CRITIQUE : Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Étoiles

Richard Strauss a écrit son opéra en un acte Daphne tard dans sa carrière de compositeur, au milieu des années 1930. Il n'est pas souvent joué et est mûr pour une renaissance dans le cadre de l'engagement du Grimeborn Festival pour la redécouverte du répertoire. Il offre également une soirée complète au théâtre car même en un seul acte, il dure plus de 90 minutes. C'est une œuvre abstraite étrange, pleine de musique magnifique et de plusieurs scènes dramatiques émouvantes, mais son sous-titre - tragédie bucolique - indique déjà certains des problèmes de définition qui attendent toute équipe créative. L'intrigue est remarquablement simple en surface et reste assez proche de la mythologie grecque racontée par Ovide (Métamorphoses) et Euripide (Les Bacchantes). Daphné (Justine Viani), naïade ou nymphe, est chez elle dans le monde naturel mais aliénée des complexités de la vie sociale et politique, et des tentations de l'amour et de la romance sexuels. Elle rejette d'abord un ami d'enfance, Léucippos (Panos Ntourntoufis) puis le dieu Apollon (John Upperton), d'abord déguisé en berger puis en invité à un festin en l'honneur de Dionysos organisé par ses parents Pénéios (James Gower) et Gaïa (Violetta Gawara). Cela s'avère être une « fête de l'enfer » où Léucippos s'habille d'une tenue de festival que Daphné avait refusée et, après divers malentendus, Apollon tue Léucippos d'une flèche. Le deuil de Daphné incite Apollon à regretter ses actions ; il demande ainsi à Zeus de transformer Daphné en laurier, un destin qu'elle accepte avec empressement comme une union avec la nature.

Que devons-nous, ou plus généralement, les metteurs en scène de théâtre comprendre de cela ? Est-ce une œuvre de profond symbolisme ou un simple et charmant récit d'une histoire ancienne ? Opera at Home et le metteur en scène Jose Gandia ont choisi de relocaliser l'œuvre à l'époque où elle a été écrite - l'Allemagne nazie. Toutes les figures d'autorité sont sorties de Grèce et deviennent des commandants militaires et civils ; Daphné et sa mère portent des robes de soirée à la mode, et un trio de réfugiés juifs subit des abus physiques à intervalles réguliers dans le drame, avant que la scène de transformation ne les entoure et ne les enveloppe, ainsi que Daphné elle-même, d'un bouquet de fil de fer barbelé servant vraisemblablement de camp de concentration.

Je ne peux pas dire que je trouve cette interprétation du drame convaincante.

Ces ajouts sont des gestes plutôt qu'une réinterprétation intégralement travaillée et intégrée, et la scène finale va à l'encontre des intentions du compositeur et du librettiste. La transformation est une validation et un retour à la maison pour Daphné, et convertir cela en confinement barbelé avec d'autres victimes ne rend service à personne. Il est vrai qu'il y a beaucoup à dire sur les fascinantes variétés de collaboration et de résistance que Strauss a exercé dans les années 1930 ; mais cela a déjà été bien couvert par Ronald Harwood dans sa pièce Collaboration. De plus, ces préoccupations ne se déversent pas dans cette œuvre particulière où le principal contraste est entre l'innocence et la pureté du monde naturel et la corruption générale de la société élargie. S'il y a ici une critique des temps, elle est bien plus indirecte et fait partie de la tentative de Strauss de se retirer d'une vie publique qu'il voyait de plus en plus avec dégoût vers des thèmes plus intimes et intemporels. Ce qui pourrait mieux fonctionner en production serait un scénario écologiste plutôt qu'un retour à l'Allemagne des années 1930, désormais quelque peu un cliché opératique.

Il y a un autre problème sérieux avec cette production, qui est l'absence d'un orchestre ou du moins d'un petit ensemble pour étoffer les textures. Je comprends que ce n'est pas la faute d'Opera at Home qui se sont vus refuser par l'Estate Strauss la permission d'utiliser plus qu'un piano. Cela dit, dans les opéras post-wagnériens de ce type, les textures instrumentales sont des acteurs clés dans le drame, pas simplement un fond harmonique réconfortant. Aux trois ou quatre moments clés de ce drame, la vie s'est éteinte de ce qui devrait être magnifiquement réalisé par manque de l'orchestre.

Ceci n'est pas une critique de l'excellente interprétation de Marta Lopez mais une reconnaissance que, contrairement à la plupart des opéras de Grimeborn qui ont utilisé des forces réduites cette année, une bonne partie de l'essence de la pièce a disparu, pas simplement la décoration. Strauss a écrit ses partitions avec une oreille pour une complexité sonore conçue pour atteindre des effets simples. Retirez le détail finement tissé et il ne reste pas grand-chose. Si les rosiers grimpants somptueusement parfumés, aux lignes interminablement entrelacées, sont retirés du mur d'un jardin de cottage, il reste tout de même juste un mur, aussi joli que soit la maçonnerie.

Il y a quelques belles performances et d'autres où le défi technique de l'écriture impose des contraintes audibles. En tant que Daphné, Viani a joué avec la grâce et la sérénité appropriées et possède certainement le bon poids de voix pour ce type de rôle de soprano. Sa gestion des échanges rapides dans ce qui est souvent un livret verbeux était également excellente. Cependant, dans les lignes longilignes de son hymne à la nature, sa réponse à Apollon et dans la transformation finale, l'intonation était plus incertaine et le ton quelque peu forcé.

Les rôles de ténor héroïque de Strauss sont impossiblement difficiles, exigeant du poids de voix ainsi qu'une maîtrise de la tessiture élevée, à un degré qui se rencontre rarement dans la nature. Cela dit, les performances de Upperton et Ntourntoufis ont semblé être sous pression vocale pour des parties considérables de la soirée, ce qui a nui à leur jeu d'acteur convaincant et à leur forte présence physique sur scène. Gower et Gawara ont tous deux chanté de manière excellente dans les rôles plus petits des parents de Daphné, atteignant pleinement le niveau de leurs rôles, et les rôles mineurs des bergers et des servantes ont été plus que capables d’être interprétés par de jeunes chanteurs dont nous entendrons sans doute parler bientôt. Jose Gandia, en plus de diriger, a également choisi des tempi appropriés avec le bon type de flexibilité dans les scènes principales où il y a plusieurs retournements maladroits dans la partition.

Tout ne peut pas fonctionner à Grimeborn et bien que l'engagement de toutes les personnes concernées mérite d'être reconnu, cette adaptation ne peut pas être considérée comme entièrement réussie. Comme meilleur test de sa valeur cependant, j'espère que d'autres représentations pourront être organisées avec un ensemble complet de cordes, de bois et de cuivres. Si toutes les lignes principales sont présentes, le cœur de cette œuvre délicate peut encore produire le bon type de scintillement argenté.

Une ultime plainte : quelqu'un à l'Arcola peut-il s'il vous plaît relocaliser les surtitres projetés à un endroit où tout le public peut les voir ? Cela a été fait les années précédentes - quel est le problème en 2015 ?

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