CRITIQUE : Carousel, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Gemma Sutton et Tim Rogers dans Carousel au Théâtre Arcola Carousel

Théâtre Arcola

2 juillet 2014

✭✭✭✭✭

Rodgers et Hammerstein étaient un duo romantique mais ils avaient aussi d'autres intérêts. Ceux-ci se manifestent de différentes façons dans leurs célèbres collaborations. The Sound Of Music traite de l'amour pur, presque chaste ; Cendrillon traite de l'amour poursuivi ; Le Roi et moi et South Pacific traitent tous deux de l'amour interdit ; Flower Drum Song parle d'amour traditionnel et inattendu ; Oklahoma traite de l'amour jeune et fougueux, tout comme State Fair ; Pipe Dream traite de sexe sans amour.

Souvent considéré comme le plus joli, le plus romantique du répertoire du duo, Carousel traite de la luxure et de l'abus. Sous cet hymne attrayant et mélodieux de Carousel, le sang coule, la fièvre monte et les appétits sont comblés.

Le metteur en scène Luke Fredericks, dont l'interprétation révélatrice de Carousel joue actuellement dans l'intimité du Théâtre Arcola en une production de Morphic Graffitti, comprend clairement cela et la production est remplie de sexe, de désir et de colère. J'ai vu des dizaines de productions de Carousel mais jamais elle n'a eu autant de sens ou semblé si cohérente et magique que sous la direction de Fredericks.

En partie, cela s'explique par des restrictions budgétaires qui ont nécessairement amené une approche à petite échelle. Le public est si proche, le jeu doit fonctionner, être vrai, surtout dans les scènes les plus intimes et difficiles. Fredericks réussit à relever ce défi et à surprendre constamment le public avec des astuces audacieuses dignes de tout film du groupe Carry On mais comme s'ils avaient été écrits par Alan Bennett : une espièglerie respectable et légèrement excitante qui est vraiment drôle, attrayante et sexy.

Les décors de Stewart Charlesworth sont tout ce dont cette production a besoin, assurant une fluidité de mouvement entre les scènes et un véritable sentiment de la pauvreté dans laquelle vivent les personnages et d'où ils aspirent à s'échapper. Des évocations astucieuses de scènes domestiques, une impression vraiment charmante d'une balançoire fixée à un arbre, un chantier naval, une île, une maison, les terrains de fête, puis le domaine du Conservateur, les portes arrière du paradis - Charlesworth les crée tous, les parsème de costumes réalistes et efficaces, laissant suffisamment de place pour la chorégraphie énergique et exaltante fournie par Lee Proud.

Andrew Corcoran brille en mode Maestro : la partition est bien jouée et magnifiquement chantée, bien que parfois assez différemment de ce à quoi on pourrait s'attendre des enregistrements et autres productions. Il n'y a pas de tempi auto-indulgents ici ; la partition est jouée et chantée avec un enthousiasme presque étouffant et enivrant. Le petit ensemble joue avec précision et brio (un petit faux pas orchestral dans le soliloque était la seule tache notable) et les orchestrations mettant l'accent sur la harpe et les bois sont perspicaces, parfaites.

Souvent, les publics veulent que les rôles soient chantés d'une manière particulière, associant un son particulier à leur plaisir 'propre' de la partition. Personnellement, j'ai toujours préféré un Billy qui pourrait jouer les grands rôles de baryton de Mozart, un grand homme avec une grosse voix retentissante et bien timbrée, tout chocolat et robustesse. J'ai toujours privilégié une Nettie qui pourrait également rendre justice à Mama Rose : une grande voix chaleureuse, avec une ceinture puissante.

Mais comme Angela Lansbury (Gypsy) et Whoopi Goldberg (A Funny Thing Happened On The Way To The Forum) l'ont montré à Broadway, différents styles et voix peuvent être tout aussi efficaces ou plus efficaces dans les reprises d'œuvres qui, autrefois, semblaient devoir être faites d'une certaine manière. Dans Sweeney Todd, vous ne pourriez pas obtenir des performances vocales et dramatiques plus différentes que celles données récemment par Caroline O'Connor, Imelda Staunton ou Emma Thompson - pourtant chacune était triomphante à sa manière.

Parfois, cependant, avoir la bonne voix signifie perdre tout le reste de ce que le personnage doit réaliser sur scène en performance. Ici, ils ne sont peut-être pas toujours l'idéal vocal perçu pour le rôle, mais tout le casting chante aussi bien qu'il joue et danse : avec une précision infaillible de caractère.

Fredericks prouve dans sa production qu'un esprit inventif et ingénieux peut faire en sorte que de nouvelles interprétations des rôles du théâtre musical fonctionnent même si elles vont à l'encontre du type. Et Dieu merci pour cela. Trouver une nouvelle vie dans le vieux travail est l'un des grands plaisirs du théâtre.

Comme toujours, le secret du bon travail réside dans le casting - et Fredericks n'a pas fait d'erreurs ici. Bien que peut-être inattendu et inhabituel dans certains aspects du casting, c'est un groupe solide et remarquable de performers qui offrent des performances superbes, réfléchies et richement détaillées. Tout en évoquant la période, ils sont tous modernes dans leur approche, ce qui aide considérablement à l'alchimie.

Tim Rogers est facilement le meilleur Billy Bigelow que j'ai jamais vu. Impossiblement viril, brutal, sensuel, alangui, manifestement sûr de lui mais intérieurement hanté par la haine de soi, séduisant et désespéré : il est l'épitomé du diamant brut, avec chaque facette ouverte à l'inspection. Il rend ce personnage difficile tout à fait compréhensible, entièrement réel. Il chante magnifiquement, son baryton/ténor riche et haut toujours en harmonie, toujours synchronisé avec sa caractérisation et souvent surprenant par sa tendresse et son étendue. Son soliloque était jugé de façon sensationnelle, incroyablement efficace et, à juste titre, a interrompu le spectacle. Et les duos avec Julie de Gemma Sutton ont montré Rogers à son plus lyrique.

Rogers bénéficie du soutien pour son Billy de deux sources inattendues : Jigger et Mr Snow. Dans cette production, Jigger est un chic, un sale qui s'habille pour l'effet et la prétention et est la personnification de la graisse, de la boue et de la séduction. Ce Jigger prendrait clairement son plaisir n'importe où avec n'importe qui. Tel qu'interprété par Richard Kent, Jigger n'a rien en commun avec Billy, est bien pire qu'un simple individu que Billy et offre des frissons et des sourires en proportions presque égales. Comme un rat sophistiqué, il se faufile à travers les procédures, ou reste immobile et silencieux dans l'ombre, toujours en train d'évaluer les opportunités. Sa tentative presque réussie de séduire Carrie et sa suppression suave de la fortune non méritée de Billy en trichant aux cartes démontrent amplement l'habileté et l'importance de Kent pour le récit.

Parce que la chose clé à propos du turn de Kent est que vous voyez clairement un homme auquel Billy se sent inférieur et, de manière insensée, cherche à aspirer au moins à ses ambitions. La clarté du caractère de Jigger aide à éclairer les parties plus sombres de celui de Billy. Et sa voix ajoute de l'éclat chaque fois qu'il chante.

De même, et de manière assez inhabituelle, les aspects plus sombres de Mr Snow sont également étoffés ici. Joel Montague fournit un pêcheur costaud et ambitieux (avec une force et une tonalité vocales formidables) qui piétine simplement Vicki Lee Taylor's (parfaitement délicieuse) Carrie. Il impose ses souhaits sur elle de toutes les manières possibles, décidant de leur avenir, imposant des enfants sans fin, quelles que soient ses propres désirs, coupant à travers elle, assumant le contrôle de son destin et montrant aucun intérêt pour ce qu'elle pense ou ressent. Ce Mr Snow abuse de sa femme bien plus que Billy de la sienne.

À la lumière de cela, la violence de Billy vient de ses propres problèmes de haine de soi et, face à la graisse de Jigger et au régime totalitaire de Mr Snow, il est compréhensible que Julie choisisse de rester avec lui et de le défendre. Ce n'est pas que cette production cherche à rabaisser ou approuver l'élément de maltraitance de la femme ; mais cela le contextualise. Tous les personnages principaux masculins se comportent mal envers les femmes qu'ils aiment ou disent aimer - mais le point est que les femmes les aiment, les désirent et supportent beaucoup de choses. Un coup unique est-il un pire sort qu'une vie sans consultation et sans fin de corvée ? Julie Jordan, identifiée comme une "singulière" (ce qui signifie étrange, non conforme), dit non. Mais a-t-elle tort ?

Tous ces détails se déploient dans les riches performances : l'incertitude hantée qui traverse les yeux de Rogers ; l'indifférence de Montague montre constamment à la Carrie de Taylor, malgré son inconfort exprimé, bien que parfois comique ; le regard toujours attentif de Kent alors qu'il évalue les possibilités et saisit ses chances.

Les femmes sont tout aussi bonnes. La Julie de Sutton est énigmatique à tous égards et c'est tout à fait pour le mieux. Ses réactions ne sont pas prévisibles, mais quand elle choisit une ligne de conduite, elle s'y tient. Et elle en tire le meilleur parti. Son besoin profond de Billy, la joie que leur communion sexuelle lui apporte, lui donne une étincelle et une joie irrésistibles. Rien ne la décourage de ce qu'elle veut - elle est une femme qui fait ce qu'elle veut avec qui elle veut. C'est sa foi en Billy qui fournit la sous-tension tragique de l'œuvre. Sutton chante avec facilité et avec un véritable aperçu et un charme.

La formidable, enjouée et surmenée Carrie de Taylor est merveilleuse. Elle brille à chaque scène et a une énergie qui englobe chaque coin de l'auditorium. Elle égalise ou améliore toutes les interactions avec avec ses partenaires. Son timing comique est exquis. Elle exploite au maximum les opportunités offertes par le travail sûr de Kent et Montague et chante avec une clarté de diction et une chaleur et expression vocales qui débordent de joie.

En tant que Nettie, la figure maternelle cousine de Julie, Amanda Minihan est plus audacieuse, plus consciente, plus charnelle que n'importe quelle Nellie que j'ai vue, et son enthousiasme et son embrassement de ces caractéristiques rendent le personnage bien moins collant qu'à l'accoutumée. Son humiliation méchante et joyeuse de Mr Snow pendant qu'il se baigne est délicieuse - démontrant qu'elle voit ce qui se passe réellement avec les Snow, tout comme elle le fait avec Julie et Billy. J'aurais préféré un son vocal légèrement plus complet dans June Is Busting Out All Over, mais j'ai été surpris et ravi par son interprétation intensément ressentie, incroyablement sincère de You'll Never Walk Alone, aussi unique qu'émouvante.

Paul Hutton exsude la pompe et la moralité arrogante du Bascombe, apporte une adorable fatuité à l'ancienne pour le Dr Seldon et excelle comme The Starkeeper, l'investissant d'un détachement nonchalant et coloré qui ajoute plutôt qu'il ne détourne le mystère céleste de l'homme et de l'endroit qu'il garde. Valerie Cutkin's austère, brisée (cœur et esprit) mais orgueilleuse Mrs Mullin était inspirée; manifestement une fois belle et ambitieuse, maintenant une coquille désespérée et ivre anxieuse de gentillesse et d'affection.

L'ensemble est vraiment de premier ordre. Impressionnant vocalement et dramatiquement. Leurs riches harmonies bien chantées sont exceptionnellement bonnes ; la reprise finale a capella de Never Walk Alone est particulièrement belle et émouvante. À mentionner en particulier, l'impressionnant tir de flammes de Charlotte Gale, la grâce balétique de Joseph Connor et l'énergie constante et magnétique d'Anton Fosh.

La chorégraphie de Proud est incessamment inventive et résout élégamment le "problème" du ballet qui est la clé de l'Acte Deux, le rendant plus engageant et poignant que je ne l'ai jamais vu. Mais la danse tout au long est excellente, les pas astucieux et inhabituels, très physiques et constamment attrayants et gratifiants à observer. Les routines musclées pour les hommes insufflent une nouvelle vie aux morceaux de résistance.

Il n'y a rien ici à ne pas aimer et admirer. C'est à la fois hilarant, charmant et gracieux, vicieux et inflexible, tendre et déchirant. Cela grouille de fraîcheur, de fureur et de finesse - et présente des sommets, des creux et l'ordinaire de ces gens dont les vies sont changées à jamais par les lumières et les ombres du Carousel mieux que toute production ou version enregistrée que j'ai vue.

Il y a ceux qui pensent que Carousel est le plus grand musical écrit au XXe siècle. La production de Fredericks, dans les mains et les voix de ce casting éblouissant, soutient puissamment la raison pour laquelle cela pourrait être le cas.

J'espère que cela transfère. Je veux le voir encore et encore si je le pouvais. C'est une réalisation étonnante avec un budget minuscule ; avec un soutien adéquat, cela pourrait durer longtemps. C'est mieux que beaucoup de productions de comédies musicales du West End qui le font.