CRITIQUE : Ville des Anges, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

City of Angels

Donmar Warehouse

19 décembre 2014

4 étoiles

Qu'est-ce que c'est ? Est-ce qu'il y a une scène tournante au Donmar ? Eh bien, oui. Une scène tournante intégrée dans un plancher ancien. Il y a aussi un escalier en colimaçon, menant du niveau inférieur à un niveau supérieur où, clairement, il se passera quelque chose. La partie supérieure a en fond des piles et des piles de papiers, de scripts – c'est le domaine d'un écrivain. La partie inférieure a en toile de fond des boîtes de films ; une bibliothèque de studio d'anciens succès, les titres criards méticuleusement inscrits sur le côté de chaque boîte mince. Et tout est en noir, blanc et gris.

Robert Jones, d'un seul coup de maître, permet au public entrant au Donmar Warehouse de comprendre clairement ce dans quoi ils vont plonger dans la production de Josie Rourke du chef-d'œuvre négligé City of Angels : deux mondes reliés, le monde réel de l'écrivain et le monde de fiction qu'il produit ; deux mondes où il y aura des chevauchements et où il y aura des rebondissements, des virages et des revolvers. Rien qu'en regardant le décor, le public peut voir qu'il ne s'agit pas d'une comédie musicale ordinaire - ils doivent être attentifs. Ils peuvent sentir ce qui les attend.

Jones les aide pourtant - le monde de l'écrivain est coloré ; le monde fictif du film est tout en noir et blanc, reflétant l'esprit des grands classiques du film noir que, dans son cœur, cette pièce célèbre et parodie. Le design lumineux exemplaire et inspirant de Howard Harrison aide de manière significative à la compréhension du double monde. Le Donmar n'a que rarement été aussi beau grâce à Jones et Harrison.

City of Angels a un pedigree impeccable - un livre de Larry Gelbart, des paroles de David Zippel et une partition riche et brillante de Cy Coleman. Cela offre une grande ampleur pour des moments sexy, drôles, palpitants et surprenants. Et des chants formidables.

Il y a deux histoires parallèles qui s'entrecroisent. Stine est un écrivain, marié mais infidèle, qui lutte constamment avec le Studio pour préserver l'intégrité artistique de son livre, qu'il adapte pour le cinéma. Il doit faire face à ses propres insuffisances ainsi qu'aux exigences absurdes de son producteur/réalisateur philistin, Buddy Fidler, et les promesses que cet homme fait à diverses actrices avec qui il est intime. Nous voyons le monde vif qu'il crée pour ses personnages, principalement Stone, l'ancien flic devenu détective, l'équivalent musical de Humphrey Bogart, et nous observons tandis qu'il écrit et réécrit leurs destinées.

Assez évidemment, Stone est le héros macho intérieur de Stine, le nom étant un indice. Il y a beaucoup de plaisir à prendre avec les réécritures de Stine et le meilleur aspect de la mise en scène de cette production est la façon dont le casting gère ces révisions - ils agissent à l'envers jusqu'à ce que Stone commence à réécrire. Cela ne cesse jamais d’être amusant. Cela vaut la peine de voir cette production rien que pour ces séquences.

Sous beaucoup d'autres aspects, cependant, la direction de Rourke laisse beaucoup à désirer. C'est l'une des partitions les plus sexy et sensuelles du répertoire de Broadway, mais Rourke produit une version presque stérile, chaste. Cela n'a rien à voir avec la musique, qui est jouée avec un immense enthousiasme et style par l'orchestre dirigé par le talentueux Gareth Valentine ; ni avec la mise en scène des numéros musicaux, où Stephen Mear est en forme éblouissante, pleine d'esprit, surprenante et joyeuse.

Non, les problèmes ici sont dans le casting et la mise en scène. Il n'y a tout simplement pas assez de piquant dans cette City, les Anges ne sont pas assez angéliques, le sexe n’est pas assez torride, et les personnages, en particulier les personnages fictifs, ne sont pas assez extrêmes. Il y a un océan d'opportunités manquées.

La performance de la soirée vient de Marc Elliott, qui a le rôle relativement petit de Munoz (le partenaire flic fictif de Stone bien décidé, de façon cartoonesque, à voir Stone répondre de justice pour un crime que Munoz pense à tort qu'il a commis) et de Pancho, l'idole de matinée flamboyante qui jouera le rôle de Munoz dans le film. Elliott est incroyablement bon ; il n’omet aucune seconde que le rôle offre et tire beaucoup de matière du matériel. En effet, le premier acte ne prend vraiment vie en termes de jeu et de chant que lorsqu'il livre son numéro révolutionnaire, complètement chanté et dansé, avec des danseurs de soutien élégants, All Ya Have To Do Is Wait. Mear fournit une chorégraphie spectaculaire et Elliott saisit l'opportunité offerte et l'exploite. Le spectacle n'est jamais meilleur que dans ce numéro.

Ce qui est remarquable, parce que ce n'est de loin pas le meilleur numéro de la partition. Les avis divergent sur le meilleur numéro, mais celui qui suit celui d'Elliott, You're Nothing Without Me, est certainement dans le top 5. Ici, c'est la mise en scène qui le rend électrisant. Stone et Stine ont l'équivalent d'une fusillade musicale, chacun cherchant à dominer l'autre.

L'éclairage de Harrison entre en surrégime ici, produisant un coup de théâtre assez excitant. C'est fantastique de voir Stone (Tam Mutu) et Stine (Hadley Fraser) s'affronter dans la zone de guerre de Mear/Harrison, mais le chant prend une très nette troisième place derrière le mouvement et l'éclairage. Là où, musicalement, cela peut être extraordinairement palpitant en tant que duo, ici c'est palpitant pour d'autres raisons. La dernière note de Fraser est parfaitement ajustée et chantée, et clôt l'Acte Un sur un réel point culminant, mais contrairement au numéro d'Elliott, la musique n'obtient pas l'attention qu'elle mérite vraiment.

Certains numéros sont très bien servis. Rosalie Craig livre It Needs Work avec un vrai calme et style ; Samantha Barks est superbe dans son grand numéro rauque, Lost and Found ; Rebecca Trehearn déborde de sensualité appropriée et de style dans You Can Always Count On Me ; Mutu, Fraser et Craig terminent tous le spectacle sur un sommet vocal vibrant avec le final, I'm Nothing Without You.

D'autres matériaux s'en sortent moins bien. Tim Walton est complètement mauvais pour Jimmy Powers ; le rôle nécessite un crooner à la voix douce et légère, un type Johnny Ray. Stay With Me manque sa cible perché Walton ne peut pas, ou ne veut pas, chanter en crooner. Peter Polycarpou, qui semble être distribué chaque fois qu'on a besoin d'un homme plus âgé dans une comédie musicale (et même quand ce n'est pas le cas) est tout simplement trop fade en tant que Buddy et ses deux numéros manquent de vitalité, de menace et d'intérêt. Craig, surprenamment, n'apporte ni passion ni sensualité haletante à la sublime chanson d'amour, With Every Breath I Take, donc bien qu'elle atteigne les notes, la passion et la gloire tremblante de la chanson sont entièrement absentes.

Katherine Kelly évalue mal son double rôle ; elle est trop timide, pas assez Lauren Bacall dans son approche. Cela prive le Stone de Mutu de nombreuses possibilités d'action de bad boy ladies man du film noir. Il passe par les mouvements, mais il n'y a aucun sens que son cœur, ou toute autre partie de son corps, y soit engagé. Kelly n'est pas bonne non plus dans les aspects comiques de son personnage. Elle est une grande déception.

Le quatuor comprenant l'Angel City Four n'harmonise pas assez bien pour rendre leurs moments vocaux ensemble enchanteurs ; individuellement, ils marquent plus de points - Sandra Marvin, surtout, fait très bien dans son travail en solo. Cameron Cuffe a une excellente voix qu'il utilise bien, mais son rôle de joli garçon, Peter Kingsley, implique peu de chant. Il n’a cependant aucun problème à être le membre le plus joli du casting (de façon incroyablement) et il peut jouer très convaincant. Un à surveiller.

Fraser et Craig, bien que mariés dans la vie réelle (ou peut-être à cause de cela) manquent remarquablement de chimie sur scène. Cela rend difficile à comprendre pourquoi Stine est prêt à abandonner sa carrière pour la Gabby de Craig. En effet, il y a trop de geek dans la performance de Fraser ; Stine ne m’a jamais semblé particulièrement nerdy. Il est un écrivain - il boit, couche avec des femmes et écrit. Fraser peut faire tout cela et devrait être capable d'un Stine plus puissant, plus incontrôlé que celui qu'il donne ici.

Les deux niveaux que Rourke utilise dans le petit espace du Donmar rendent difficile pour le public des stalls, au moins, de voir toute l'action. Cela est vraiment impardonnable ; en tant que Directrice Artistique, Rourke devrait connaître les limites du théâtre. Il y a souvent un sentiment d'encombrement inutile sur scène ; presque comme si la production était destinée à une scène plus grande. Il y a des moments où la mise en scène de Rourke voit les membres du casting en danger de tomber littéralement les uns sur les autres.

Néanmoins, la puissance pure de la créativité sous-jacente du livre, de la partition et des paroles propulse les choses. La musique de Coleman est enivrante, et bien qu'il n'y ait aucun doute qu'elle aurait pu et aurait dû être mieux servie par la vision de Rourke pour la production et le travail qu'elle a extrait de son casting, elle conserve son charme et sa puissance. Bien que ni aussi drôle ni aussi sexy qu'elle pourrait l'être, la version de City of Angels par Rourke est encore extrêmement agréable.

Pour une grande part, c'est en raison de la magie combinée de Robert Jones, Howard Harrison, Gareth Valentine et, surtout, de l'infatigable Stephen Mear. Le mouvement, le design et le support musical pour la compagnie ici sont au-delà du souffle. Ajoutez d'excellents tours de Marc Elliott, Samantha Barks, Rebecca Trehearn, Sandra Marvin et Cameron Cuffe et un travail généralement bon de Tam Mutu, Hadley Fraser et Rosalie Craig et passez outre les lacunes d'autres membres du casting et c'est une solide production de City of Angels.

Le problème est - cela aurait dû être sensationnel.