CRITIQUE : Birdland, Théâtre Royal Court ✭✭✭✭

Birdland au Royal Court. Photo : Tristram Kenton Birdland

Théâtre du Royal Court

29 avril 2014

4 Étoiles

Il est rare qu'un décor de production souligne et donne vie physique aux thèmes explorés par la narration, mais c'est le cas avec l'excellent décor d'Ian Macneil pour la nouvelle pièce de Simon Stephens, Birdland, qui fait maintenant sa première sous la direction de Carrie Cracknell au Royal Court. Il y a un moment simplement incroyable où le décor commence littéralement à se fissurer ou, selon la façon dont on le regarde, commence à se noyer - tout comme le personnage central, Paul, le rockeur troublé interprété par Andrew Scott, voit son monde personnel s'effondrer autour de lui, se retrouve noyé dans une mer d'excès, d'égoïsme et de solitude.

C'est d'autant plus surprenant car la présence de l'eau est cachée jusqu'au moment clé. Elle est là, en plein jour, mais l'œil n'y est pas attiré, et elle reste silencieuse et noire, attendant que sa présence se fasse sentir. Et de cette manière, c'est une autre métaphore - pour l'échec rampant et la désintégration qui risque de consumer Paul.

MacNeil a vraiment accompli quelque chose de splendide avec ce décor. Il parvient à être plusieurs choses en même temps - exactement comme Paul est plusieurs Paul à la fois - star, meilleur ami, client, patron, enfant, amant, victime, sordide vulgaire, âme perdue douce, lanceur de crises de colère vicieux - mais tout en ayant une apparence extérieure qui sert à obscurcir la nature multifacette de sa composition, la rendant plus simple qu'elle ne l'est réellement.

Cracknell s'assure que chaque recoin du décor est utilisé et exploré (éclairages exceptionnellement bons et évocateurs de Neil Austin) de la même manière que chaque aspect de Paul est exploré. Le texte de Stephens fournit une série de scènes qui illuminent les hauts et les bas de la vie de star du rock moderne, accro à l'excès et inconscient des conséquences. Chaque scène met en lumière un aspect différent de la vie et des frasques de Paul et se déroule dans une partie légèrement différente du décor, éclairée différemment et ressentie différemment.

Il n'y a rien de particulièrement original ou perspicace dans l'écriture de Stephens, bien que les injections oculaires de cocaïne aient représenté un terrain nouveau de certaines façons. Ce qui est intéressant ici, c'est que Stephens parvient à raconter l'histoire de différents points de vue alors que Paul pirouette le long du chemin de la destruction décadente. Et en utilisant un groupe central d'acteurs pour jouer une multitude de rôles, Cracknell met en avant la théâtralité toujours présente dans la vie de Paul, rendant la théâtralité de la présentation aussi importante qu’un aspect de sa vie. En rendant les performances ouvertement théâtrales, Cracknell s'engage habilement avec les moteurs fondamentaux de la destruction de Paul.

Le rythme monte et descend, chargeant parfois à un rythme presque aveuglant, d'autres fois ralentissant pour faire le point sur ce qui est et a été. La distribution principalement de premier ordre excelle à faire fonctionner cette vision.

Au centre de tout cela, comme à la fois un joyau brillant et le noir cœur d'une bête affamée, Andrew Scott est fascinant dans le rôle de Paul. Sa précision avec le langage - la façon dont il dit le mot pêche évoque une sensualité lubrique qui est à la fois séduisante et dédaigneuse - et sa capacité éclatante à dire une ligne de manière totalement inattendue, ensemble avec la physicalité brute avec laquelle il orne le personnage ; tous les éléments se combinent pour présenter un portrait impitoyablement honnête des excès attendus qui accompagnent la célébrité dans le monde moderne.

Scott est également doué pour illuminer l'intérieur fragile et inférieur des personnages qui extérieurement exhalent la bravade. Il le fait de manière exemplaire ici - offrant de petites révélations sur l'enfant réel, effrayé et désorienté, caché dans les oripeaux et les attentes du vedettariat.

Malgré cela, ce n'est pas le meilleur travail de Scott. Ces trucs et tics ont déjà été employés avant, parfois avec plus d'effet, par Scott. Ainsi, plutôt que d'être révélateur ou inattendu, son Paul est précisément ce que vous attendriez de cet acteur talentueux. Il aurait mieux valu que Cracknell l'emmène vers des endroits différents et plus sombres.

Alex Price est merveilleux en Johnny, le collègue musicien et meilleur ami de Paul. La scène d'ouverture où leur solide amitié s'établit est l'un des moments forts de la production. Ensuite, Paul détruit le monde de Johnny avec un acte d'égoïsme et de jalousie stupéfiant, et voir cela se dérouler, avec la scène de confession douloureuse, est aussi gratifiant que la production le permet. Et c'est Price qui, habilement mais avec assurance, fait en sorte que l'on s'en soucie.

Dans le rôle de l'agent dégoûtant mais omniprésent et du père fauché mais terre-à-terre de Paul (ainsi que d'autres rôles, tous magnifiquement dessinés), Daniel Cerqueira est excellent. Chaque personnage qu'il joue est entièrement différent et il n'y a aucun sens de dégradation d'un à l'autre, même lorsque les changements se font en une fraction de seconde. Il est le plus efficace en tant que père - cette scène palpite de douleur. Mais son agent est parfaitement joué et, à juste titre, montre enfin à Paul qui est le maître et qui est l'esclave dans un habile éviscération des rêves d'évasion de Paul.

Yolande Kettle a brillé, notamment dans le rôle du véritable amour de Johnny, Mandy, qui est séduite puis tourmentée par Paul et qui s'échappe par le suicide. Sa souffrance était intensément émouvante. Dans plusieurs autres rôles, elle a montré sa polyvalence. Mais sa réapparition, comme le retour de l'Ophelia noyée, était particulièrement efficace, hantante.

C'est la meilleure production que le Royal Court ait mise en scène depuis un certain temps, mais la pièce de Stephens n'est pas son meilleur travail.