CRITIQUE : Blood Knot, Orange Tree Theatre ✭✭✭

Tim Hochstrasser critique la pièce d'Athol Fugard Blood Knot, actuellement jouée au Orange Tree Theatre, Richmond.

Kalungi Ssebandeke et Nathan McMullen dans Blood Knot. Photo : Richard Hubert Smith Blood Knot

Orange Tree Theatre

13 mars 2019

3 Étoiles

Réservez vos billets Ceci est l'une des nombreuses reprises des œuvres d'Athol Fugard visant à commémorer les vingt-cinq ans de la fin du régime de l'apartheid en Afrique du Sud. Blood Knot est en fait la toute première pièce de Fugard datant de 1960 et constitue une étape importante en ce sens qu'elle a représenté la première fois où des acteurs noirs et blancs apparaissaient sur la même scène. On peut facilement voir les origines des thèmes et motifs développés plus tard dans les œuvres de Fugard, et en tant que document historique, cette pièce est indéniablement importante. Cependant, en tant que drame, elle est maladroite et datée avec beaucoup trop de dialogues non ancrés et une politique raciale qui aurait été audacieuse et courageuse dans les années 60, mais qui apparaît maintenant comme trop grossièrement dessinée. Un marqueur de l'évolution des mentalités est la polémique récente aux États-Unis concernant le casting d'un acteur blanc dans un rôle écrit dans cette pièce comme métis. Ce qui était révolutionnaire pour Fugard est désormais jugé inacceptable.

Kalungi Ssebandeke et Nathan McMullen dans Blood Knot. Photo : Richard Hubert-Smith

L'action se déroule dans un triste bidonville à l'extérieur de Port Elizabeth, recréé par la designer Basia Binkowska avec des bandes de tôle ondulée autour du théâtre en rond qu'est le Orange Tree. Deux lits, un réchaud Primus et quelques effets personnels simples montrent qu'il s'agit du domicile de deux frères, Morrie et Zach, tous deux membres de la communauté Coloured du Cap – partageant la même mère mais deux pères différents. Morrie peut passer pour blanc tandis que l'apparence de Zach est clairement noire. La pièce prend son départ et son point final à partir des jugements inévitables de la société de l'apartheid basés sur les origines raciales et de leur effet corrosif sur tous les impliqués, même ceux qui ne sont pas les plus mal placés dans la société.

Zach assure leur subsistance grâce à un travail épuisant et dégradant de porteur et de gardien, tandis que Morrie tient la maison de manière méticuleuse, essayant d'économiser leurs maigres fonds pour qu'ils puissent quitter le bidonville et acheter un terrain ailleurs. Zach cherche l'évasion par l'alcool et les femmes et ils arrivent à un compromis en mettant Zach en contact avec une correspondante pour lui offrir un débouché romantique. Cependant, c'est Morrie, comme celui qui a l'éducation, qui rédige les lettres d'amour. Les événements dérapent une fois qu'il est clair que la destinataire est non seulement intéressée par la réciprocité, mais est aussi blanche, et donc dangereusement - pour eux - hors de portée. Ils décident que Morrie devrait être celui qui la rencontre, vêtu d'un nouveau costume élégant sur lequel ils ont dépensé leurs économies.

Kalungi Ssebandeke dans Blood Knot. Photo : Richard Hubert-Smith

Jusqu'à présent, l'action, bien que souvent un peu lente, a un réalisme captivant parsemé d'humour, délicieusement interprété par les deux talentueux acteurs. Les accents sud-africains sont crédibles, il y a beaucoup de mouvements et de fluidité sur scène et un bon sens du rythme. Vous ressentez la présence de l'excellent travail du metteur en scène Matthew Xia, qui a beaucoup d'expérience dans la mise en scène de cet auteur. Vous croyez aux personnages en tant que frères. Nathan McMullen est entièrement convaincant en Morrie, le maniaque de l'organisation, désespéré d'avoir l'approbation de son frère et concentrant toute son énergie sur le rêve d'une autre vie. Kalungi Ssebandeke incarne Zach avec une élégance désinvolte, refusant de se laisser écraser par la monotonie de sa vie quotidienne et avec une aisance assurée dans les possibilités d'évasion. Il y a également quelques touches délicieuses de l'équipe créative, surtout dans l'exceptionnel univers sonore imaginé par Xana qui génère un ensemble très plausible de bruits pour l'Afrique extérieure, accompagnés de bruits synthétisés pour ajouter tension et atmosphère.

Nathan McMullen dans Blood Knot. Photo : Richard Hubert-Smith Mais, dans la dernière demi-heure, le ton change sensiblement et nous sommes emmenés sur un chemin qui, bien que fidèle à l'époque, ne convainc pas pleinement comme transition dramatique. Engagés dans un jeu de rôle qui a commencé à l'origine comme partie de leur expérience d'enfance, le dégoût des frères l'un pour l'autre se révèle. Morrie ne peut pardonner à son frère de lui rappeler ses origines métisses, et une fois vêtu en homme blanc, il affiche une supériorité raciale arrogante. Zach a également peu de temps à consacrer à son frère une fois les apparences écartées. Maintenant, le rôle insidieux de l'idéologie raciste pour créer des couches sociales distinctes contre les autres et corrompre ceux qui sont eux-mêmes des victimes du système est bien connu. Mais ce long jeu de rôle final reste trop longtemps et semble essentiellement inauthentique, ajouté à un drame naturaliste développé jusque-là de manière discrètement pittoresque. C'est comme si Fugard avait passé trop de temps à lire Samuel Beckett avant d'écrire la pièce et ne l'avait jamais pleinement digérée. L'énergie et l'intensité émotionnelle créées dans les premières scènes de la seconde moitié se dissipent malgré les efforts techniques héroïques des deux interprètes. Un bien meilleur exemple, plus contrôlé et plausible de la façon dont la race a tordu et déformé la vie des gens ordinaires, rendant tout le monde en quelque sorte victime, est actuellement présentée dans A Lesson from Aloes au Finborough.

En fin de compte, c'est juste un choix étrange de pièce. Dans la vaste production de Fugard, il y a de nombreux drames excellents réclamant une reprise qui aurait été tout aussi bon ou un meilleur hommage pour commémorer les vingt-cinq ans depuis la fin de l'apartheid. On ne peut pas reprocher les qualités des acteurs et de la production qui les met bien en valeur, mais on se demande ce qu'ils auraient pu accomplir avec du matériel plus mûrement conçu par le même auteur.

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