CRITIQUE : Assassins, Menier Chocolate Factory ✭✭✭✭✭

La distribution de Assassins au Menier Chocolate Factory. Photo : Nobby Clark Assassins

Théâtre Menier Chocolate Factory

5 Étoiles

Dans son livre, "Look, I Made A Hat", Stephen Sondheim dit : On m'a souvent demandé de nommer mon spectacle préféré parmi ceux pour lesquels j'ai écrit la musique et les paroles et, comme la plupart des auteurs, ma réponse a été la même : j'ai des favoris différents, chacun pour une raison différente. Mais si l'on me demandait de nommer le spectacle qui se rapproche le plus de mes attentes, la réponse serait Assassins....(qui) n'a qu'un seul moment que j'aimerais améliorer...Sinon, en ce qui me concerne, le spectacle est parfait. Aussi immodeste que cela puisse paraître, je suis prêt à l'argumenter avec quiconque." Actuellement joué au Menier Chocolate Factory Theatre, la réédition par Jamie Lloyd de Assassins (livret par John Weidman et musique et paroles par Stephen Sondheim) est une production qui est susceptible de fournir à M. Sondheim une longue lignée de défenseurs potentiels des défauts de l'œuvre. Mais, si c'est le cas, en vérité, ils seront les défenseurs de leurs querelles avec la production de Lloyd plutôt que de l'œuvre elle-même. Assassins est une pièce de théâtre remarquable. C'est une sorte de revue musicale mettant en vedette divers types de musique rappelant les airs populaires des différentes époques dépeintes et les assassins réussis ou non de divers dirigeants de la Présidence des États-Unis d'Amérique. Elle couvre l'histoire, avançant et reculant dans le temps, imaginant les vies, les motivations et les regrets de ceux qui ont tenté/mettent fin à une Présidence, du premier assassin réussi, John Wilkes Booth qui a tiré sur Abraham Lincoln, à l'homme dont les tirs ont retenti à travers le monde lorsqu'il a tué John F. Kennedy (Lee Harvey Oswald) et au-delà. Elle imagine les assassins morts depuis longtemps ayant encore un effet sur, interagissant avec, des solitaires confus, en colère et potentiellement violents.

C'est une pièce très politique de théâtre musical et elle examine, de manière dure et résolue, le genre d'endroits qui produisent des assassins et les effets de leur travail sur ceux qui restent. Elle traite de nombreuses formes d'oppression et de conformité et éclaire le monde des opprimés, de ceux qui ne sont pas écoutés, de ceux qui souhaitent être entendus. À notre époque moderne de terrorisme mondial, Assassins a plus de pertinence que jamais, surtout à mesure que la société devient de plus en plus déçue par ses dirigeants politiques.

Bien que ce soit une œuvre intensément américaine, c'est un Anglais, Sam Mendes, qui a apporté une contribution significative mais divisée à Assassins. En dirigeant la première production londonienne, Mendes a demandé une chanson supplémentaire, que Sondheim a dûment fournie; une qui parlerait de l'effet de l'assassinat de Kennedy sur le quotidien des Américains. Something Just Broke est la chanson et certains critiques américains l'ont rejetée comme une tentative mal conçue d'injecter de la "chaleur" dans la pièce. Sondheim soutient que Mendes avait raison, que la chanson est "non seulement nécessaire, elle est essentielle".

Si je devais discuter avec M. Sondheim de la perfection de sa comédie musicale, ce serait à propos de cette chanson. Bien que je voie pourquoi elle est nécessaire, sa position dans la partition semble erronée. Assassins atteint son spectaculaire apogée dans Another American Anthem et, une fois qu'Oswald appuie sur la gâchette, l'élan naturel de l'œuvre plonge dans le superbe final, la reprise de Everybody's Got The Right. Something Just Broke interfère avec cet élan naturel ; elle provoque une réflexion forcée sur la façon dont une action peut affecter, dévaster et changer beaucoup de choses. Mais à ce moment-là, ce point a été subtilement mais fermement établi de nombreuses manières.

Mais c'est une bonne chanson. C'est, peut-être, le parfait numéro d'ouverture pour Assassins, définissant un thème majeur et indiquant l'immédiateté et la pertinence. Commencer avec elle permettrait au choc du cadre carnavalesque apocalyptique, où résident les assassins, d'être plus frappant ; et, après l'assassinat de Kennedy, une courte reprise d'une phrase de la chanson suffirait pour rappeler au public, fermer le cercle.

La vision de Lloyd ici est transformatrice ; il fait en sorte que Assassins assume une cohérence qui lui faisait jusque-là défaut. En partie, cela est dû au ton plus sombre, plus tranchant et plus dangereux qui rayonne de chaque aspect du design efficace de Soutra Gilmour : une énorme tête de Clown surdimensionnée et renversée domine l'aire de jeu, sa bouche ouverte presque comme une entrée en Enfer ; le plafond est garni d'ampoules, certaines allumées, d'autres non, toutes prêtes pour une action étincelante ; les détritus de la vie foraine sont partout, voitures tamponneuses, caravanes, vêtements de déguisement.

Neil Austin éclaire efficacement le petit espace et, aidé par l'excellent design sonore de Gregory Clarke, on ressent vraiment l'étreinte de la chaise électrique et l'effet explosif des tirs mal ciblés. Tout ce qui concerne tous les aspects du design ici est superbe, accroît et souligne les sous-courants macabres mais festifs de la pièce, permettant aux considérations pondérées qui propulsent la musique et la narration de fleurir pleinement. Vous vous laissez entraîner dans le plaisir et la gaieté : tout le monde sourit jusqu'à ce que quelqu'un meure.

Ce qui est le plus impressionnant dans Assassins de Lloyd, c'est la façon dont il parvient à marcher sur la ligne entre la tragédie et la farce, entre l'opéra et le vaudeville, avec intégrité et précision. La chorégraphie absolument merveilleuse de Chris Bailey (qui savait que Assassins était prêt pour des numéros d'ensemble éclatants ?) vous fait vous sentir à la fois exubérant et nauséeux ; c'est le genre d'effet dont The Scottsboro Boys a besoin et Bailey maîtrise la technique ici.

Alan Williams et son orchestre de sept personnes fournissent un soutien musical merveilleux ; la partition est jouée avec vigueur et style, les tempi sont formidables, le chant est principalement parfait. Là où les airs nécessitent de la douceur, elle est là ; là où vous devez croire qu'une grande fanfare est en action, vous le faites. Plus que tout, l'accent ici est mis sur l'insertion du Musical dans Assassins.

L'idée inspirante de Lloyd pour cette production est centrée autour du Propriétaire de Simon Lipkin, à la fois méchant de Batman, psychopathe, Everyman, gardien de l'Enfer, chroniqueur de l'histoire mais tout menace, attitude et possibilité satanique. Le Propriétaire devient la présence centrale et constante, à la fois alarmante et réconfortante, peut-être l'incarnation de la politique. Lipkin est remarquablement bon à tous les aspects du rôle ; complètement présent à chaque instant et chantant avec une passion à pleine régime. Son moment hystérique avec une marionnette est le temps fort comique de la soirée.

Je n'ai jamais vu un Zangara meilleur que celui que Stewart Clarke incarne ici. Vocalement superbe, dramatiquement intense et déterminé, Clarke dresse un portrait impitoyable d'un homme souffrant poussé à faire souffrir. Il est spectaculaire. C'est aussi le cas de David Roberts dans le rôle du verrier amer et isolé, Czolgosz, qui sait combien d'hommes il faut pour fabriquer une arme à feu et qui est profondément affecté par la politique militante de l'explicite Emma Goldman (une performance parfaitement ajustée de Melle Stewart, précise et complexe). Roberts n'a pas tout à fait la gamme vocale basse, le timbre graveleux, pour colorer pleinement le Gun Song, mais sa performance est sublime et il livre complètement un portrait magistral de la solitude et du désespoir qui vient de l'obscurité constante. Sa scène avec Stewart est un pur délice.

Andy Nyman présente Guiteau comme déséquilibré, un personne déplorable avec des aspirations de grandeur. Il découvre soigneusement les sous-courants sauvages et un sentiment de justice bien caché. Drôle et atroce tour à tour, sa marche à mort est macabre mais comique, et sa pendaison réelle est réalisée de manière alarmante. Il n'y a rien à ne pas aimer dans le travail de Harry Morrison en tant que harceleur de Jodie Foster délirant, John Hinkley ; il personnifie la banalité, une émeute de mauvais cheveux, mauvaise posture, vêtements terribles et estime de soi choquante. Son duo mélodieux avec Carly Bawden, acolyte de Charles Manson, Squeaky Fromme (une autre performance délicieuse et précise), Unworthy Of Your Love, est vraiment un temps fort.

En tant que Samuel Byck, le Père Noël fou avec une passion pour la musique de Bernstein et une haine profonde pour Richard Nixon qui l'amène à projeter de s'écraser dans la Maison-Blanche pour mettre fin à son mandat présidentiel, Mike McShane est absolument parfait. La rage intense, les divagations presque incohérentes mais d'une certaine façon compréhensibles, l'humour sournois, la notion de stupidité fondamentale - tout y est dans la superbe performance de McShane. La vue de cet homme brisé et obsédé élaborant ses plans dans une auto tamponneuse abandonnée est aussi glaçante qu'étonnante.

John Wilkes Booth avait 27 ans lorsqu'il a tiré sur Abraham Lincoln, et, à 31 ans, l'hyper-talentueux Aaron Tveit, ici faisant ses débuts à Londres, est la personne la plus jeune de manière notable à jouer ce rôle dans une production majeure à Londres ou New York. C'est un grand pari pour Tveit et Lloyd, semblable, peut-être, à choisir un jeune de 25 ans pour jouer la Sorcière dans Into The Woods. C'est une rupture nette avec l'approche historique du choix et du jeu de ce rôle.

Mais c'est une décision qui fonctionne merveilleusement et paye de réels dividendes pour cette production. À la place du sens de la gravité et de l'indignation justifiée généralement trouvé dans Booth, Tveit apporte l'arrogance et la spontanéité de la jeunesse vaniteuse. Il devient le leader et l'inspiration des autres assassins car il a été le premier ; c'est le hasard, rien d'autre, qui le distingue.

Avec des cheveux, des dents et une barbe parfaits, des vêtements tailleur impeccables, un discours impeccable, une étincelle dans l'œil et une belle ligne de jazz-hands et de mouvements de danse, le Booth de Tveit est très l'acteur, le performeur, le manipulateur. Il chante aussi magnifiquement, tout en séduction et en charme alors qu'il tente de séduire à la fois le public et ses camarades assassins à l'admirer malgré son meurtre de Lincoln. C'est une réimagination excitante et pleinement réalisée d'un grand rôle de Sondheim.

Jamie Parker est un Lee Harvey Oswald très efficace et convaincant, un autre portrait précis d'insécurité, de paranoïa, d'inutilité et d'incertitude. Sa scène avec le Booth de Tveit, où ce dernier évoque Shakespeare et la promesse d'immortalité pour le pousser à agir, est électrisante, imbue de peur, d'excitation et de désolation.

C'est toujours un mystère pour moi pourquoi un metteur en scène choisit l'acteur qui joue le Balladeer pour également jouer Oswald. Les rôles n'étaient pas conçus pour être interprétés par un seul acteur. Lloyd, au moins, cherche à justifier le doublage ici par une séquence qui voit effectivement le Balladeer corrompu par les autres pour passer à l'action, soulignant l'idée que tout le monde peut être un assassin si les circonstances sont correctes. Mais Parker est beaucoup moins à l'aise et efficace en tant que Balladeer, ici imaginé comme un hillbilly archétypal avec un banjo. Son accent était variable et peu convaincant et son chant, du moins ce soir, pas aussi sûr et solide qu'il peut chanter, comme l'a prouvé son récent rôle de Sky Masterton à Chichester. Nul doute qu'il s'améliorera et s'affinera avec le temps. Mais c'est pour Oswald que Parker sera ici justement reconnu.

Catherine Tate, pour citer une phrase de Sondheim, "is in the wrong story". Son Sarah Jane Moore manque plus de répliques comiques qu'elle ne rate de Présidents. C'est une erreur de jugement insondable à la fois par Lloyd et une actrice talentueuse. Les Goldmans de Stewart et les Frommes de Bawden sont des personnages pleinement formés et tri-dimensionnels ; Tate est un casting de star devenu plus qu'erreur.

En tant que passants, Marc Akinfolarin, Adam Bayjou, Greg Miller Burns, Aoife Nally et Melle Stewart sont excellents, interprétant des myriades de personnages avec facilité et chantant élégamment et avec robustesse.

Certaines choses détonnent légèrement : Guiteau prend une éternité tout en visant son arme sur le public, donc plutôt que d'être suspense et choquant, le moment manque des deux. Je ne suis pas sûr que cela ajoute quelque chose de faire lire des livres par les acteurs pendant que la scène du Texas Book Depository se déroule. En revanche, il y a des touches merveilleuses qui attirent l'attention et se gravent dans la mémoire : les masques multi Ronald Reagan, blancs et effrayants comme Satan ; les panneaux colorés "Hit" et "Miss" qui jugent chaque tentative d'assassinat ; le morceau de America's West Side Story utilisé pour contraster, surprendre et apaiser ; l'idée inspirée d'utiliser du ruban couleur sang pour les "parades" de ticker-tape, surtout la finale orgiaque pour Oswald.

Cet Assassins est énergisé, viscéral et palpitant. Son pouls est fort et incisif et la vision de Lloyd, fraîche et vigoureuse. Cela ne plaira pas nécessairement à ceux qui ont vu des productions passées ou grandi avec les enregistrements professionnels. Mais, pour moi, c'est une glorieuse renaissance qui se délecte positivement dans sa vision unique de celle-ci, la favorite personnelle de Sondheim dans son répertoire. Et en Tveit, Lipkin, Clarke et Roberts, elle dispose d'un quatuor de véritables étoiles remarquables.