CRITIQUE : Confessional, Southwark Playhouse ✭✭✭

Audience, Audience, Lizzie Stanton, Jack Archer, Tim Harker, Audience. Photo: Simon Annand Confession

Southwark Playhouse

7 octobre 2016

4 étoiles

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La première d'une pièce de Tennessee Williams est un événement rare, et encore plus merveilleux lorsque cela se passe dans l'espace intime de l'Elephant and Castle, équivalent du National Theatre. Pour cette production, le public s'installe parmi la mise en scène 'à thème de pub', démocratiquement disposé sur des chaises à des tables en bois poli, libre de se servir des boissons au bar ou de se promener à sa guise, alors que nous nous installons pour nous immerger dans cette création extraordinaire. Williams, grand expérimentateur, dans ce premier texte de 1970 d'une pièce qu'il n'a jamais développée davantage, rassemble sa compagnie habituelle de marginaux et de laissés-pour-compte sociaux, les opposant les uns aux autres - et à nous - dans une série d'arguments et de monologues introspectifs au cours d'une soirée typique dans un bar ordinaire. Il apprécierait cette production brillamment sympathique et imaginative de Jack Silver, qui continue son ascension fulgurante dans notre estime avec ses talents apparemment illimités : Silver transpose habilement le milieu américain de Williams - sans changer un seul mot du texte - dans l'ambiance sordide, East-End-par-la-mer, délabrée et 'prenez-nous comme vous nous trouvez' de Southend-on-Sea.

La manière de travailler typique de Williams, décrite à plusieurs reprises par Gore Vidal, consistait à prendre une idée, à y réfléchir dans une nouvelle, puis - s'il se sentait inspiré - à créer une pièce en un acte pour voir comment cela jouait sur scène ; si tout se passait bien, il l'élargirait en un drame complet, mettant le travail à travers autant de brouillons qu'il fallait pour réaliser sa vision artistique à la forme la plus définie qu'il pouvait lui donner. Ce script, parlé dans les accents lumineux d'Essex des habitants et dans des accents RP plus intelligents ou d'origine plus lointaine de personnes fuyant des indiscrétions ou des problèmes ailleurs, est tiré de quelque part le long de cette chaîne de création littéraire : bien plus qu'une série de nouvelles, 90 minutes généreuses d'un drame en un acte repoussant les limites de ce qui peut être contenu dans le champ de l'action unique, le script semble en équilibre précaire entre la forme plus courte et une situation qui aspire à trouver une expression plus complexe et pleinement élaborée.

Abi McLoughlin et Raymond Bethley dans Confession. Photo : Simon Annand

Cela s'illustre le plus expressément dans le personnage central de Leona Dawson (Lizzie Stanton), qui fusionne les fonctions d'une narratrice et dont la personnalité grégaire unifie sans cesse les récits distincts apportés dans la pièce par chacune des autres personnalités qui s'y rassemblent. Elle, plus que les autres, a l'oreille du public, ainsi que celle de tous ses autres interlocuteurs, et c'est elle qui semble suggérer la possibilité d'une ligne directrice d'une 'histoire'. Et pourtant, elle ne le fait pas. L'imputation d'une narration dramatique traditionnelle reconnaissable est souvent soulevée, et tout aussi fréquemment - pas moins par notre Leona - anéantie.

Cette habitude de suggérer l'action, puis de neutraliser son élan se retrouve également dans les autres personnages : le chef itinérant, Bill McCorkle (Gavin Brocker); le Steve paresseusement sensuel et aussi possiblement dangereux (Rob Ostlere); la fracassée, semi-folle Violet (Simone Somers-Yeates); le propriétaire habituellement taciturne mais toujours observateur Monk (Raymond Bethley); l'étrangement inapproprié scénariste urbain Quentin (Tim Harker) et son nouvel objet de fascination jeune Bobby (Jack Archer); le Doc alcoolique radié (Abi McLoughlin); et même les petits rôles du portier et du policier Tony (tous les deux joués par Alex Kiffin). Tous ces personnages sont déchirés entre tenter d'interagir les uns avec les autres et se plonger délibérément dans des monologues souvent brutalement isolés, à la manière légèrement plus tardive des 'Enfants de Kennedy'. Personne ne pourrait jamais accuser Tennessee Williams de ne pas essayer de tracer la voie du nouveau.

Rob Ostlere et Simone Somers-Yeates dans Confession. Photo Simon Annand

Peu à peu, la prise de conscience s'impose que ce que nous expérimentons ici, malgré la mise en scène impeccablement réaliste (merveilleusement assemblée par Justin Williams - assisté de Jonny Rust, et éclairé avec une parfaite vraisemblance par Jack Weir - et j'aimerais savoir qui a fait le son : y compris un jukebox qui joue - je pense - un bonbon au violon de Joshua Bell), est loin de la réalité. En fait, Williams semble créer quelque chose de similaire à ce que Siodmak a fait dans les années 1920 avec son film muet 'film sans intrigue', 'Les gens le dimanche' (ensuite refait en son - mais aussi en monochrome - par Fassbinder). Les personnages sont présentés, ils parlent, ils font de petits gestes quotidiens et ordinaires (relatifs à leurs vocations particulières, c'est-à-dire - le monde du Doc est extrêmement différent de celui de la manucure), puis ils partent. Et c'est tout. Certaines personnes peuvent trouver cela exaspérant, mais cela ne prétend rien de plus. Les gens viennent et repartent, habillés impeccablement par Katy Clark, et avec des mouvements magnifiquement énergisés : il s'avère plus tard, quand vous recevez une copie du programme en quittant l'auditorium, que Silver a décidé d'inventer un nouveau style de jeu ici, où il n'y a ni blocage ni direction spécifique donnée - toutes les décisions de ce genre sont prises par les acteurs à l'instant. Étant donné que bon nombre de leurs actions et réponses sont conditionnées par où et comment le public décide de s'asseoir ou de se déplacer, cette approche a beaucoup de sens pratique. Cependant, certains des discours sont très longs et complexes, et cette approche est peut-être trop instable parfois, surtout pour des acteurs à un stade relativement précoce de leurs carrières : cela pourrait bien changer avec quelques prestations supplémentaires à leur actif. Pourtant, il y a toujours un puissant sentiment de danger, qui imprègne tout ce que nous voyons et entendons, et ajoute au sens du drame, de manière aussi peu familière qu’étrangement inquiétante. C'est très Tennessee Williams.

Simone Somers-Yeates, Raymond Bethlet, Lizzie Stanton et un membre du public. Photo : Simon Annand

Donc, je suppose que vous pourriez dire que j'ai aimé. Que vous aimerez ou non, je ne sais vraiment pas. Je suppose que vous ne verrez pas beaucoup d'autres théâtres comme ça cette année. Tentez le coup. Quel est le pire qui puisse arriver ? Vous pourriez juste vous voir beaucoup dans ces gens, dans leurs conflits et désaccords, leurs amours et espoirs et déceptions. Vous pourriez souhaiter que Tennessee ait pris le temps de lui donner une autre révision, tirant plus de sens de ses contenus disparates. Vous pourriez même préférer un autre style de performance où il y a plus de propreté et d'ordre. Mais cette compagnie, Tramp, produite par Remy Blumenfeld - assistée de Tommy Rowlands, depuis son lancement à Édimbourg il y a deux ans avec une première de ce spectacle, a décidé de faire quelque chose de différent, et c'est leur premier projet : si c'est le niveau auquel ils se trouvent maintenant, qui sait quelle magie supplémentaire pourrait les attendre !

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