CRITIQUE : Carmen Disruption, Almeida Theatre ✭✭✭✭

Carmen Disruption

Théâtre Almeida

20 avril 2015

4 étoiles

Je n'ai pas remarqué quand le sang a commencé à s'accumuler autour du Taureau mort. Je n'ai pas remarqué quand le Taureau a cessé de respirer.

Mais il était là : le dernier souffle parti, le sang noir et visqueux, semblable à une douve autour de la carcasse. Quelque chose de très significatif s'est produit juste devant moi. Je ne l'avais pas remarqué. Ce n'est pas que je ne faisais pas attention : je le faisais. Mais il y avait d'autres choses, captivantes, distrayantes, réorientant mon attention. Comment détermine-t-on sur quoi se concentrer dans un monde en perpétuel changement, peuplé de gens fascinants et exotiques. Un monde sans signes clairs, sans fins évidentes; un endroit où vous ne pouvez pas utiliser les réseaux sociaux pour vous guider ?

C'est la production révélatrice, hallucinogène et absolument captivante de Michael Longhurst de la Carmen Disruption de Simon Stephens, une réinterprétation d'une pièce jouée pour la première fois en 2014 au Deutsche Schauspielhaus de Hambourg. Stephens a été encouragé à écrire la pièce par un collaborateur allemand, Sebastian Núbling, après de longues discussions avec Rinat Shaham, une chanteuse d'opéra internationale dont la carrière artistique réussie l'amène à voyager partout dans le monde pour jouer le rôle de Carmen. Stephens a été frappé par la vie particulière, déconnectée et péripatéticienne que mène Shaham – tant de voyages, si peu de racines, tant de nouvelles situations à adapter, et tant de dépendance aux réseaux sociaux, en particulier aux iPhones.

Stephens voit la situation de Shaham comme un reflet spécifique de préoccupations plus larges : la destruction de la communauté, l'isolement des individus, la mondialisation et la stérilisation de la culture, le pouvoir de l'argent et des rêves capitalistes, le désespoir résultant de la non-intervention. Des thèmes opératiques. En prenant le Carmen de Bizet comme un point de départ, Stephens jette ces éléments, avec les personnages et certains points de musique et d'intrigue de Carmen, dans un blender, créant un paysage dystopique contemporain où presque n'importe quoi peut et arrive.

Les personnages principaux de Carmen apparaissent tous sur une scène d'Opéra désolée et en décomposition. Le sentiment d'un passé glamour est omniprésent : le lustre bancal, la dorure fanée, le siège de velours rouge usé. Un petit duo de violoncelles est situé sur le côté, ajoutant une assistance musicale tout au long. Et, au centre, il y a l'immense carcasse réaliste d'un taureau mourant, son souffle s'échappant lentement au début de la pièce. Oui, cela représente la créature de l'arène dans Carmen, mais c'est aussi une métaphore permanente pour le marché haussier, critique pour le capitalisme, et le "Taureau" d'un autre genre qui imprègne la vie moderne partout alors que les gens embrouillent pour survivre ou rendre leur vie plus intéressante.

Avec un éclairage astucieux de Jack Knowles, la zone de la scène se transforme de la maison fantôme d'opéra à l'arène démente du métro à la jungle suburbain redoutée. La société moderne vit et prospère dans les ombres, la noirceur toujours présente, et la mise en scène ici le reflète précisément.

Les personnages que nous rencontrons ne sont ceux que nous attendrions d'un Carmen traditionnel. Carmen elle-même est maintenant un joli jeune homme, un prostitué narcissique avec une absence complète de conscience de soi qui mène à des conversations avec des miroirs sur une chevelure parfaite. Don José, une femme d'une cinquantaine d'années, déprimée et introspective, conduit un taxi, tandis qu'Escamillo est un trader en matières premières en costume, déchaîné, du genre rapace. Micaëla apparaît, une jeune femme perdue, tout comme un personnage représentant Shaman, une chanteuse dans une ville étrangère qui échappe à ses terrains habituels (hôtel, loge, opéra) pour une autre sorte d'arène : le bourdonnement, non personnel, urbain « là-bas ».

Enfin, il y a un Chœur, une seule femme, l'incarnation de la Carmen de Bizet elle-même, qui chante des mélodies familières et inconnues, et qui commente et traverse l'action. Elle termine la pièce en caressant la carcasse morte du Taureau et enveloppée de son sang malodorant et collant : une image puissante, la fusion de tout ce qui a précédé.

Ce n'est pas du théâtre pour les âmes sensibles ou ceux qui veulent tout emballé soigneusement et servi en bouchées gérables. Non. C'est le théâtre dans le style classique de la déconstruction allemande – il faut y faire attention, mais si c'est le cas, les récompenses sont captivantes, intrigantes et stimulantes.

Il y a beaucoup d'humour, certains sombres, certains basés sur les personnages, certains satiriques; tous incisifs. Il y a une physicalité extraordinaire affichée par beaucoup de la distribution – ce qui ressemble à des ondulations sismiques affecte les personnages principaux à différents moments et il y a un régime de mouvement stylisé qui augmente et souligne les récits individuels. La danse sans fin de la vie.

La mise en scène de Longhurst est continuellement inventive et surprenante. Il y a un moment avec une pluie de paillettes dorées qui est simplement à couper le souffle. En gros, une série de monologues statiques, Longhurst veille à ce qu'il y ait beaucoup de quoi occuper l'œil pendant que les oreilles absorbent le texte dense, complexe et inspirant des images. Il y a souvent un sentiment de « qu'est-ce qui se passe maintenant ? » qui est électrisant.

John Light est exceptionnel comme Escamillo, une boule de tension et de testostérone tendue et nerveuse. Il escalade le mur et se dresse sur les chaises; c'est une interprétation très physique d'un criminel hyperstressé, autoritaire, qui commet une fraude mais qui s'en sort, avec un bénéfice net, grâce aux rouages huileux du « système » douteux. Light est merveilleusement captivant et charismatique, l'incapsulation fondamentale de ce qui ne va pas dans une société qui vénère et récompense les banquiers qui feront n'importe quoi pour en tirer profit.

Également exceptionnel est Jack Farthing, extravagant, précieux et promiscu Carmen. C'est un autre interprète qui offre une performance intensément physique, celle-ci aussi masculine qu'elle est féminine. Brutal et honnête, Farthing transmet impeccablement le monde perdu du travailleur du sexe moderne, et la scène où il décrit son viol efficace est particulièrement choquante. Contrairement au personnage de Bizet, l'amour est presque un concept étranger pour ce Carmen expert en réseaux sociaux, et la sortie entièrement perdue, fanée et illusionnée de Farthing est profondément dérangeante.

Noma Dumezweni est, comme toujours, fiable, sa voix somptueuse, alors qu'elle télécharge des informations sur les activités du conducteur qui est Don José. L'écriture de Stephens pour ce personnage ne semblait pas aussi poignante ou saisissante que pour d'autres personnages, mais la force pure de la présence de Dumezweni compense cela. Sharon Small est énigmatique et rêveuse comme la chanteuse d'opéra qui fuit son monde d'opéra douillet et manufacturé pour l'incertitude mais les riches choix des rues d'Europe.

Moins réussie est Katie West comme Micaëla, qui est trop insubstantielle pour maîtriser suffisamment son personnage - mercuriale et enjouée, mais complètement perdue, une jeune fille cherchant quelque chose de substantiel. Encore une fois, l'écriture est difficile pour ce personnage, mais une actrice plus persuasive aurait pu tirer davantage du matériel.

Frappante et émotive, Viktoria Vizin est évocatrice et fragile en tant que Chœur, apportant un sens de l'excès poétique et de l'incandescence musicale aux événements. Il y a une grandeur éthérée dans tout ce qu'elle fait, ce qui est reflété dans le jeu et les facéties de Jamie Cameron et Harry Napier en tant que Violoncellistes. Les mondes s'entrechoquent. Les thèmes se fusionnent.

Le design de Lizzie Clachan est merveilleusement sombre et excessif tout à la fois. Le sentiment de quelque part européen est profond et les costumes et le débris du décor renforce l'un des principes centraux de Stephens – que l'identité individuelle, de personne ainsi que de ville, se perd, progressivement, ineffablement, inexorablement, alors que tout le monde et partout s'efforce d'être homogène. Le lustre extravagant, omniprésent en tant que marque de richesse, de stature et de pouvoir, mais démodé, est inspiré. Comme l'est l'affichage LED qui, à certains moments, sert de conscience des personnages ou de reflet de leur société, leur obsession pour Twitter ou Tumblr ou autre.

En un peu plus de 90 minutes, c'est un spectacle théâtral et une tapisserie aussi éthérée et vitale qu'elle est étrange et incompréhensible. Les nuances poétiques volent à travers l'écriture telle que les visites de retour pour voir de nouveau la production sont presque obligatoires. Vous ne voulez pas manquer des passages comme celui-ci :

« Il y a un moment où vous prononcez un mot et il prend son envol. Quelque chose qui n'est qu'une forme devient un son. Quelque chose qui n'est qu'une forme devient un geste, Quelque chose qui n'est qu'une forme peut briser le cœur de quelqu'un en un million de minuscules morceaux. Et puis. Il y a un moment. Quand vous le chantez. »

Le Carmen de Bizet comme l'ADN de notre époque ? Simon dit – et le fait.

Carmen Disrupted se joue au Théâtre Almeida jusqu'au 15 mai 2015