CRITIQUE : Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles à Opera Holland Park. Photo : Alex Brenner Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles

Opera Holland Park

18/07/15

5 Étoiles

Cet opéra enchanteur de Will Todd et Maggie Gottlieb a été créé à Opera Holland Park il y a quelques années et est revenu au répertoire avec la saison d'été régulière pour 2015. Un disque contenant tous les principaux numéros a été publié il y a quelques mois et critiqué ici. Il a été joué sur l'une des pelouses derrière le complexe principal d'Holland Park utilisant quatre décors différents entre lesquels les chanteurs, l'orchestre et le public ont migré sous couvert d'une séquence de lien de style latin répétée (et très entraînante). Les acteurs et les musiciens reprennent en grande partie leurs rôles de 2013. Les personnages et l'intrigue principale viennent de Lewis Carroll (qui fête désormais ses 150 ans) mais il y a aussi un dispositif de cadrage, apparemment inspiré par les histoires de Harry Potter, qui place au début Alice (Fflur Wyn) non pas dans l'Oxford victorien mais à Grimthorpe, une ville du Nord peu attrayante, dont elle est très prête à s'échapper une fois qu'elle a fait équipe avec un Lapin Blanc parlant (James Cleverton). Après des rencontres initiales avec un contre-ténor de Chat du Cheshire (Magid El-Bushra) et une bouteille chantante (Maud Millar) qui donnerait à Cunégonde une course pour son colorature – nous sommes bien en route. Nous sommes présentés en succession rapide à tous les personnages familiers de l'histoire, dont la plupart ont leur propre aria pour établir les principales lignes de leurs personnages, et qui apparaissent à nouveau dans des tableaux ultérieurs. La majorité des dialogues est sagement tirée de Carroll, puis parsemée de la poussière de fée de diverses références contemporaines spirituelles (la satire de la culture actuelle obsédée par les tests scolaires particulièrement convaincante entre les mains de Humpty Dumpty et Tweedle Dum et Tweedle Dee). Au fur et à mesure que nous progressons à travers les décors, nous voyons qu'il y a beaucoup de « Malice au Pays des Merveilles » sous la forme de la Reine Rouge (Robert Burt) et de ses sbires, et la seconde moitié de l'opéra est consacrée à la détermination croissante d'Alice à affronter cet autoritarisme aléatoire et rampant et à rétablir l'ordre au Pays des Merveilles. Un point crucial ici est l'unique aria vraiment soutenue d'Alice – ‘J'ai volé haut dans mes rêves’ – qui est très expansive, un numéro aspirationnel à la Sondheim rappelant son ‘Je me souviens du ciel’ de Evening Primrose. De là jusqu'à la fin, les forces de la malice s'effondrent et le Pays des Merveilles est rapidement restauré avant qu'Alice ne soit renvoyée à Grimthorpe, subtilement changée. Alors pourquoi tout cela fonctionne-t-il si bien ? En partie, la réponse réside dans le fait de rester proche de l'original et de ne pas faire des changements pour le simple plaisir de changer. Quiconque adapte Carroll ferait bien de se rappeler que dans la vraie vie, il était un mathématicien et logicien de renom. Le raisonnement peut être inversé et l'opposé du sensé, mais il est toujours plein d'une logique propre qui devient d'autant plus amusante lorsqu'elle est jouée de manière mortellement sérieuse comme ici. Une autre forme de fidélité à Carroll (et Tenniel !) réside dans les costumes qui sont brillamment détaillés dans leur authenticité et entièrement imaginatifs lorsqu'ils doivent s'en écarter. Par exemple, la tenue de la chenille est superbement exagérée et l'armure du Chevalier Blanc est brillamment improvisée à partir du matériel brillant le plus banal d'une cuisine. Les décors sont lumineux, joyeux et solides, le meilleur probablement la table inclinée pour le Tea Party du Chapelier Fou. L'environnement naturel est également bien exploité – avec des personnages apparaissant soudainement des sous-bois et les arbres locaux intégrés à l'action. La musique est également conçue pour bien fonctionner en plein air. Beaucoup d'elle est un accompagnement subtil qui ne gêne pas la projection du texte au public. Mais il y a aussi beaucoup de variations stylistiques – beaucoup de rythmes latins, calypso et jazz et de nombreux échos de compositeurs familiers - par exemple, le Bernstein de West Side Story. Il y a beaucoup de pastiche ironique, toujours élégamment exécuté. L'orchestre de douze musiciens a beaucoup à faire : il nous entraîne avec une ouverture de mise en scène vive et il y a de nombreux solos de caractère dans ce qui suit. Ce n'est pas une tâche facile pour le chef d'orchestre Matthew Waldren de gérer ces forces disparates à l'air libre et en mouvement, mais il a fixé des tempi vivants et réussi à maintenir tout le monde ensemble sans problèmes visibles. Parmi les performances individuelles, Wyn doit être mise en avant pour sa projection claire du texte et des airs et sa caractérisation vive mais précise du rôle principal. Robert Burt a généré une tempête de colère synthétique et agitée en tant que Reine Rouge – très apparentée à Mademoiselle Trunchbull. Keel Watson a superbement interprété son ‘Wonderland Blues’, probablement le numéro musical individuel le plus mémorable du spectacle ; et Victoria Simmonds a dominé, s'est agitée et a fanfaronné énergiquement en tant que Chapelier Fou avant de succomber aux charmes de la Duchesse fée jouée par Maud Millar. Le Lièvre de Mars, le Chevalier Blanc, le Loir et Humpty Dumpty ont tous reçu des portraits vivants. Un quatuor de « Victoriens », ayant l'air d'avoir échappé à Topsy, Turvy, a fourni soutien, commentaire et guidance/coordination au public. Qu'en a pensé le public ? Les enfants semblaient enchantés par le déroulement et il y avait plus d'une poignée d'adultes debout à l'arrière qui souriaient à travers les nombreuses répliques qui portaient une double signification pour les personnes de différents âges, sans être double sens. Je n'étais pas entièrement convaincu par l'argument selon lequel se déplacer de décor en décor était nécessaire pour empêcher les enfants de devenir agités et ennuyés. Il semblait peu de signes de cela d'où je me trouvais, et d'une certaine manière, le hachage et le changement militaient contre la concentration et la focalisation de deux manières spécifiques. Tout d'abord, il a fallu un certain temps pour que tout le monde se calme et se reconnecte avec la musique et les paroles ; et deuxièmement, la succession de changements de scène a empêché les acteurs de s'engager vigoureusement et directement avec les membres du public. Les ingrédients proposés ici sont similaires à ceux que vous trouvez dans un très bon pantomime à Noël : la possibilité d'un peu plus d'interaction directe dans la tradition du panto aurait encore augmenté le plaisir du jeune public.

Mais cela n'est qu'un petit reproche. Si vous avez manqué cet opéra charmant cette fois-ci, réservez dès maintenant pour l'une des représentations au Linbury Studio Theatre début novembre. Vous ne le regretterez pas.

Pour plus d'informations, visitez www.operahollandpark.com