CRITIQUE : Caste, Théâtre Finborough ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore et Neil Chinneck dans Caste.

Finborough Theatre,

Lundi 3 avril 2017

3 étoiles

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Il y a un frisson considérable à entendre les voix que ce mélodrame comique oublié du 19ème siècle nous apporte, des voix du passé et d'un monde que nous reconnaissons à peine, et pourtant un monde que, lors d'une nouvelle rencontre, nous nous sentons obligés de nous souvenir et de respecter pour ce qu'il était : une phase à traverser avant que de meilleures choses puissent être accomplies.

Deux sœurs, Esther et Polly Eccles (Isabella Marshall et Rebecca Collingwood), lorsqu'elles ne gagnent pas leur vie en dansant dans le 'ballet' d'établissements comme le 'Theatre Royal Lambeth', vivent chez elles avec leur père veuf, bon à rien et ivrogne, Paul Bradley. Isabella est courtisée par des prétendants de rang social plus élevé, George d'Alroy (Duncan Moore), qui assiste avec son compagnon militaire, le capitaine Hawtree (Ben Starr), tandis que Polly a attiré le jeune ingénieur en gaz en pleine ascension sociale, Sam Gerridge (Neil Chinneck). Lorsque le vent de la future alliance de son fils parvient à sa mère, la marquise de St Maur, descendante des Plantagenets (Susan Penhaligon), elle s'érige en obstacle majeur à la tentative d'Isabella de sortir d'une pauvreté plutôt gentille pour accéder au confort relatif de la vie en tant qu'épouse d'un petit aristocrate. Elle subit les tendances mélodramatiques de la pièce, tandis que sa sœur soubrette s'épanouit dans ses éléments plus comiques. La troupe est bien distribuée dans l'ensemble, avec des interprétations particulièrement réussies de Starr, Bradley et Penhaligon, une énergie bienvenue de Collingwood et Chinneck, et une ténacité rafraîchissante de Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood et Isabella Marshall dans Caste

C'est le rêve de tout explorateur des chemins obscurs de l'histoire théâtrale de découvrir par hasard un chef-d'œuvre perdu. Ces explorateurs méritent notre admiration pour leur persévérance et leur détermination dans leur quête pour déterrer des chefs-d'œuvre enterrés par le temps et les vicissitudes de la mode, leurs gloires oubliées par la postérité. De même, nous ne devrions pas les juger trop sévèrement lorsque ce qu'ils trouvent se révèle être moins que des trésors sans mélange.

C'est ainsi avec cette comédie bourgeoise astucieusement écrite, intelligemment tournée, et efficace du milieu du XIXe siècle : ‘Caste’. Le nom seul indique clairement qu'elle vise un public britannique confortablement au courant des structures sociales internes de l'Inde - cette vaste étendue d'Asie du Sud récemment conquise et soumise par la force de l'armée britannique après le soulèvement infructueux de 1857 contre le contrôle de la Compagnie des Indes Orientales. Les castes sont les strates sociales immuables dans lesquelles chaque Indien naît, et qui circonscrivent les paramètres sociaux dans lesquels il ou elle peut évoluer. Cette pièce s'approprie le terme et l'applique à la société britannique, exprimant les arrangements sociaux domestiques dans les mêmes termes inflexibles que le système social beaucoup plus ancien et stable du sous-continent.

Comme vous pouvez probablement le deviner, pour vraiment 'comprendre' cette pièce, il faut connaître le contexte dont elle émane. Sans doute, les gens des années 1860, quand cette pièce fit sa première apparition dans le monde, le savaient, et sans aucun doute le travail se connectait avec son public alors plus facilement que cela ne le fait aujourd'hui. Cependant, aujourd'hui, nous devons l'aborder - comme toute œuvre dramatique - sur sa capacité à créer un monde qui lui est propre pour que nous puissions l'habiter, et c'est là que commencent les problèmes.

Duncan Moore et Isabella Marshall dans Caste.

En tant que pièce, le divertissement de T. W. Robertson jette un regard en arrière vers les comédies du 18ème siècle et aussi en avant vers les préoccupations personnelles et sociales des Victoriens tardifs tels que Wilde, Shaw et Granville-Barker. En commun avec de nombreuses pièces de son époque, en comparaison avec ses prédécesseurs et successeurs, elle est plutôt superficielle. Bien qu'il y ait une situation engageante au cœur de l'œuvre, et que la directrice Charlotte Peters l'exploite au maximum, et bien que le compositeur et concepteur sonore Theo Holloway enrichisse les émotions du drame et inonde le théâtre de musiques bien plus grandes issues de partitions de ballet et d'opéra de l'époque, la parcimonie du matériau est sa chute. Le goût a changé. Nous attendons plus de substance dans notre compagnie théâtrale. En tant que curiosité, c'est une noble expérience en réanimation d'une pièce qui a eu son temps et, pour des raisons qui sont trop visibles, n'a pas survécu.

Il y a quelques années, The Old Vic nous a offert une redécouverte éblouissante de 'L'Homme du passé' de Tourgueniev, un chef-d'œuvre complètement injustement négligé. Eh bien, tant mieux pour eux de l'avoir trouvé. Tout le monde n'a pas cette chance. C'est un exercice valable, il est bien produit, bien joué et bien de nature à vous faire penser qu'en ce qui concerne le développement du théâtre britannique du XIXe siècle, de bien meilleures choses étaient à venir.

Jusqu'au 18 avril 2017

Photos : Greg Veit

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