CRITIQUE : Comme ça, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Tel Quel

Trafalgar Studios 2

4 juillet 2015

4 étoiles

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L'homme dans le lit d'hôpital est malade. Très malade, en fait. C'est New York dans les années 80 et le SIDA est une maladie incurable mortelle. Et il l'a. Cet homme doux, attrayant, sympathique est en train de mourir.

Son frère athlétique le surprend avec une visite. Il est grand, en forme, le type tout américain d'à côté. Hétéro et déconnecté de son frère, de ses émotions. Il porte un masque et un équipement anti-infection. Il a clairement peur du SIDA, effrayé que son frère ne l'infecte d'une manière ou d'une autre.

Il apporte une carte que sa fille a faite pour son oncle. Elle lui souhaite un prompt rétablissement. Le patient le prend mal : il n'y aura pas de rétablissement. Le frère est mal à l'aise. Ils se disputent. Le patient est en colère à propos de l'incapacité du frère à comprendre sa vie, sa situation, sa mort imminente. Le frère est confus, blessé, incapable de gérer les émotions exacerbées.

Puis quelque chose se brise - et le frère voit soudain le patient pour ce qu'il est vraiment. Son frère mourant. Son petit frère, qui a grandi avec lui, bien sur le point de se défaire de sa bobine mortelle. Le frère embrasse son frère patient avec une désespoir né de l'embarras, de la peur, de l'incertitude et de l'amour pur et simple. Ils se tiennent dans les bras, silencieusement ; une étreinte puissante et significative.

Maladroitement, l'agent d'entretien de l'hôpital interrompt. Il veut les avertir que le partenaire de longue date du patient revient dans le service. Il veut éviter... une situation. C'est le patient qui s'en rend compte le premier. Celui qui est en train de mourir voit le côté amusant avant tous les autres en bonne santé. Cue un vrai rire.

Ceci est Tel Quel, la pièce de William Hoffman de 1985, généralement reconnue comme la première pièce au monde à aborder le sujet de la crise du SIDA, une reprise de laquelle, dirigée par Andrew Keates, est maintenant jouée aux Trafalgar Studios 2. C'est un transfert tardif, avec un casting principalement nouveau, de la production réussie de 2013 de Keates au Finborough Theatre. Depuis ce temps, Keates lui-même est devenu séropositif et un ambassadeur engagé et franc pour la sensibilisation moderne au SIDA. Ces expériences informent et soulignent sa direction ici et, par conséquent, cette production palpite avec plus de vie, plus d'humour, et plus d'honnêteté que l'incarnation antérieure au Finborough Theatre.

La pièce de Hoffman a été nominée pour un prix Pulitzer et un Tony Award, et a remporté à la fois les Drama Desk et Obie Awards. C'était, à l'époque, un travail important et révolutionnaire. The Normal Heart a suivi environ un mois plus tard, et il a fallu 8 ans avant que Angels In America ne fasse ses débuts. Dans les trente années qui ont suivi la première de Tel Quel, beaucoup du terrain qu'elle a d'abord brisé a été bien parcouru, soigneusement considéré. À certains égards, cela dilue l'effet de Tel Quel ; à d'autres, le temps a affûté les résonances de la pièce précisément parce qu'elles sont intensément personnelles, désespérément humaines.

Vu sous un angle, la pièce de Hoffman n'est pas une pièce sur le SIDA et ses répercussions ; c'est une pièce sur l'ignorance, la discrimination et la peur. Vu de cette façon, c'est toujours une pièce d'une puissance et d'une pertinence énormes. En effet, vue comme une pièce sur le SIDA, c'est toujours une œuvre importante - les recherches d'aujourd'hui suggèrent que les niveaux de malentendu et de méprise concernant le SIDA sont presque aussi élevés aujourd'hui qu'ils l'étaient dans les années 80.

Keates comprend tout cela et calibre les événements pour assurer le plus grand effet global. La clé de ceci est la distribution de Steven Webb dans le rôle central de Rich, l'homme gay qui quitte son partenaire de longue date pour un modèle plus jeune et plus sexy, seulement pour contracter le SIDA et faire face à un ensemble de conséquences difficiles, dont le soulagement vient du partenaire qu'il a abandonné.

Webb est un excellent acteur intuitif. Il rend le personnage quelque peu superficiel et glissant de Rich complètement tridimensionnel. Vous riez avec lui, souriez avec lui, ricanez avec lui et, finalement, pleurez avec lui. Dès le début, son Rich est complètement compréhensible. Vous ne rencontrerez peut-être pas un personnage comme son Rich dans les rues de Londres, mais il semble parfaitement compréhensible comme partie intégrante de la tapisserie de New York, où le style, la superficialité et la surface sont incroyablement importants.

La relation entre le personnage de Webb et le frère de Dino Fetscher est magnifiquement observée par les deux. L'incompréhension de Fetscher du mode de vie et de la situation de son frère est de manière crédible et minutieusement retransmise, avec pour résultat que le moment où les frères abaissent leurs barrières et s'acceptent mutuellement est extrêmement puissant, vraiment émouvant.

Les notes du programme citent Hoffman disant que :

"Par conséquent, pendant longtemps, mes personnages centraux, Rich et Saul, étaient flous et sous-développés, comparés aux figures de fond."

Les figures de fond dans cette production sont toutes vivement réalisées. De Jane Lowe en tant qu'infirmière palliative pointue aux divers rôles joués par Natalie Burt, Bevan Celestine et Russell Morton - tous sont ciselés avec distinction et flair. Il y a de nombreux moments comiques ; de nombreux moments de sincérité sauvage.

Curieusement, les deux amants centraux du Rich de Webb, Saul de David Poynor et Chet de Giles Cooper, sont les interprétations les moins efficaces ici. Aucun ne semble digne du personnage sophistiqué et complexe de Webb. Le Saul de Poynor a la bonne apparence mais le cœur du personnage semble décalé ; le Chet de Cooper est inexplicablement terne, alors qu'il devrait être tout le contraire. La vérité, qui définit avec acuité l'interprétation de Webb, ainsi que les performances des divers rôles de soutien, est étrangement absente chez les deux ; il y a trop de "jeu" et pas assez "d'être".

L'espace dans le petit studio est bien utilisé par Keates et le décor ingénieux de Tim McQuilen-Wright s'avère être plusieurs choses à la fois : propre à l'époque, étrangement claustrophobe et tout-enveloppant : de nombreux endroits variés sont facilement évoqués. Neill Brinkworth éclaire les événements avec sensibilité et de manière discrète, créant une lumière et une ombre très efficaces.

Bien que, après un début légèrement lent (le personnage de Poynor a un effet de mélasse au début), c'est une représentation absorbante de la peur, de l'amour et de la tragédie - et le parcours en montagnes russes vaut l'investissement.

Tel Quel est à l'affiche aux Trafalgar Studios jusqu'au 1er août - Réservez Maintenant