CRITIQUE : Ballroom, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Ballroom (Salle de Bal)

Waterloo East Theatre

Lundi 15 Mai

3 étoiles

Si vous vous êtes déjà demandé ce que Michael Bennett a fait après son succès avec ‘A Chorus Line’, voici votre chance de le découvrir. Le théâtre astucieux de 100 places sous la station Waterloo East célèbre son septième anniversaire en offrant au public des œuvres de répertoire de théâtre musical souvent peu connues, avec peut-être sa plus grande production réalisée par son fondateur et directeur artistique, Gerald Armin : un casting de 14 personnes et un orchestre de 5 emballe l'espace dans une recréation splendide bien que kitsch d'un club de danse new-yorkais des années 1970, le Stardust Ballroom.

Arrivant pile au bon moment avant le lancement par le National de son ‘Follies’, ce spectacle explore également la vie des personnes âgées et l'art des artistes âgés. Mais, contrairement aux ex-stars de ‘Follies’ de l'âge d'or du divertissement de variété de Broadway, ‘Ballroom’ nous présente les Joe et Jane ordinaires du Bronx, un quartier à quelques stations de métro de l’éclat et du glamour de la Great White Way. Ils se retrouvent une fois par semaine dans la salle de danse simple et plutôt terne (décor et lumières par Paul O’Shaughnessy), où un petit orchestre diffuse des airs dans un tempo strict (tous parfaitement crédibles grâce aux arrangements disciplinés d’Inga Davis-Rutter de la partition originale de Broadway à grande échelle). Là, inondés par les costumes trop ou mal assortis de Neil Gordon, ils dansent les pas de rumbas, valses, bossa novas, hustles et autres, plissant les yeux devant les étincelles lancées par le miroir à facettes au-dessus, et secouant vivement les tristes réalités de la vie extérieure.

Au centre de ce milieu se trouve la nouvelle venue : un an après son deuil, une veuve et propriétaire d’une boutique de bric-à-brac est persuadée par sa meilleure amie pétillante Angie (l'exubérante Natalie Moore-Williams) de tenter d’‘être heureuse’. Elle est Bea Asher et est incarnée par Jessica Martin, revenant sur scène dans un rôle majeur, ici miraculeusement vieillie par le génie capillaire de Richard Mawbey. J'aimerais aussi savoir qui a fait un travail remarquable sur son maquillage, lui donnant un teint terreux et fatigué, la rendant chaque centimètre la femme solitaire et désespérée tentant de raviver une sorte de vie pour elle-même, non seulement sur la piste de danse mais aussi en dehors avec Al Rossi (Cory Peterson peut être du Minnesota, mais il capture ici le ton echt new-yorkais dans une interprétation bien modulée et juste du coureur de jupons réticent apportant une chaleur automnale dans la vie de Bea). C'est un parcours classique de théâtre musical : mais ici, il est parsemé des pierres de l'ordinaire et du banal. Même la confrontation du deuxième acte avec sa famille désapprobatrice et intrusive, une confrontation qui semble presque nous propulser dans le territoire occupé par ‘Fear Eats The Soul’ de Rainer Maria Fassbinder, même celle-ci évite tout feu d'artifice émotionnel et nous montre plutôt comment de tels problèmes peuvent être discutés, oui, fermement si besoin, mais toujours avec raison et sans drame inutile. C'est un message humain et sans prétention.

Cela peut avoir tout à voir avec l'origine du spectacle en une pièce télévisée de l'auteur du livre, Jerome Allan Kass, dont cette œuvre était censée être la seule incursion dans le théâtre musical. D'une certaine manière, c'est aussi une lettre d'amour au Bronx natal de Kass, et aux gens simples mais pleins d'humour et ordinaires qu'il voyait et connaissait. Comme une grande casserole de la meilleure soupe au poulet de maman, son dialogue bouillonne doucement, émettant de plaisants bouillonnements et sifflements de réparties : un client pointilleux inspecte un « objet » inoffensif en nacre dans l'emporium de Bea, et demande, ‘Est-ce authentique ?’, ce qui obtient la réponse rapide : ‘Authentique QUOI ?’. C'est un monde modéré, chaleureux et sans prétention, où personne ne veut vraiment se démarquer, mais ils ne se soucient pas trop de devoir rire du fait de gagner le premier prix dans la compétition de tango si c'est ce que pensent tous les autres. Ce n'est pas un terrain musical conventionnel. Pas étonnant que les critiques de l'époque, et le public, n'aient pas su comment l'appréhender.

Je pense qu'au Waterloo East nous n'aurons pas trop à nous soucier de cet héritage. La chorégraphe Nancy Kettle a fait traverser à ses protégés beaucoup de routines, et ils la rendent fière. Gerry Tebbutt est le plus âgé, à 72 ans, bien que, ayant passé une carrière à le faire, sa force physique et sa souplesse laissent admiratif. Vous l'avez peut-être vu dans des spectacles du West End il y a des décennies, et il a passé 17 ans comme Directeur du Théâtre Musical à la Guildford School of Acting (GSA). Ce genre de CV est monnaie courante avec cette compagnie remarquable rassemblée pour présenter, non pas une production, mais un ‘événement’.

Chacun de ces acteurs apporte un arrière-plan de travail dans les spectacles les plus excitants et légendaires qui ont apporté plaisir et inspiration à des générations. Colette Kelley (dans le rôle de Shirley, fragile et palpitante) faisait partie des distributions originales au Royaume-Uni de Hair et Grease. Jill Francis (dans le rôle de Martha, une autre habituée du ballroom) a commencé avec Danny La Rue avant de devenir chorégraphe de premier rang pour les comédies musicales, l'opéra et les pantomimes. Et ainsi de suite : Annie Edwards (la pétillante Pauline); Garry Freer (le toujours distant Lightfeet); Olivia Maffett (tantôt blonde glamour et tantôt belle-sœur chicaneuse pour Bea dans les rôles de Helen/Emily); Dudley Rogers (l'élégant Harry); Tim Benton (doublant en tant qu'oncle Jack et le sémillant Bill) et James Pellow (l'aimable Petey) apportent à cette compagnie une dimension extraordinaire de savoir et de savoir-faire qui la rend vraiment spéciale.

Et penser qu'ils ont tout monté en seulement quinze jours est d'autant plus merveilleux. Oui, le spectacle pourrait avoir besoin d'un peu plus de rodage avant de vraiment prendre son envol, mais il y a déjà de nombreux moments où il le fait, et dans ces environnements plus petits et plus intimes, nous nous rapprochons de ces personnages tout comme les spectateurs l'ont fait lorsque l'histoire a été diffusée pour la première fois à la télévision. Quant à la partition, la musique de Billy Goldenberg, familière de dizaines de programmes TV de l'époque, a une qualité agréable de son ambiant qui peut manquer de distinction, mais elle maintient les choses en mouvement, tout en suggérant simultanément que ces vies s’écoulent en cercles, où il ne se passe pas grand-chose et où rien de conséquente ne change. Même les numéros de cabaret des hôtes de la Ballroom Danielle Morris (en tant que Marlene, et la fille de Bea, Diane) et Adam Anderson (Nathan, et le fils de Bea, David) enchaînent de chanson en chanson, et semblent pourtant toujours chanter la même chose. Néanmoins, Martin interprète le grand numéro, ‘Fifty Cents’, le numéro de 23 heures par excellence, avec enthousiasme, force et un phrasé impeccable. Les paroles d'Alan et Marilyn Bergman racontent des vérités franches, directes et honnêtes sur des vies sans prétention ; elles sont astucieusement tournées, parfaitement audibles dans le mixage sonore impeccable d'Andy Hill, et – comme les danseurs – ne font pas un pas de travers. Peut-être cela serait-il un spectacle plus excitant s'ils le faisaient, mais tout est trop bien contrôlé ici pour tout dérapage inattendu.

Jusqu'au 4 juin 2017

Photos : Robert Piwko

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