CRITIQUE : Plus près du ciel, Union Theatre ✭✭✭✭

Closer To Heaven

Union Theatre

25 avril 2015

4 Étoiles

Il y a un bar miteux à droite, du genre que vous vous rappelez de votre adolescence, cette première fois où vous êtes entré courageux/timidement avec des amis/seul pour "jeter un œil"/"prendre un verre". Il a l'air luxueux et autrefois somptueux tout à la fois. Il vous donne envie d'alcool mais vous fait craindre pour votre santé mentale. Typiquement sordide : séduisant et repoussant, infiniment fascinant. Le barman s'accorde à son environnement ; il pourrait être charmant mais il transpire le vieux vicieux par tous les pores. Mais puis il sourit et cela semble un sourire rassurant. C'est un lieu sûr.

En traversant la pièce, passant le bar, vous voyez l'estrade et le long miroir qui est joliment disposé dans le support en fer. Une ambiance d'activité osée semble émaner de cet estrade, même lorsqu'elle est vide. Il y a une estrade sœur et un miroir poteau de l'autre côté de la pièce. Une petite scène jouxte une piste de danse et le fantôme de mille drag queens semble flotter sur cet espace, scintillant entre les lumières fluos, la décoration toute noire et rouge, vulgaire et séduisante. Vous remarquez le DJ joyeux - ou est-ce un groupe - au-dessus du bar. Vous avez l'impression d'être dans n'importe quelle boîte de nuit où vous avez déjà été, où que ce soit dans le pays. Peut-être dans n'importe quel pays.

Alors que vous vous demandez pourquoi il n'y a pas un cocktail digne de ce nom dans votre main, ça commence. Ce n'est qu'à l'arrivée de l'homme à demi-nu, barbu, en T-shirt court et pantalon de cuir moulant, commençant à se déhancher et se frotter au miroir poteau, que vous êtes sûr d'être dans une boîte de nuit gay. Ces premières images vibrantes brûlent votre âme - et alors que Billie Tricks chante une tempête (une simple tempête ne suffit pas) avec le numéro d'ouverture, My Night, chaque membre du public fait un choix : participer ou détester chaque seconde. Il n'y a pas de juste milieu ici.

C'est Closer To Heaven, la comédie musicale de Pet Shop Boys/Jonathan Harvey de 2001 qui est maintenant relancée par le recourant Union Theatre. Dirigée de manière habile par Gene David Kirk, avec une direction musicale inspirée de Patrick Stockbridge et une chorégraphie de Philip Joel qui est vitale et contagieuse, cette reprise fait se demander pourquoi ce spectacle n'a pas été relancé auparavant. Je doute d'avoir vu une meilleure scénographie à l'Union. La combinaison de la conception parfaite et ingénieuse de David Shields et l'éclairage superbement évocateur, qu'il soit audacieux, flamboyant ou beau, de Tim Deiling garantit que l'espace de l'Union Theatre est parfait – scintillant de perfection – pour les besoins de l'œuvre.

Il y a une rugosité, un réalisme débraillé dans chaque aspect de la production physique qui est impressionnant. Dans certaines scènes, si vous fermez les yeux, vous pouvez sentir l'odeur rance de piss et vomi et sueur - les accessoires naturels d'une grande nuit au club. Le son produit par Stockbridge et Alessandro Lombardo (percussions) est parfait, pour la partition, pour le sens du cadre, pour l'esprit de l'ambiance. D'un point de vue technique, compte tenu des limitations budgétaires et d'espace, c'est vraiment aussi bonne une production que celle qui pourrait être montée de Closer To Heaven.

En termes de forme, la comédie musicale est quasiment exemplaire. Il y a une histoire principale et quelques sous-intrigues. La partition a une cohésion qui est irréprochable ; beaucoup, sinon toutes, des chansons font avancer l'action, améliorent la compréhension des personnages, fournissent un aperçu, et pourtant il y a une grande variété aussi - des ballades d'une grande beauté, des chansons de flambeau, des chansons amusantes pleines de vie et des numéros réfléchis, sobres. Plus quelques airs de danse qui éveilleront votre pop star intérieure, peu importe à quel point cette star est réticente ou cachée.

Le script et le dialogue de Harvey sont souvent banals, et les situations prévisibles et bien usées. Mais en fait, cela n'a pas d'importance. C'est la fusion de la musique et des possibilités qui fonctionne la magie théâtrale ici. Harvey fournit la sous-couche ; la partition et la chorégraphie fournissent la texture, les motifs, la couleur, l'effet global.

Ce qui fait ressortir la comédie musicale, c'est sa gaieté assumée, au sens moderne. C'est, comme Nicholas De Jongh l'a dit lorsque la pièce fut créée, "la première vraie comédie musicale gay écrite et composée par des Anglais" à atteindre le West End. Elle est également essentiellement jeune, et assez intransigeante pour affronter directement les vicissitudes et les pièges de la jeune vie adulte : le sexe, les drogues (utilisation et vente), la musique pop, l'alcool, la conduite prédatrice, la prostitution, l'amour, la survie, la sexualité et, plus principalement, la famille que vous créez séparés de celle dans laquelle vous êtes né. Elle ne semble pas démodée non plus et certainement la réaction des jeunes membres du public autour de moi ne suggérait pas qu'ils le pensaient.

Faisant ses débuts professionnels, Jared Thompson est naïf sans effort en tant que Straight Dave, le jeune irlandais qui déménage à Londres pour chercher du travail et qui veut danser. Solitaire et incertain, mais assez sûr de ses talents de danseur, il passe une audition pour Vic, qui dirige le club. Que ce soit son allure ou ses mouvements, tous deux très impressionnants, Dave décroche le rôle de Vic.

Vic a peut-être été distrait parce que sa fille, Shell, qu'il n'a pas vue depuis des années, l'a retrouvé et l'a forcé à faire face à son passé et à son présent. Alors qu'ils commencent le chemin de la guérison de leur lien père/fille, Dave et Shell se rapprochent. Ce qui est surprenant compte tenu de l'incertitude de Shell sur la sexualité de Dave et la manière dont Dave réagit à sa première rencontre avec Mile End Lee, le petit trafiquant de drogues très sexy qui fréquente le club et est l'amant occasionnel de Billie Tricks, la maitresse de cérémonie pourrait-être-une-drag-queen-mais-ne-l'est-pas-qui-a-tout-fait-et-tout-vécu au club de Vic.

Finalement, Vic surprend Dave et Lee en train de "gamberger" sexuellement dans les toilettes du club et Shell est compréhensiblement horrifiée. Après quelques angoisses et tergiversations, finalement Dave et Lee font l'amour, chacun éprouvant l'émotion correctement pour la première fois. Comme c'est une comédie musicale, les hauteurs majestueuses d'une passion glorieuse sont suivies du désespoir provoqué par la mort prématurée et imméritée et, un peu comme Maria dans West Side Story, Dave est laissé face à la vie sans son amant. Contrairement à Maria, Dave a une coda positive.

Le récit est aussi brut que l'on puisse l'imaginer et l'excès et le pur plaisir du personnage flamboyant de Billie Tricks est aussi provocant qu'il est divertissant. La chorégraphie vive et sexy de Joel, livrée avec enthousiasme par le talentueux casting, ajoute de la fumée. En effet, le sens de la danse est si profondément enraciné dans la pièce, qu'il semblait absurde qu'il n'y ait pas des podiums peuplés en permanence - avoir des danseurs légèrement vêtus, filles et garçons, travaillant constamment les miroirs poteau aurait fourni à la fois un dispositif de cadrage électrique pour l'action et une pulsation constante de plaisir passionné pour souligner les événements dramatiques. La danse pouvait propulser le récit aussi bien que la partition le fait.

S'il y a un bémol à cette production, c'est qu'elle est trop protégée. Elle n'est pas aussi sordide ou aussi excentrique (des choses très différentes) qu'elle pourrait l'être, probablement devrait l'être. Dans quelques scènes, avec le temps ayant avancé depuis 2001, la nudité, avec ou sans drap de modestie, est vraiment essentielle pour que la vérité du moment brille à travers.

Thompson chante et danse exceptionnellement bien en tant que Straight Dave. Il a une innocence fraîche qui fonctionne parfaitement pour le rôle, bien que l'ambition tintant dans ses yeux quand c'est nécessaire. Il est convaincant dans les scènes d'amour avec Shell et Lee, et ses chansons finales, For All Of Us, une reprise de la chanson-titre et Positive Role Model sont livrées avec expertise, pleines de désir, de perte, et d'assurance. Il est un peu trop efféminé pour que ce soit une surprise qu'il aime Lee, mais cela ne mine pas totalement ce qui est une performance essentiellement véridique et complexe.

Connor Brabyn est captivant dans le rôle du Mile End Lee condamné. À première vue le dealer de drogue dur et insensible, Brabyn trouve la complexité et le tourment dans le rôle et met subtilement, mais sûrement, l'accent sur ces aspects. Son embarras lorsque Dave loue sa beauté est parfaitement jugé, tout comme son mépris lorsqu'il a des relations avec Billie. Lui et Thompson excellent à trouver la merveille et l'harmonie dans leur duo culminant Closer To Heaven. De même, Brabyn convainc dans le rôle du dur à cuire, son corps élancé et svelte en alerte pour l'action dans ce style "Essaie un peu-moi" qui pousse les gens à reculer lentement.

En tant que Flynn, Ben Kavanagh est un délice venimeux. Il se dandine et minaude et sert comme s'il était l'enfant secret de Louie Spence et Boy George. C'est une performance formidablement jugée, la trace de douleur jamais loin du mascara lourd. Ken Christiansen, en tant que son employeur brutal et méchant, Bob, est plus en colère et criard qu'il ne le faudrait - huileux, corrompu, hideux rendrait un portrait plus riche et dérangeant d'abus. Ensemble, cependant, ils forment un couple malheureux, exactement comme ils devraient l'être.

Katie Meller obtient le rôle en or et s'en délecte. Pour autant qu'il s'agisse d'une comédie musicale sur l'amour gay et l'angoisse adolescente, c'est la chanteuse vieillissante et déchaînée du show qui décroche les rires et les grands numéros - My Night, It's Just My Little Tribute to Caligula, Darling! et Friendly Fire sont tous des numéros qui arrêtent le show - et Meller leur accorde à chacun une attention suprême, rauque, pleine d'innuendos, hédoniste. Sa sexualité aussi fluide que sa langue est vicieuse, Meller impressionne en sculptant sa Billie dans le marbre théâtral ; il y a une beauté brute dans ses bords rugueux, ses angles vulgaires, son exubérance dissolue. Plus que tout, Meller rend Billie semblable à Elsie, avec laquelle Sally Bowles partageait deux sordides chambres à Chelsea. Meller amène le cabaret à la table.

Ni Craig Berry en Vic, ni Amy Matthews en Shell ne semblaient complètement à l'aise avec leurs rôles exigeants. Matthews a une voix douce mais a besoin de la soutenir davantage ; Berry n'est pas à la hauteur des demandes de Vampires, ce qui est une perte car c'est un grand hymne. Dans leurs scènes ensemble, tous deux font leur meilleur travail. Ils rendent bien l'idée de la famille fragmentée essayant de se reconnecter.

L’ensemble est en grande partie excellent, avec des prestations particulièrement impressionnantes de Grace Reynolds, Alex Tranter, Martin Harding et Tamsyn Blake. Il semble qu’ils s'amusent tous et que tout le monde embrasse les choses étranges et inhabituelles, ou apparemment telles, que leurs personnages aiment faire. Occasionnellement, il y a un peu de vol de focus et de mâchouillage de décors qui est inutile et perturbant, mais quand ils travaillent tous ensemble, dansant les routines élégantes de Joel et chantant de tout cœur, ils sont vraiment impressionnants. Hedonism, qui clôture l'Acte Un et ouvre l'Acte Deux est le genre de numéro qui fait que tout le monde veut danser.

La saison est complète, bien qu'il puisse y avoir des retours quotidiens. Cela vaut la peine d'essayer d'attraper cette production si vous le pouvez. S'il y a une justice, cependant, cela sera transféré dans un espace où il pourra courir et courir. Parce qu'il démontre la valeur et le pouvoir du travail réalisé par les Pet Shop Boys et Harvey, cette production amène chacun qui la voit un peu plus près du paradis.