CRITIQUE : Cream, Canal Café Théâtre ✭✭✭

Cream Canal Café Theatre

2 Juillet 2017

3 Étoiles

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Les personnes assises à ma table pour ce soufflé riche en calories en début de soirée ont dit qu’elles avaient été attirées par le théâtre par deux choses mentionnées dans le programme : la promesse de quelque chose de « hilarant » et impliquant de la « comédie musicale ». Ça dit tout. Ils savaient ce qu'ils voulaient, et ils en ont eu à profusion. Quatre artistes du monde du spectacle – Danielle Morris, Brendan Matthew, Katriona Perrett et Daniel Mack Shand – ont pris place sur la scène aux côtés du talentueux directeur musical Aron Clingham pour offrir une heure ou plus de verve et de chaleur dans un spectacle catalogue rempli de numéros provenant de comédies musicales oubliées, condamnées, rejetées ou méprisées des années passées. Et le charmant jeune couple à côté de moi était complètement satisfait de ce qu'ils ont reçu.

Le lever de rideau – une petite exception – est « It's A Musical » du « Something Rotten » loin d’être décrié, et c’est très agréable à réentendre. Avec non seulement la mise en scène mais aussi la chorégraphie des talents apparemment sans fin de Tim McArthur, le numéro a un charme fou et établit en quelque sorte le ton de l'événement. Rapidement, nous passons à « I'm Ev'rybody's Girl » de « Steel Pier » de Kander et Ebb, rempli de triples rimes parfaites et d'amoralité espiègle, et une autre pépite, « Blue Crystal » du tout aussi contesté « The Rink », puis « It's A Business » du même duo presque totalement tombé dans l'oubli « Carmen ».

Revenant de ce côté-ci de l'« étang », nous découvrons les joies cachées de la partition de Tom Jones (oui, CE Tom Jones) pour « Matador », un spectacle probablement mieux connu pour son affiche plutôt que pour ses performances : « The Boy From Nowhere » est une belle parole et une mélodie finement façonnée injustement ignorée. En fait, Michael Ball l’a enregistrée. Vous voyez, les artistes perspicaces savent comment maintenir ces choses vivantes ; et cela s'applique à une grande partie du répertoire de ce concert.

La chanson comiquement enchanteresse des Hobbits de « Lord of the Rings » est – franchement – au-delà de la parodie, étant une célébration exubérante de charabia. (Et le charabia n’est pas une langue officielle hobbit : c’est l’effet créé par le verbiage – sans doute consciemment – horriblement inepte de Matthew Warchus et Sean McKenna.) Le cœur bondit en découvrant de grands artistes capables de grands péchés, et plus encore – vous serez heureux d'apprendre – il y a encore à venir…

Un mash-up de comédies musicales jukebox ou catalogue des années 80-90 propose des airs entraînants de « 9 to 5 » (un spectacle qui fonctionne parfaitement bien sur scène, et je défierai quiconque d'être en désaccord avec moi en duel avec des programmes roulés dans le parking maintenant), « Flashdance » – qui est quelque peu plus douteux – et le vraiment terrible « Viva Forever ». Ceci est doux, cependant, comparé aux horreurs du grotesque « Sherlock Holmes » de 1989 : une œuvre du show-fodder la plus grossière et la plus ringarde.

En concurrence avec cela, « March of the Falsettos » divise encore l'opinion. « Four Jews in A Room, Bitching » sonne mal, mais c'est vraiment fait pour. Et je dois vous le dire, ce spectacle ne va nulle part. En fait, il revient. Un de ces jours. Révisez votre Talmud. Et lisez sur la fugue et le contrepoint, pendant que vous y êtes, car la partition n'est rien sinon « sophistiquée » de façon névrotique.

Et puis, retour au Royaume-Uni, et au luxueux crash d'ascenseurs qu'était « Metropolis ». Était? Est? Était? Est? Il est ressuscité au dynamique Ye Olde Rose and Crowne (directeur musical en résidence, nul autre que Maestro Clingham lui-même, en octobre 2017 : réservations ouvertes maintenant !!) Certes, la raison principale de détester ce spectacle était la présence de Brian Blessed dans le rôle dominateur : je l'ai vu, trois fois, et je ne peux vous dire à ce jour ce qu'il était censé faire, mais je peux vous dire qu'il était dans presque chaque scène. Ou, c’est ce que ça semblait. En fait, je pense qu'il était juste « mal choisi » : il a fait ce qu'il a pu pour bien faire le travail, mais cela n'a pas vraiment aidé. Le spectacle est injustement négligé. Par exemple, il a l'un des meilleurs, des tout meilleurs, actes d'ouverture du deuxième acte que j'aie jamais vus – surtout dans la chorégraphie et les costumes glamour qu'il a reçus au Piccadilly – mais cela seul, hélas, n'était pas suffisant pour ressusciter une créature décédée telle qu'elle était. Triste. Une chanson comme « It's Only Love », incluse dans cette revue, vaut la peine d'être entendue.

La scène de construction de bateau de « Moby Dick », par contre, ne l'est pas. C'est un numéro faible d'un spectacle qui a beaucoup mieux en lui. Cependant, si le but de ce mélange est aussi de piquer occasionnellement un peu de sel dans les blessures des divertissements abattus, alors rien ne pourrait piquer plus que cela. C’est terrible.

Pas autant que le grand air d'amour des « Parapluies de Cherbourg ». Quoi? Vous ne parlez pas français? Zut alors ! Le spectacle s'appelle – en anglais - « Les Parapluies de Cherbourg ». C'est une confection délicate, filée avec le sucre des mélodies sirupeuses de Michel Legrand, et soutenue par rien de plus que la confiance française. Retirez l'élément français et ça s'effondre en une poussière immangeable. « I will wait for you » est ici extrudé jusqu'au degré nième, bien au-delà du point de rupture du public, et est présenté comme une farce cruelle et sans cœur. Aie. Michel, je suis désolé qu'ils te fassent ça !

Et puis, « Out, out, out! » de « Batboy » est ici pour nous rappeler de quoi, exactement? Le spectacle est une satire – en quelque sorte – et jouit d'une sorte de notoriété culte qui semble avoir été son objectif principal depuis son lancement. Le spectacle est comme être piégé dans un film de série B, dont il n’y aura pas de fin. Eh bien, il y a une conclusion – totalement jacobéenne – et les chansons doivent toutes être entendues dans ce genre de contexte horrible. D'accord : j'admets ma partialité ; il se trouve que j'aime ce spectacle. Eh bien, d'accord, je l'aime beaucoup. Vraiment beaucoup. De même, « Glitterboots » du désastre incroyablement – mais éternellement ressuscité – « Saucy Jack and the Space Vixens » est un autre numéro qui, une fois que vous l'avez entendu par des gens comme Jamie Birkett, etc., est impossible à faire sortir de votre flux sanguin. Ça vous infecte. Et ici, nous avons même la chorégraphie originale (je défie quiconque, qui que ce soit, de mettre en scène ce spectacle sans elle!). Que ne pas aimer ? C’est comme un numéro de danse pas très bon de « Top of the Pops ». Est-ce un crime ?

Eh bien, que diriez-vous de « Dance of the Vampires », un spectacle qui n’a pas osé se montrer à la lumière d’un théâtre du West End, et pourtant qui joue, encore et encore, dans la plupart des pays germanophones-magyares comme si rien d'autre ne pourrait jamais le supplanter. Le numéro de Jim Steinman, « Total Eclipse of the Heart », est – apparemment – utilisé dans ce spectacle, mais où ? Je n'arrive pas à le trouver répertorié. « Pourquoi essayez-vous même de trouver cela ? » je vous entends demander…. Pas de mots, à part pour souligner la mise en scène incroyablement drôle donnée à la chanson ici, et – non, non, non – la torture et l'argent n'arracheront pas plus de détails de moi. Allez le voir par vous-même. C'est le point culminant du spectacle, le moment où la magie opère vraiment ! (Ce serait bien s'il y avait quelques autres moments comme celui-ci dans l'heure ou plus que nous passons avec ces gens délicieux, mais c'est ce que c'est.)

Oh, et il y a une coda. Nous clôturons avec le numéro typique adorable, à la Lisha, de « See-Saw » de Cy Coleman, « It's Not Where You Start, It's Where You Finish ». Et je ne pourrais pas être plus d’accord. Oui, tout ce spectacle – précipitamment assemblé en à peine une semaine – pourrait bien briller un peu plus avec un peu plus de répétitions et de polissage, mais la fin est pleine de verve optimiste et de bonne humeur. Et ce n’est pas encore fini. Continuez d'écouter, et continuez de regarder la scène ! Vous ne regretterez pas.

Chaque dimanche jusqu'au 23 juillet

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