CRITIQUE : Dance Nation, Théâtre Almeida ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique Dance Nation de Clare Barron qui se joue actuellement au Almeida Theatre.

Sarah Hadland (Sophie), Kayla Meikle (Ashlee) et Manjinder Virk (Connie) dans Dance Nation au Almeida Theatre. Photo : Marc Brenner Dance Nation Almeida Theatre

5 septembre 2018

5 Étoiles

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Imaginez 'A Chorus Line' ré-écrit par Kathy Acker et vous commencez à comprendre d'où vient et vers quoi tend cette nouvelle pièce remarquable et saisissante.  Clare Barron est l'auteure ici, un talent contemporain redoutable des États-Unis, qui a développé cette histoire avec un certain nombre d'incubateurs américains de premier plan - plus récemment Playwrights Horizons à New York City plus tôt cette année.  Maintenant, au toujours exigeant Almeida, sous la direction attentive, respectueuse et audacieusement théâtrale de Bijan Sheibani, travaillant avec l'excellente chorégraphe Aline David, le spectacle éclot dans une vie showbiz sombre et menaçante à Islington.

Irfan Shami (Luke), Sarah Hadland (Sophia), Manjinder Virk (Connie) et Nancy Crane (Maeve) dans Dance Nation. Photo : Marc Branner

Le design de Samal Blak nous offre quelques recouvrements en perspex et des visages souriants d'école de danse, avant de les faire disparaître et de nous plonger dans le sinistre studio de danse « boîte noire » qui devient tous les lieux évoqués par le texte incantatoire.  Le mur du fond se compose d'une ligne de miroirs de répétition de sol identiques, rappelant précisément le design scénique emblématique de Robin Wagner pour la comédie musicale de Broadway révolutionnaire en coulisses.  Il y a même un ensemble de lignes blanches aveuglantes s'étendant à travers le sol, nous rappelant « cette » ligne blanche sur laquelle les garçons et les filles du chœur doivent se tenir.  Et, tenez-vous bien, quelques minutes après le « numéro d'ouverture », nous obtenons en fait des citations verbales chuchotées directement tirées du spectacle précédent.

La compagnie de Dance Nation au Almeida Theatre. Photo : Marc Brenner

Et il y a quelque chose de similaire dans la trajectoire proposée par le simple « scenario » de ce travail : un groupe d'enfants se rassemble pour présenter une production, tandis que l'esprit de compétition ronge leur camaraderie, finissant par laisser juste 'une' étoile émerger.  Il y a beaucoup de 'numéros d'ensemble', où nous découvrons beaucoup de choses sur eux, à travers leurs interactions, et ceux-ci sont entrecoupés de solos - l'un d'eux étonnamment long et de grande envergure (donné dans un tour de virtuose étonnant par Kayla Meikle) - dans lequel les personnages individuels déploient leurs ailes verbales pour ouvrir quelque chose de spécial sur eux-mêmes.

La compagnie de Dance Nation au Almeida Theatre. Photo : Marc Brenner

De plus, il y a un seul arc à l'action qui se joue sans interruption d'un entracte - une autre innovation de 'A Chorus Line' : le vice émotionnel du rythme se referme implacablement sur le public (et, je ne devrais pas m'étonner, les acteurs aussi), nous conduisant tout le long jusqu'à son dénouement étrangement inattendu et pourtant, en réflexion (oh, ces miroirs !), totalement logique.  J'ai acheté le script dans le foyer après le spectacle et l'ai lu tout les long du trajet retour en train : c'est un chef-d'œuvre de concision et de puissants aperçus enfilés ensemble avec un abandon apparemment désinvolte et insouciant ; il n'y a pas la moindre ligne ou action superflue dans tout le morceau.  C'est un prodige.

Brendan Cowell (Professeur de danse Pat) et Karla Crome (Amina) dans Dance Nation. Photo : Marc Brenner

Les arrangements chorégraphiques extrêmement précis de David vont des exercices de barre insipides jusqu'au répertoire 'typique' de l'école de danse proposé pour inclure une très large gamme de compétences (ici, à bon escient démontrée par le casting multi-niveaux) ; il nous amène également à certains vraiment bons danseurs solos, qui montrent une promesse et une certaine aisance, avant de finalement nous mener vers le un vraiment renversant interprète qui est juste 'la star', un moment de découverte dévastateur transmis dans une soudainement 'mature' et expressive union de technique et d'expression.  Néanmoins, dans un acte caractéristique de manipulation subtile du public, nous sommes d'abord induits par l'histoire à rire du concept de vedettariat, ce qui nous désarme stratégiquement de le chasser dans les relations byzantines tracées par de jeunes adolescentes volontaires, passionnées et inquiètes.

Ria Zmitrowicz (Zuzu) dans Dance Nation. Photo : Marc Brenner

Oh, oui, il y a un spectacle que celui-ci emphatiquement n'est PAS !  'Annie'.  Il n'y a pas de 'vrais' adolescents exposés ici (et c'est aussi bien, compte tenu de l'audace de la langue, et du caractère parfois hystérique de l'opinion publique dans ce pays, sans parler de celui des États-Unis maintenant de nouveau en chasse aux sorcières), et la mignonnerie est une hérésie pour Barron.  Au lieu de cela, des acteurs adultes jouent ici peut-être les anciens d'eux-mêmes, ou incarnent une version intemporelle des âmes de ces individus traversant un moment chronologique, développemental particulier.  De temps à autre, ils subvertissent la rigueur de cette méthodologie, nous rappelant de prendre du recul et de considérer, réfléchir, penser, méditer.

Le patron des opérations ici, le directeur de l'école de danse, Pat, est peut-être un pédophile réprimé, qui harcèle ses charges d'une manière dont Michael Bennett aurait été fier.  Les filles montrent elles-mêmes une endurance incroyable, de la peur, de la fascination et de la fidélité face à ses diatribes et ses poses.  Nancy Crane est une Maeve chaleureuse, Karla Crome est une Amina posée et incroyablement concentrée, Sarah Hadland nous offre une Sofia enjouée et alerte, Manjinder Virk est une Connie calme et pensive.  Il y a aussi un garçon - n'y en a-t-il pas toujours - dans cette troupe provinciale ; Luke maladroit mais sûr de lui de Irfan Shamji.  Ria Zmitrowicz est une présence remarquable en tant que ZuZu de plus en plus torturée et autodestructrice.  Et une séquence de Maman est jouée - superbement - par Miranda Foster, se délectant de sa virtuosité.  Le cœur du spectacle - ou la pica ? - appartient vraiment à Ashlee éternellement surprenante de Kayla Meikle, qui est une sorte de propagandiste pour ce que l'étoile réalise finalement, peut-être.  Son diatribe est peut-être l'exemple le plus typiquement Acker dans un script qui a beaucoup pour choisir : parce qu'elle parle à un tel point, et avec un tel brio rhétorique, il est possible d'en construire une grande partie de ce que l'auteur peut vraiment vouloir que nous pensions.  Peut-être.

La compagnie de Dance Nation au Almeida Theatre. Photo : Marc Brenner

Qui sait ?  À la fin du spectacle, nous disions tous combien nous l'avions aimé, mais combien de peine nous aurions si nous tentions de décrire - ou d'expliquer - aux gens que nous connaissance ce qui nous a tant plu dans le contenu ou la manière de présentation.  Et cela fait également partie du pouvoir remarquable de cette pièce.  C'est comme la lune (qui fait aussi une apparition dans le drame).  Combien de fois êtes-vous resté immobile une nuit calme, regardant la pleine lune dans le ciel, captivé, sentant que vous devez juste regarder, et regarder, et regarder, sans savoir du tout pourquoi, ou sans avoir aucune pensée particulière en tête ?  Je ne sais pas pour vous, mais je l'ai fait beaucoup, et je suis sûr que je continuerai à le faire.  Qui peut dire pourquoi ?  Et pourtant, si quelqu'un enlevait cette expérience de ma vie, je me sentirais appauvri et circonscrit, et serais mécontent.

Et je pense, et ressens, de la même manière à propos de cette pièce.  Lee Curran la met en lumière avec une domination magistrale de ce qu'est l'éclairage de scène (des ensembles de lampes apparaissent en fait dans une des scènes comme éléments clés, nous rappelant que, comme tous les grands spectacles, celui-ci est en réalité aussi 'à propos' du théâtre lui-même).  Marc Teitler gère le son et a composé la musique avec une merveilleuse adéquation.  Et les costumes de Moritz Junge sont d'une précision pointue, réalistes et parfaits, des leggings aux sacs et aux chaussures.  Bret Yount gère les arrangements de combat avec un sens brutal du réalisme (faisant écho à un texte souvent implacable), et les coiffures et maquillage de Giuseppe Cannas sont exactement comme il le faut.  Les dialectes affinés par Brett Tyne convainquent.

C'est une performance de premier ordre.  Je ne sais pas si M. Hamlisch approuverait, mais Kathy aimerait, j'en suis presque sûr.  Je l'adore, et j'espère que vous l'apprécierez aussi.

Jusqu'au 26 octobre 2018

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