose Trafalgar Studios 2 29 juillet 2014 4 Étoiles Réserver des billets

La fermeture récente de I Can't Sing a pesé comme un épais nuage horrible et sombre sur le West End. Mais, comme tous les nuages, il s'avère qu'il y avait, en effet, une lueur d'espoir.

Parce que si cela avait continué à fonctionner (comme cela devrait l'avoir fait parce que c'était vraiment très bon), Cynthia Erivo aurait été peu susceptible d'être disponible pour interpréter la première européenne de Dessa Rose, une comédie musicale de 2005 de l'équipe magistrale de Stephen Flaherty (musique) et Lynn Ahrens (livret et paroles) en avant-premières au Trafalgar Studio Two, ce qui aurait été une déception désespérante.

Dessa Rose est une pièce de théâtre musical remarquablement captivante qui retrace la vie de deux femmes du milieu des années 1800 au début des années 1920 en Amérique, principalement dans le Sud. Dessa Rose naît esclave mais à seize ans, elle a eu un enfant, été condamnée à mort et est en fuite. Son histoire s'entremêle avec celle de Ruth, une femme blanche née dans la splendeur du Sud et censée bien se marier. Elle se marie, mais pas bien - et se retrouve seule et abandonnée par son mari joueur, avec une plantation dysfonctionnelle pour maison.

L'essentiel de la comédie musicale retrace l'amitié qui finit par devenir solide entre ces deux femmes, toutes deux remarquables, tenaces et merveilleuses à leur manière. C'est presque une fable ; à certains moments, sauf pour le fait qu'il s'agit d'une histoire de deux femmes, on pourrait être pardonné de penser que Mark Twain l'avait écrite, tant l'esprit comique et les observations intenses et brutes sur les vicissitudes de la vie pour les femmes et les Afro-Américains dans le sud profond à ces décennies où l'esclavage était de rigueur et l'espoir et l'harmonie durement gagnés.

C'est drôle et profondément touchant par moments, et il y a de nombreux rebondissements avant que l'histoire ne soit terminée.

Andrew Keates met en scène avec une main sûre et claire. La production est simple et épurée, mais jamais ennuyeuse ou déroutante. Le petit espace est utilisé au maximum et malgré la proximité extrême du public avec les acteurs, il n'y a jamais de sentiment de gêne. Il y a une intimité ici qui convient admirablement au texte et l'aide à briller.

Tout dans le décor astucieux façon puzzle de Garance Marneur fonctionne. La présence constante des chaînes suspendues renforce la présence sous-jacente de la notion d'esclavage et elles sont utilisées pour une grande variété de fonctions, certaines surprenantes, d'autres servant les passages plus sombres. Les costumes (Phillipa Batt) évoquent tous splendidement la période.

Dean Austin assure une direction musicale de premier ordre et le petit groupe constitué de manière inhabituelle (clavier, violon/mandoline, bois et violoncelle), dispersé aux extrémités de l'auditorium, fournit un excellent accompagnement. Les acteurs aident à la section de percussion, d'une manière ad hoc selon les exigences de la partition. Ainsi, tout l'effet de la musique vous fait penser aux feux de camp, aux excursions de groupe et à la collaboration. Le sens du but commun est accentué par le placement des musiciens. C'est une touche astucieuse qui porte ses fruits.

Au centre de tout, cependant, se trouve la performance extraordinaire et absolument parfaite de Cynthia Erivo en personnage titulaire. Elle chante étonnamment bien, pleine de douleur et de beauté ; sa diction et son ton, clairs comme un clairon, riches et infiniment précis. Et dramatiquement, elle excelle également. Elle est drôle, humble, vengeresse, vigilante, vicieuse, aimante, douce, observatrice et joyeuse - ses yeux pétillent d'énergie et de joie, et chaque fois qu'elle entre en scène (et souvent même quand elle est là mais se cache dans l'ombre), elle dynamise les événements et offre le cœur palpitant de l'œuvre.

C'est une performance vraiment remarquable et captivante. Totalement vivante de toutes les façons possibles.

Elle bénéficie d'un excellent soutien de la part de Nathan par Edward Baruwa, un géant de compagnon esclave dont la passion pour la liberté est presque aussi grande que son cœur et sa volonté de profiter de la vie. Son interprétation de The Scheme dans le deuxième acte est l'un des moments les plus satisfaisants et divertissants de la soirée.

En tant que Ruth, Cassidy Janson offre une belle performance, surtout dans le deuxième acte lorsqu'elle passe plus de temps avec Erivo et Baruwa. La relation qu'elle développe avec Baruwa est particulièrement délicate et authentique. Sa confrontation et solidarité éventuelle avec Erivo est rafraîchissante et réaliste, franche et réelle. Vocalement, elle semblait parfois un peu réticente, mais pas suffisamment pour être problématique. Elle a le talent vocal et le public veut en profiter. Ses harmonies avec Erivo sont mémorablement agréables.

Cassidy partage un moment glorieux dans le premier acte avec John Addison, toujours fiable ; Bertie's Waltz est un moment de véritable espoir, de joie attendue ; et cela prépare ce qui suit pour Ruth avec aisance. Addison joue bien une série de rôles et il manque dans le deuxième acte lorsqu'il a moins à faire.

Jon Robyns joue heureusement à contre-emploi ; son traître ambitieux, égoïste, bigot, Adam Nehemiah, est un méchant de monstruosité en couches. Il construit le personnage avec délectation, révélant lentement le violeur lubrique et le chercheur de vengeance dérangé. Il chante avec une précision moqueuse.

Il y a surtout un excellent travail de Sharon Benson, Miquel Brown et Abiona Omonua, qui chante tous avec ferveur comme des chanteurs de gospel. Et Alexander Evans fournit une série de caméos habiles qui impressionnent, du propriétaire de plantation abusif aux riches débauchés en passant par le shérif ferme mais aimable et confiant.

Vraiment, il n'y a pas de maillons faibles dans l'ensemble. Tout le monde fait ce qui est nécessaire avec une assurance et une compétence qui devraient être plus courantes dans le West End mais ne le sont souvent pas.

L'éclairage excellent et atmosphérique de Neill Brinkworth et la chorégraphie de Sam Spencer Lane offrent la cerise sur le gâteau. S'il y a un petit bémol, c'est le design sonore de James Nicholson, mais il est encore tôt et nul doute que les gremlins seront éliminés à mesure que l'ouverture approche.

C'est une présentation terriblement mature d'une pièce de théâtre musicale difficile, mais éminemment attrayante et divertissante. C'est la meilleure œuvre de Keates à ce jour et avec Erivo, il a une star d'une véritable puissance qui livre dans tous les aspects.

Si vous appréciez une bonne histoire, racontée de manière incisive et magnifiquement interprétée, alors prenez un billet avant qu'ils ne soient tous vendus, comme cela doit sûrement arriver.

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