CRITIQUE : Au-delà de Bollywood, London Palladium ✭✭

Au-delà de Bollywood

London Palladium

11 mai 2015

2 étoiles

Les tentatives de transfert des gloires de la tradition musicale Bollywoodienne du celluloïd indien vers la scène britannique ont connu une histoire quelque peu chaotique. En 2002, Andrew Lloyd Webber a joué un rôle clé dans la mise en scène de Bombay Dreams à l'Apollo Victoria, et maintenant Au-delà de Bollywood prend ses quartiers au London Palladium jusqu'à la fin du mois de juin. À première vue, le Palladium semble être le lieu naturel pour l'exubérance et la vantardise extravagante de Bollywood dans toute sa splendeur. À l'extérieur du théâtre lors de la soirée de presse, les paparazzis étaient présents, prêts à capturer les stars que nous allions voir sur scène, et lorsque le rideau s'est levé sur le numéro d'ouverture ‘Namaste India’, il semblait y avoir un accord parfait entre le luxe et le clinquant du magnifique théâtre de Matcham et l'énergie et la verve ainsi que les costumes colorés des danseurs et des tambours sur scène. Toutefois, à partir de là, cela n'a été qu'une descente, seulement ponctuée par une belle succession de séquences de danse dans la seconde moitié de la soirée. À bien des égards, les problèmes sont similaires à ceux que les critiques avaient déjà identifiés en 2002. À l'époque, Bombay Dreams avait été critiqué pour avoir fait trop d'efforts pour adapter l'histoire et le format aux conventions et hypothèses occidentales, perdant ainsi de vue les forces essentielles de la tradition cinématographique Bollywoodienne. On peut dire la même chose ici.

Le fil conducteur de l'histoire est en lui-même correct : il suit le parcours habituel d'aspirations, de passage de la pauvreté à la richesse avec ses montagnes russes de défis – parentaux, romantiques, financiers – qui mènent le héros et l'héroïne des rêves à la réussite, à la déception, puis à l'apothéose finale, le tout ponctué par différentes séquences spectaculaires de danse. Il n'y a rien de mal à cela – après tout, c'est autant sinon plus que de nombreuses intrigues d'opéra à prétention intellectuelle dans la tradition classique occidentale peuvent se vanter. De plus, ce type de scénario nous offre l'opportunité de divers lieux exotiques et une succession de moments pour des démonstrations éblouissantes de différentes cultures de danse et de traditions chorégraphiques du toute l'Inde. À son meilleur dans la seconde moitié, cette formule éprouvée tient vraiment ses promesses, et ce fut un vrai plaisir de voir des performances de danse du Gujarat et du Pendjab qui n'avaient besoin d'aucune histoire ou commentaire pour les accompagner. À plusieurs reprises tout au long du spectacle, il y avait aussi de magnifiques exemples de danse classique Kathak, en particulier par Pooja Pant, jouant la mère de l'héroïne, indiquant que dans Bollywood, parfois moins peut être plus.

Cependant, ces forces essentielles ont été malheureusement minées à de nombreux points par une détermination à expliquer et à adapter le matériel à un public occidental qui, je pense, aurait été beaucoup plus captivé par l'original inchangé. Après le numéro d'ouverture, nous avons eu une démonstration totalement inutile de l'identité des principaux instruments de la tradition indienne. Je pense que vous pouvez considérer que le public d'une comédie musicale Bollywoodienne connaît déjà les attributs et les qualités sonores du sitar et du tabla. De même, il n'était pas nécessaire d'affubler l'héroïne, Shaily, d'une histoire compliquée basée à Munich qui ne fait que prolonger une première moitié déjà étendue. Shaily cherche à raviver le théâtre ancestral laissé par sa mère en le ramenant au succès par des spectacles basés sur la danse folklorique indienne. Elle se rend à Bombay afin d'améliorer ses propres compétences en danse et y rencontre Raghav, qui a dû compromettre son propre engagement envers la tradition de la danse folklorique, en travaillant sur des projets qui fusionnent l'Ouest et l'Est. Avec son encouragement et son exemple, il retrouve la vérité et l'authenticité de sa chorégraphie. Ils parcourent alors l'Inde, et le spectacle aurait sagement pu se terminer là sans un retour maladroit à Munich et la restauration du théâtre, le MacGuffin éternel du scénario. En cours de route, il y a de longues périodes de dialogues maladroits qui retardent l'action et ne contribuent en rien à la crédibilité des personnages. À certains moments où l'intrigue a besoin d'un coup de pouce, la mère décédée de Shaily apparaît et l'encourage à « suivre ton cœur, là où les rêves deviennent réalité. » Il aurait été tellement mieux de suivre la formule traditionnelle de Bollywood, de garder le dialogue court, dans la langue originale et lié aux conventions rhétoriques des points traditionnels de la boussole morale et imaginative – famille, devoir, rébellion, sacrifice de soi, et coïncidence mélodramatique. Ce serait authentique et le public l'aurait respecté. Autrement, c’est le pathos qui s’ensuit...

Que dire des performances ? Là encore, nous pouvons distinguer entre les vertus de respecter la formule et les dangers de céder à une certaine vision des attentes londoniennes. Dans la danse indienne classique, il y avait une excellente discipline solo, et une grande précision dans les routines de combinaison. Dans les différents éléments folkloriques, la compagnie de jusqu'à 45 danseurs a montré un travail d'équipe et une imagination remarquables, et nous a offert un véritable aperçu des traditions religieuses et rituels dont les danses font finalement partie. Cependant, dans les routines où le chorégraphe a essayé de fusionner Hollywood avec Bollywood, la technique était incertaine et le résultat à la fois peu convaincant et franchement inutile dans le cadre de la soirée. Les quatre principaux protagonistes, et particulièrement les deux jeunes premiers, ont tous de grands talents de danse. Il est dommage qu'il n'y ait pas eu plus de chant et moins de synchronisation labiale, mais Ana Ilmi et Mohit Mathur ont abordé les opportunités qui leur ont été offertes avec un vrai engagement et, une fois libérés du texte, ont trouvé une liberté et une complicité qui était touchante, surtout dans la seconde moitié. Les compositeurs Salim et Sulaiman Merchant nous ont offert une partition à la hauteur de la couleur et de l'énergie des routines de danse et la chorégraphie de Rajeev Goswami a pleinement exploité les vastes ressources à sa disposition. Tous ces aspects positifs du côté de la création ne font qu'aiguiser le regret ressenti par ce critique et de toute évidence par une grande partie du public de ne pas voir davantage l'original sans médiation. En transférant de grandes traditions artistiques entre les cultures, il est préférable de prendre le risque et de les présenter à l'état brut et à pleine puissance, en invitant le public à relever pleinement le défi, plutôt que de diluer la formule pour rencontrer le public à mi-chemin. Si nous adoptons cette approche avec Shakespeare, et d'autres auteurs occidentaux où il est perçu des difficultés de réception, nous devrions étendre la même confiance à Bollywood en retour. J'espère que la prochaine entreprise de ce genre aura le courage de le faire.