CRITIQUE : Demander à Rembrandt, Old Red Lion Theatre ✭✭✭✭✭

Demander à Rembrandt. Photo : Chris Gardner Demander à Rembrandt

Old Red Lion Theatre, Islington

25 juin 2015

5 étoiles

Réserver des billets L'exposition de la National Gallery sur les œuvres tardives de Rembrandt, à la fin de l'année dernière, s'est concentrée sur la production du peintre durant les années 1650 et 1660. Sa leçon principale mais tacite parlait de la persistance triomphante et de l'évolution énergique de la créativité du peintre face à la faillite, aux décès de proches, aux ennuis juridiques et à l'augmentation des infirmités. L'audace technique et l'innovation dans la capture du caractère ont continué, notamment dans ses portraits ultérieurs : cela était-il dû ou malgré le tumulte et l'effondrement éventuel des certitudes qui avaient soutenu les grands succès publics de ses débuts? C'est l'une des nombreuses questions captivantes posées dans le mémorable Demander à Rembrandt de Steve Gooch, actuellement joué au Old Red Lion d'Islington. C'est la troisième pièce où Gooch examine comment les priorités et choix créatifs d'un artiste sont façonnés par sa société. Tout comme dans l'exposition, l'action de la pièce se concentre sur les années intermédiaires du peintre à l'approche de la crise de la faillite en 1656. Nous rencontrons le peintre chez lui dans son atelier en compagnie de sa concubine Hendrikje (Henni), et de son fils survivant, Titus. Le mécène riche de Rembrandt, le magistrat, poète et collectionneur d'art Jan Six, entre et sort de la maison à intervalles : en effet, la viande de la pièce comprend leurs discussions sur l'art en général et sur celui de Rembrandt en particulier, avec un ton variant de la plaisanterie amicale au débat incisif. Rembrandt fait essentiellement face à trois problèmes : pendant de nombreuses années, il a vécu bien au-dessus de ses moyens dans une propriété somptueusement meublée mais lourdement hypothéquée, et a donc dû dépendre entièrement d'un flux continu de commandes de portraits lucratifs juste pour maintenir tout à flot. Cependant, les commandes ont commencé à se tarir en partie à cause de son impolitesse envers les clients, surtout s'ils ont objecté de quelque manière que ce soit à la ressemblance finale, et en partie parce qu'il a mis de plus en plus de temps à achever chaque œuvre. Il se défend en affirmant qu'il ne « tergiverse » pas mais « marine » dans le but de découvrir de nouvelles techniques d'expression du caractère. Ces problèmes sont augmentés par son refus d'épouser Henni, provoquant ainsi l'inimitié et les restrictions sociales de l'église calviniste locale, qui les accuse de vivre dans le péché. Enfin, il a une relation difficile avec son fils adolescent, sur qui il compte de plus en plus comme vendeur mais qu'il déprécie pour ses propres efforts artistiques. En résumé, nous le voyons comme l'artiste héroïque classique chevauchant vers une chute, et nous sommes invités en tant que public à réfléchir sur le fait que ce qui se passe est une punition juste, avec némésis suivant inévitablement sur hubris, ou un exemple de la figure créative unique qui, en vertu de son art, mérite une exemption des conventions de la vie sociale ordinaire.

Étonnamment, les archives historiques sont peu fournies pour cette période de la vie de Rembrandt, et il y a donc amplement d'opportunités pour que l'auteur comble dramatiquement les lacunes. Gooch exploite particulièrement bien le fait que Six a accordé à Rembrandt un prêt substantiel en même temps qu'il posait pour le très beau portrait qui reste dans la possession de sa famille aujourd'hui. Nous savons également qu'ils se sont brouillés peu de temps après. À partir de ces maigres fragments, Gooch façonne une scène particulièrement réussie en tant que point culminant de la pièce, qui rassemble tous les thèmes précédents avec un grand effet dramatique et succès analytique. Devons-nous considérer un marchand ou mécène comme un Mécène, Svengali ou Méphistophélès? L'artiste doit-il prêter attention aux souhaits du mécène ou suivre ses propres instincts créatifs où qu'ils mènent? Qui possède le droit d'interpréter un portrait : l'artiste, le modèle, ou la communauté au sens large? L'amitié et les priorités esthétiques partagées peuvent-elles survivre à l'attirance de la différence de classe et à la disparité de talent et de compréhension? Ce sont quelques-unes des questions qui se cristallisent de manière mémorable dans cette confrontation d'une manière digne de Bernard Shaw à son meilleur.

Les acteurs livrent tous de très belles performances. Liam McKenna capture la générosité expansive que nous imaginons que Rembrandt avait, ainsi que la gauloiserie prête, le tempérament vif et la ruse sur l'argent et les relations que nous apercevons dans ces célèbres autoportraits. Il possède la présence physique burly, l'esprit, l'étincelle et l'animation nécessaires pour donner vie aux longues discussions sur la nature de son art. Vous ressentez également une personne qui n'a pas perdu le contact avec ses origines et ses racines modestes, un homme possédant un fort sens de la famille et de la vie comme quelque chose à être vécu, apprécié et saisi ici dans l'instant, tant en personne que dans le cadre de sa persona artistique. Le génie est notoirement difficile à dépeindre sur scène – le surjeu et un sentiment d'irréalité et de vantardise sont aux aguets. C'est un signe de l'habileté de sa performance que McKenna est également convaincant à la fois comme une figure mensongère, vulnérable, imparfaite et comme quelqu'un qui pousse de façon plausible aux frontières de ce qui peut être exprimé en peinture à l'huile.

En contraste attrayant, John Gorick comme Six dégage toute la sophistication cosmopolite soyeuse et le lassé du monde en surface, mais avec beaucoup d'acier et d'estime de soi en dessous. Vous n'avez aucun doute qu'il est un négociateur et un homme d'affaires redoutable et non un simple esthète. Dans l'apparence et le style, il vous rappelle plutôt Simon Callow, mais sans les manières. Il a la tâche de défendre la cause du bon sens et de la douceur raisonnable du monde, et il le fait bien, révélant de l'humanité et de la profondeur dans son incarnation autant que de la maîtrise de soi et un fort sens de sa position dans la communauté. Sa gestuelle crispée contraste également efficacement avec la spontanéité débridée de McKenna.

En tant qu'Henni et Titus, Esme Patey-Ford et Loz Keystone ont des rôles qui sont plus de support que centraux, mais ils saisissent tous deux bien leurs opportunités. Patey-Ford vous fait comprendre pourquoi Rembrandt a trouvé Henni si charmante et attachante par contraste avec sa femme défunte Saskia : elle a une légèreté et une irrévérence qui apportent un bon contrepoint à la gravité des discussions ailleurs, mais vous ressentez également pour elle en tant que personne qui, plutôt que Rembrandt lui-même, doit subir les flèches et les coups du mépris de la société pour leur relation non résolue. Le jeu d'acteur vous rend pleinement conscient de son sacrifice, et donc de la profondeur de son amour pour le peintre. Elle n'est pas un simple chiffre dans l'intrigue ou dans la matrice émotionnelle de la pièce. Nous savons très peu de choses sur Titus, mais Keystone crée un personnage d'un dynamisme physique considérable, beaucoup plus un vendeur naturel que son père, et un mélange touchant de gaucherie et de sagesse de la rue.

Il n'y a pas beaucoup de marge de manœuvre au-dessus du Old Red Lion, mais l'équipe créative dirigée par le metteur en scène Jonathan Kemp, a conçu un décor flexible et bien habillé qui fournit un fond richement texturé pour la pièce, plein de désordre artistique pertinent et de débris et de beaux tissus – théâtralement consciemment d'une manière tout à fait appropriée pour les peintures de cette période de la vie de Rembrandt. L'atmosphère intime et le jeu d'acteur finement calibré vous immergent rapidement dans les relations et les problèmes, et en conséquence, nous assistons à une soirée de théâtre vraiment robuste et chaleureuse. La pièce se joue jusqu'à la mi-juillet et est récompensante à tous égards. Mais la prochaine fois que vous mettrez une paire de gants, vous ne les envisagerez peut-être plus jamais de la même manière...

Demander à Rembrandt se joue au Old Red Lion Theatre jusqu'au 18 juillet 2015