CRITIQUE : Cabaret, Studio 54 ✭✭✭✭✭

Alan Cumming dans Cabaret à Studio 54. Photo : Joan Marcus Cabaret

Studio 54

17 avril 2014

5 Étoiles

Pour beaucoup, certaines des grandes performances qui définissent le théâtre musical sont celles des versions cinématographiques des comédies musicales de scène. Dans le cas de Rex Harrison dans My Fair Lady, Yul Brynner dans The King and I et Julie Andrews dans The Sound of Music, ces personnes ont raison - bien que La Andrews n'ait pas créé le rôle de Maria Von Trapp sur scène ni ne l'ait joué par la suite. Comme d'autres stars, elle a été choisie parmi de nombreuses possibilités pour jouer un rôle principal dans une adaptation cinématographique.

Bien sûr, The Sound of Music n'était pas, en tant qu'adaptation cinématographique, une grande déviation du spectacle sur scène. D'autres films musicaux ont été adaptés avec moins de considération pour la version scénique qui a permis leur existence. Hello Dolly, avec La Streisand, et Cabaret, avec Liza Minelli, entrent dans cette catégorie : des films réussis et mémorables avec des performances de stars centrales qui ressemblent peu aux paramètres, aux besoins fondamentaux, aux hauts et aux bas du spectacle original.

La difficulté est que ces films se sont gravés dans la conscience collective et donc, peut-être de manière compréhensible, les gens qui viennent voir ces spectacles au théâtre s'attendent à une expérience similaire. Mais dans le cas de Dolly Levi et de Sally Bowles, le simple fait est que les personnages de théâtre ressemblent peu, parfois pas du tout, aux prestations de stars de cinéma.

En même temps, les chansons associées à ces grands personnages sont devenues des standards et le monde est habitué à entendre des morceaux comme Maybe This Time, Cabaret et Before The Parade Passes By comme de grandes performances à couper le souffle.

Donc, les attentes peuvent interférer avec des performances parfaitement adaptées.

Mais il serait vraiment stupide de laisser de telles attentes gâcher le plaisir de la simplement magnifique reprise de Cabaret jouée actuellement à Studio 54 à Broadway. Dirigée par Sam Mendes et Rob Marshall, qui assume également les tâches de chorégraphie, il s'agit d'une reprise de la production récompensée par le Tony qu'ils ont montée en 1998. Il est sans doute possible que cette production originale ait été meilleure que cette reprise, mais excepté sur un petit détail, il semble incompréhensible qu'elle ait pu l'être.

Car c'est délicieux, éblouissant, délicat et délicieusement déviant de toutes les manières - c'est un Cabaret en titre, en forme et en cœur. Il est hilarant à un moment et douloureusement tragique au moment suivant. Certaines choses sont surjouées, à juste titre, d'autres sont sous-jouées, également à juste titre mais peut-être de façon surprenante, et la joie des merveilleuses chansons de Kander et Ebb est constamment juxtaposée à la sordide, affreuse et déchirante réalité des personnages principaux.

La mise en scène est compacte et précise. Souvent, la scène en bois est nue. L'éclairage (Peggy Eisenhauer et Mike Baldassari) joue un grand rôle dans l'évocation des réponses émotionnelles et les vignettes sur scène ne sont jamais accidentelles et toujours parfaitement réalisées. Le simple projecteur devient presque un personnage du drame.

La direction est tout simplement brillante. Le rythme ne faiblit jamais, même dans les pauses, le cœur de la pièce bat résolument en avant. Et la chorégraphie est gracieuse, remarquable, finement réglée et complètement captivante. William Ivey Long se surpasse dans la section des costumes : élégantes et sulfureuses, chaque tenue est exactement adaptée au concept de mise en scène ici.

L'ensemble semble entièrement composé de quadruples menaces : des acteurs talentueux, des chanteurs, des danseurs et des musiciens. Ils jouent des rôles mineurs, séduisent le public, dansent de manière évocatrice et jouent toute la musique. Ils sont phénoménaux. Et quand le MC dit « l'orchestre est magnifique », il ne flatte en aucun cas inutilement ; l'orchestre est brûlant.

La direction musicale (Patrick Vaccariello) est impeccable, l'équilibre et le ton excellents, l'accent mis sur les paroles clair. Le chant tout au long est formidable, les harmonies claires et fortes.

Alan Cumming joue le MC avec une férocité éblouissante. Il est en excellente forme physique et satisfait à toutes les exigences de ce rôle des plus éclectiques. Il improvise merveilleusement lorsque l'occasion le permet et bien qu'il soit très sexy et très drôle, il est aussi capable d'une grande profondeur : son interprétation de I Don't Care, en mode torch song complet et robe scintillante à sequins, est effrayante par son intensité. En l'entendant, vous comprenez ce que la phrase « chanter le fond de son cœur » signifie réellement.

Également touchant, et magnifiquement fait, était If You Could See Her Through My Eyes, livré ici par Cumming comme s'il avait été écrit hier. Et Two Ladies était une surdose comique sensuelle alors que Cumming et une fille et un garçon-fille folâtraient et gambadaient dans une méchanceté plaisir sans retenue.

Le MC ici parcourt constamment la scène, apparaissant de l'obscurité pour créer la pagaille ou faire une remarque ou rejoindre une ligne de coups de pied ou exposer une fesse avec tatouage de croix gammée nue ou mettre en lumière un sujet important. Cumming ne s'arrête jamais, ne faiblit jamais, attaque le rôle avec un enthousiasme inébranlable. Il est formidable de toutes les manières possibles.

J'ai vu des Fräulein Schneiders merveilleuses dans ma vie, mais, honnêtement, ce que Linda Emond fait ici avec le rôle est une pure perfection. Elle chante ses deux chansons avec une puissance vocale surprenante (qui savait qu'elle avait une voix chantée aussi forte et formée ?) et est habile à représenter la tristesse inhérente du personnage et la formidable possibilité de bonheur qui arrive puis lui est vicieusement retirée. Son interprétation immaculée et désolée de What Would You Do? est, à tous égards, stupéfiante. Triomphante.

Dans le rôle de Herr Schulz, Danny Burstein est tout simplement merveilleux. Aimable et plein d'espoir, son Allemand juif sympathique est un pur délice. Il fournit l'épine dorsale de l'horreur émotionnelle de la soirée et il le fait sans faille. Le moment à la fin de l'Acte Un où son monde s'effondre lorsque les nazis se rapprochent et que son héritage est révélé est incroyablement efficace, souligné par le mélancolique Tomorrow Belongs To Me.

Les deux rôles les plus problématiques du spectacle sont Cliff et Ernst, mais cette version du script adoucit les bords maladroits du script original et entre les mains de deux acteurs doués et charmants, ils deviennent plus que des clichés. Bill Heck est un Cliff bisexuel viril, troublé par sa carrière et son incapacité à écrire mais envoûté par le monde que le Kit Kat Klub offre. Il apporte une assurance suave à sa relation avec Sally et établit en même temps un véritable lien avec l'Allemand Ernst.

Aaron Krohn est exceptionnel en tant qu'Ernst et présente vraiment le véritable dilemme de l'ascension des nazis : il est un Allemand ordinaire, patriotique et sensé, qui adopte la rhétorique et l'idéologie du parti. Parce que Krohn rend Ernst attrayant plutôt que visqueux ou manipulateur, l'horreur profonde de son affiliation nazie se fait vivement sentir. Comme Fräulein Schneider le ressent, le public aussi. Et tout cela nous aide à comprendre Cliff.

Gayle Rankin ne frappe pas toutes les marques en tant que Fräulein Kost mais elle en atteint la plupart. Peut-être est-ce simplement la qualité des autres membres du casting, mais il y a quelque chose de saccadé et de déconnecté dans sa performance. À son point culminant, cependant, ce n'est qu'une petite critique.

Parmi l'ensemble, il y a un travail particulièrement bon de Leeds Hill (Bobby), Dylan Paul (Victor), Kristen Olness (Helga), Kayleigh Cronin (Lulu) et Evan D. Siegel en tant que Rudy. Chacun d'eux apporte une qualité lumineuse spéciale à son travail - il est difficile de détourner les yeux d'eux.

En tant que Sally Bowles, Michelle Williams brille d'une énergie incandescente et d'une fragilité tremblante et impeccable ; elle est irréprochable à tous égards.

Sally Bowles est une artiste de second ordre, une réfugiée anglaise qui survit à Berlin grâce à des mécènes lubriques et à des compagnons de scène débauchés. En tant que personnage du spectacle de scène, ou du roman original d'Isherwood, elle n'est pas la sirène ardente créée sur pellicule par Liza Minelli, aussi incohérente que soit le personnage, sans aucun doute.

Non.

Sally Bowles ne chante pas vraiment bien, elle ne danse pas vraiment bien et elle est une figure de poupée perdue et brisée habituée à un traitement brutal. Elle a des rêves mais elle est autodestructrice. Bien qu'elle puisse briller intensément, elle s'éteint toujours.

Williams capture ce personnage exactement. Elle est complètement anglaise, presque une flapper échappée folle. Pétillante, décadente et scandaleuse, elle incarne l'indulgence personnelle volontaire et la détermination insulaire.

Ses interprétations dans Don't Tell Mama et Mein Herr étaient vraiment amusantes - un engagement à pleine vitesse avec ce qui pourrait être une diva. Avec perspicacité, et avec un effet dramatique immense, elle transforme Maybe This Time en une lamentation introspective, pleine de douleur, de désir et de l'attente de la déception. Ce n'est pas un hymne fort - c'est un cri du cœur, un souhait d'engagement réel, une reconnaissance de la folie qu'est la vie. C'est magnifique.

Mais la véritable surprise vient dans le numéro de onze heures, la chanson-titre : Cabaret. Williams aborde cette chanson d'une perspective fraîche et unique. Elle devient tout aussi cathartique pour sa Sally que Rose's Turn l'est pour Momma Rose dans Gypsy. C'était comme si la chanson n'avait jamais été entendue auparavant : chaque note était chargée de regret, de douleur et de colère. Une performance entièrement originale. L'entendre chanter son âme dans ce numéro compte parmi les plus grandes expériences jamais vécues sur une scène de Broadway.

Et ses yeux...le regard déchirant dans ses yeux lorsqu'elle évoque Elsie puis rage contre son destin...totalement captivant.

Williams a livré ici une performance époustouflante - une qui est réfléchie, absolument crédible, fragile, décadente et gravée dans le malheur et le désespoir.

Elle est, sans exception, la meilleure Sally Bowles que j'ai jamais vue ou entendue.

Désolé Dame Judi.

C'est, de loin, la meilleure version de Cabaret que j'ai jamais vue. Faites tout pour la voir.