CRITIQUE : Carmen Disruption, Almeida Theatre ✭✭✭✭

Carmen Disruption

Théâtre Almeida

20 avril 2015

4 étoiles

Je n'ai pas remarqué quand le sang a commencé à se rassembler autour du taureau mort. Je n'ai pas remarqué quand le taureau a cessé de respirer.

Mais il était là : le dernier souffle parti, le sang noir et visqueux, semblable à une douve autour de la carcasse. Quelque chose de très significatif s'était passé juste devant moi. Je n'avais pas remarqué. Ce n'était pas que je ne faisais pas attention : je l'étais. Mais il y avait d'autres choses, captivantes, distrayantes, qui recentraient mon attention. Comment déterminer sur quoi se concentrer dans un monde en perpétuel changement, peuplé de personnes fascinantes et exotiques ? Un monde sans signes clairs, sans fins évidentes ; une place où l'on ne peut pas utiliser les réseaux sociaux pour s'orienter ?

C'est la production révélatrice, hallucinogène et captivante de Michael Longhurst de Carmen Disruption de Simon Stephens, une réinterprétation d'une pièce jouée pour la première fois en 2014 au Deutsche Schauspielhaus de Hambourg. Stephens a été encouragé à écrire la pièce par un collaborateur allemand, Sebastian Núbling, suite à de longues discussions avec Rinat Shaham, une chanteuse d'opéra internationale dont la carrière artistique florissante la voit voyager dans le monde entier en jouant le rôle de Carmen. Stephens a été frappé par la vie particulière, déconnectée et itinérante que mène Shaham – tant de voyages, si peu de racines, tant de nouvelles situations auxquelles s'adapter, et tant de dépendance aux réseaux sociaux, et en particulier aux iPhones.

Stephens voit la situation de Shaham comme une réflexion spécifique de préoccupations plus larges : la destruction de la communauté, l'isolement des individus, la mondialisation et la stérilisation de la culture, le pouvoir de l'argent et des rêves capitalistes, le désespoir qui vient de la non-intervention. Des thèmes opératiques. Prenant comme point de départ Carmen de Bizet, Stephens mélange ces éléments, avec les personnages et une partie de la musique et des éléments de l'intrigue de Carmen, créant un paysage dystopique contemporain où à peu près tout peut arriver et arrive.

Les personnages principaux de Carmen apparaissent tous sur une scène d'opéra désolée et en décomposition. Le sentiment de passé glamour est toujours présent : le lustre de travers, la dorure fanée, les sièges de velours rouge usés. Un petit duo de violoncelles est installé sur le côté, ajoutant une assistance musicale tout au long de la pièce. Et, au centre, il y a la grande carcasse réaliste d'un taureau mourant, dont le souffle s'échappe lentement alors que la pièce commence. Oui, cela représente la créature de l'arène dans Carmen, mais c'est aussi une métaphore permanente du marché haussier qui est crucial pour le capitalisme et du "bull" d'un autre genre qui imprègne la vie moderne partout alors que les gens obfusquent pour survivre ou rendre leur vie plus intéressante.

Avec un éclairage astucieux de Jack Knowles, la scène se transforme d'une maison d'opéra hantée à une arène de taureau démente en un paysage d'horreur de métro à une jungle urbaine effrayante. La société moderne vit et prospère dans l'ombre, les ténèbres toujours présentes, et la mise en scène ici le reflète précisément.

Les personnages que nous rencontrons ne sont pas ceux auxquels nous nous attendrions d'un Carmen traditionnel. Carmen elle-même est maintenant un jeune homme joli, un prostitué narcissique avec une absence totale d'estime de soi, ce qui mène à des conversations avec des miroirs sur des cheveux parfaits. Don José, une femme d'une cinquantaine d'années, dépressive et introspective, conduit un taxi, tandis qu'Escamillo est un trader en matières premières en costume-cravate, perché comme un cerf-volant, du genre rapace. Micaëla apparaît, une jeune femme perdue, tout comme un personnage représentant Shaman, une chanteuse dans une ville étrange qui échappe à ses lieux habituels (hôtel, loge, opéra) pour un autre genre d'arène : le grouillant, impersonnel "là-bas" urbain.

Enfin, il y a un chœur, une femme seule, l'incarnation de la Bizet Carmen elle-même, qui chante des bribes de mélodie, familières et inconnues, et qui commente et traverse l'action. Elle termine la pièce en caressant la carcasse morte du taureau et enveloppée dans son sang malade et collant : une image puissante, la fusion de tout ce qui s'est passé avant.

Ce n'est pas un théâtre pour les âmes sensibles ou ceux qui veulent tout emballé soigneusement et servi en bouchées gérables. Non. C'est du théâtre dans le style classique de déconstruction allemande - il faut être attentif, mais si c'est le cas, les récompenses sont convaincantes, intrigantes et stimulantes.

Il y a beaucoup d'humour, certains sombres, certains axés sur les personnages, d'autres satiriques ; tous incisifs. Il y a une physicalité extraordinaire montrée par de nombreux membres du casting – ce qui semble être des ondulations de séisme affecte les personnages principaux à différentes étapes et il y a un régime de mouvement stylisé qui augmente et souligne les récits individuels. La danse interminable de la vie.

La mise en scène de Longhurst est continuellement inventive et surprenante. Il y a un moment avec une douche de paillettes dorées qui est tout simplement époustouflant. Essentiellement une série de monologues statiques, Longhurst s'assure qu'il y a beaucoup de choses pour occuper l'œil pendant que les oreilles absorbent le texte dense, complexe et inspirant des images. Il y a souvent un sentiment de « qu'est-ce qui se passe maintenant ? » qui est électrisant.

John Light est exceptionnel en Escamillo, une boule de testostérone tendue et serrée. Il escalade le mur et se tient debout sur des chaises ; c'est une interprétation très physique d'un criminel extrêmement nervuré et prêt à tout qui commet des fraudes mais qui s'en tire, avec un beau profit, grâce aux rouages huileux du "système" douteux. Light est merveilleusement captivant et charismatique, l'incarnation fondamentale de ce qui ne va pas dans une société qui vénère et récompense les banquiers qui feront n'importe quoi pour faire des profits.

Également exceptionnel est Jack Farthing en Carmen vaniteux, précieuse et volage. C'est un autre interprète qui délivre une performance intensément physique, aussi masculine que féminine. Brutal et honnête, Farthing transmet impeccablement le monde perdu du travailleur du sexe moderne, et la scène où il décrit son viol effectif est particulièrement choquante. Contrairement au personnage de Bizet, l'amour est presque un concept étranger pour ce Carmen branché sur les réseaux sociaux, et la sortie fanée, évanescente et rêveusement perdue de Farthing est profondément troublante.

Noma Dumezweni est fidèle à elle-même, sa voix somptueuse alors qu'elle décrit les activités de la conductrice qui est Don José. L'écriture de Stephens pour ce personnage ne semblait pas aussi piquante ou saisissante que pour d'autres personnages, mais la pure force de présence de Dumezweni compense cela. Sharon Small est convenablement énigmatique et nostalgique en tant que chanteuse d'opéra qui fuit son monde confortable et manufacturé pour l'incertitude mais les riches prises des rues d'Europe.

Moins réussie est Katie West en Micaëla, qui est trop insubstantielle pour définir suffisamment son personnage - mercurielle et enjouée, mais complètement perdue, une jeune fille à la recherche de tout ce qui est substantiel. Encore une fois, l'écriture est difficile pour ce personnage, mais une actrice plus persuasive aurait pu extraire davantage du matériel.

Dévastatrice et frappante, Viktoria Vizin est évocatrice et fragile en tant que Chœur, apportant un sens de l'excès poétique et de l'incandescence musicale à la procédure. Il y a une grandeur éthérée dans tout ce qu'elle fait, qui se reflète dans le jeu et les bouffonneries de Jamie Cameron et Harry Napier en tant que violoncellistes. Mondes en collision. Thèmes en fusion.

Le design de Lizzie Clachan est merveilleusement sombre et excessif tout à la fois. Le sentiment de quelque part en Europe est profond et les costumes et les débris du décor renforcent l'un des principes centraux de Stephens – que l'identité individuelle, de la personne comme de la ville, se perd progressivement, inexorablement, inexorablement, alors que tout le monde et partout s'efforcent d'être homogènes. Le lustre décalé et criard, omniprésent comme un signe de richesse, de stature et de pouvoir, mais démodé, est inspiré. Comme l'est l'affichage LED qui, à certains moments, sert de conscience aux personnages ou de réflexion sur leur société, leur obsession avec Twitter ou Tumblr ou autre.

À un peu plus de 90 minutes, c'est un spectacle théâtral et une tapisserie aussi éthérés et vitaux qu'ils sont étranges et incompréhensibles. Les nuances poétiques volent à travers l'écriture, ce qui rend les visites de retour pour revoir la production presque obligatoires. Vous ne voulez pas manquer des passages comme celui-ci :

« Il y a un moment où vous prononcez un mot et il prend son envol. Quelque chose qui n'est qu'une forme devient un son. Quelque chose qui n'est qu'une forme devient un geste, Quelque chose qui n'est qu'une forme peut briser le cœur de quelqu'un en un million de minuscules morceaux. Et alors. Il y a un moment. Quand vous le chantez."

Carmen de Bizet comme ADN de notre temps ? Simon le dit – et le rend tel.

Carmen Disrupted se joue au Théâtre Almeida jusqu'au 15 mai 2015