CRITIQUE : Ballyturk, Théâtre National ✭✭✭✭

Ballyturk Théâtre Lyttelton 20 septembre 2014 4 étoiles

Dans son excellent essai, Désir et mystère, Colm Tóibín dit ceci du travail d'Enda Walsh :

« Ses images sont imprévisibles, étranges. Aucun de ses personnages n'est sûr de ce qu'il va dire ensuite. Les objets, tout autant que les mots, ont une fonction capricieuse et fugace. Il y a des moments où tout semble ouvert à la possibilité, mais ensuite, il semble que ces moments soient créés pour être pris en embuscade. Les moments de possibilité sont limités et détruits afin que le discours, l'action, la pensée et le mouvement sur scène deviennent effrayants et futiles, à répéter encore et encore, partie d'un script, d'un labyrinthe d'événements sans issue avec l'entrée bloquée ou presque oubliée... Ses personnages vivent dans une histoire qu'ils ont eux-mêmes créée et qui ne peut être défaite... Raconter des histoires les a mutilés. Ils attendent alors, comme dans Ballyturk, que l'étranger vienne les réveiller, ou du moins les stimuler et les déstabiliser alors qu'ils errent dans leur sommeil éveillé... le langage est souvent, dans son univers, prêt aussi à prendre son essor, à évoluer vers un état sonore, quasi-religieux, les cadences ne s'embarrassant pas de leur propre beauté. »

La première production par Enda Walsh de sa propre pièce, Ballyturk, se joue actuellement au Théâtre Lyttelton et, de manière très simple et totalement captivante, démontre pourquoi le Théâtre National est si important. (L'essai de Tóibín est dans le programme.)

Ballyturk est une pièce remarquable, une monstruosité comique qui offre un travail merveilleux pour les trois acteurs de la distribution mais qui peut signifier rien ou tout pour son public. C'est une expérience, hautement théâtrale et originale, mais aussi insaisissable qu'engageante. Si quelqu'un vous dit qu'il sait de quoi parle la pièce, soyez assuré qu'il n'en a aucune idée.

La pièce se déroule dans une seule pièce. Au début, elle semble ne pas avoir de porte, mais il s'avère qu'il y en a deux, dissimulées. Deux hommes, sans nom, 1 et 2, vivent dans la pièce. Ils mènent des vies ridicules inspirées par de vieilles routines de vaudeville; parfois, il semble qu'ils jouent des films muets. À d'autres moments, ils bondissent et cabriolent frénétiquement autour de la scène, se réfugiant dans des points étranges de la scène et jouant une gamme d'autres personnages qu'ils connaissent ou ont inventés, peut-être les gens qu'ils pensent vivre dans le pays extérieur. Parfois, ils espionnent.

Puis l'homme numéro 3 arrive et tout change. Le ton, la couleur et le sens du destin changent, de même que la grandeur poétique du langage. L'un des numéros 1 et 2 doit quitter la pièce et mourir. Mais les surprises ne s'arrêtent pas là.

À bien des égards, l'expérience est un peu comme regarder En attendant Godot joué par Kenneth Williams et Michael Crawford, sauf que Godot arrive et il s'avère être une créature lugubre, partie Le Fumeur de X-Files et partie Tony Soprano. Ce qui veut vraiment dire qu'il n'y a absolument rien de tel que vous ayez vu sur scène auparavant.

C'est électrique dans son défi théâtral. Comme le dit Tóibín, Walsh crée des moments simplement pour les fracasser ; pour dérouter les attentes, pour vous faire rire et réfléchir. Et vous émerveiller.

La distribution est exceptionnellement bonne.

Stephen Rea est merveilleux en tant que lugubre Numéro 3. Son sens de la menace et de la poésie est délicieux et il brise l'existence cosy et hermétique du duo dont nous avons savouré les bouffonneries dingues et chaplinesques.

Cillian Murphy est en mode de comédie physique géniale en tant que Numéro 1, sprinteur, sauteur, femme-imitation-tavernière brandissant un couteau. Ses yeux sont hantés par la douleur, la peur et l'espoir et son corps nerveux tremble et frémit avec toutes les diverses exigences de son personnage, le plus jeune et le plus nécessiteux du duo. Le sens du rituel qu'il évoque en exécutant les routines comiques d'une précision chirurgicale est remarquable, tout comme l'humanité avec laquelle il imprègne chaque aspect de la folie. Il est formidablement bon.

Il en va de même pour Mikel Murfi, qui joue le plus stoïque et raisonnable Numéro 2, si tant est que l'on puisse dire cela d'un personnage qui apparaît d'abord simplement vêtu d'un sous-vêtement blanc immaculé, couvert de poudre de talc et utilisant un aspirateur à main pour nettoyer les cornflakes autour des pieds de Murphy. Il est aussi dérangé et magnifiquement humain que stupide et un merveilleux imitateur. Ses dernières séquences sont plus touchantes qu'on ne pourrait le croire possible alors que les trente premières minutes de la pièce laissent à penser.

Ce sont trois acteurs talentueux au sommet de leur art, embrassant de tout cœur les défis posés par le texte et le style de mise en scène de Walsh.

Le design de Jamie Vartan est fabuleux : vous ne savez jamais vraiment ce que vous regardez et cela aide tout le sens de l'écriture de Walsh. Il y a un micro-ondes qui explose magnifiquement et un magnifique feu dans une horloge coucou. Et la conception sonore d'Helen Atkinson signifie que le quatrième membre de la distribution, une mouche bourdonnante, obtient une véritable importance.

C'est une soirée sauvage, originale et inattendue d'extrémisme théâtral. Vous n'avez pas besoin de comprendre à quoi sert Walsh pour passer un merveilleux moment ; en fait, essayer de faire cela pourrait entraver votre plaisir.

Laissez-vous simplement emporter et laissez les acteurs tisser leur magie. Il n'y a rien de tel sur la scène du West End.