CRITIQUE : Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp en Amneris et Peter Auty en Radamès. Photo : Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Étoiles

La musique ou le théâtre écrit pour des occasions spéciales tend à rester exactement cela – occasionnel. Adapté à cet événement mais ne possédant pas suffisamment de force ou de vie artistique indépendante pour mériter de nouvelles représentations. Il y a cependant des exceptions, et Aida de Verdi demeure une leçon remarquable et toujours pertinente sur la manière de créer un spectacle captivant, qui possède en même temps un drame intérieur privé d'une grande complexité avec le pouvoir de toucher, et pas simplement d'impressionner. Toute production réussie nécessite que ces deux aspects fonctionnent également bien et se nourrissent mutuellement : si sur le plan musical c'était le cas à Holland Park, les valeurs de production n'étaient pas toujours utiles.

Cette opéra a failli ne pas voir le jour. À la fin des années 1860, Verdi était plus concentré sur la gestion de son domaine que sur la composition, et il a fallu un énorme cachet du khédive d'Égypte pour le persuader d'accepter la commande pour l'ouverture du Théâtre d'Opéra du Caire. Mais une fois engagé, il a utilisé la structure du livret de Ghislanzoni pour canaliser certaines de ses réflexions les plus impressionnantes sur les conflits entre les valeurs individuelles et communautaires, la tyrannie du clergé, et ce thème récurrent dans toute son œuvre – les pères et les filles. Bien que l'opéra soit célèbre, voire notoire, pour le triomphalisme tapageur des chœurs de l'Acte 2, cette réputation est démentie par la plupart de l'écriture, qui est de la plus grande délicatesse tant dans la ligne vocale que dans la palette orchestrale. Cette combinaison diverse est d'autant plus difficile à réaliser dans un cadre semi-ouvert, mais Opera Holland Park a maintenant une grande expérience pour tirer le meilleur parti de leur cadre, et le défi de ces contrastes pratiques a été bien relevé dans cette production.

Gweneth-Ann Jeffers en Aida et Peter Auty en Radamès. Photo : Robert Workman Malgré sa renommée et son importance dans le canon Aida n'est pas souvent représentée, certainement à Londres. On peut supposer qu'une grande partie de l'explication repose sur les coûts impliqués, que ce soit en personnel ou en coût des costumes, des décors et des accessoires pharaoniques associés. L'idée d'une production peu luxueuse est tout simplement irréaliste. Mais il semble également y avoir une certaine réserve et incertitude quant au style approprié à adopter. Faut-il brider ou embrasser avec défiance l'orientalisme de l'original ? Une intervention directe et décisive est ici essentielle, et à cet égard, le metteur en scène Daniel Slater est en quelque sorte indécis. Nous commençons dans un cadre moderne puis avançons progressivement vers une interprétation beaucoup plus traditionnelle et directe, avec la transition entre les deux jamais rendue explicitement dramatique. Bien que cela ne diminue pas considérablement les nombreux plaisirs et récompenses de la soirée, l'opéra méritait et aurait bénéficié du vote de confiance d'un engagement clair envers une vision gouvernante unique, de quelque nature et caractère qu'elle soit, traditionnelle ou subversive.

La façade restante de style pseudo-jacobéen de Holland House fournit un arrière-plan architectural suffisamment grandiose pour une plateforme scénique peuplée de trois statues égyptiennes de dieux de taille démesurée sur des socles – le designer Robert Innes Hopkins nous place dans une galerie de musée, avec une réception opulente en tenue de soirée organisée par Amneris (Heather Shipp) et son père, le Roi (Keel Watson), et avec Ramfis (Graeme Broadbent) comme maître de cérémonie. Le verre renversé inévitable fournit un prétexte pour l'entrée d'Aida (Gweneth-Ann Jeffers) en habit de femme de ménage et un regard significatif entre elle et Radames (Peter Auty), observé par Amneris, met en branle l'intrigue. Le thème de la fête des donateurs du musée qui devient incontrôlable continue au moins jusqu'à la fin de l'Acte Deux alors que Radames s'arme pour le combat avec un ancien ensemble d'armures, et le personnel du musée émerge comme les prisonniers éthiopiens. La scène de triomphe est ornée de bijoux et trésors apparemment pillés ailleurs dans la collection du musée, et une orgie se développe alimentée par des poudres blanches prévisibles et des pluies de billets de banque. Les choses se calment une fois atteinte la 'Scène du Nil', le jugement final et l'ensevelissement. Ici, la production s'écarte finalement et permet aux confrontations entre Aida et son père, et Radames et Amneris de prendre tout leur poids émotionnel et leur liberté dramatique avant une réunion finale émouvante entre Radames et Aida. On ne pouvait s'empêcher de penser pourtant qu'il y avait une occasion manquée de ne pas faire davantage de l'aversion de Verdi pour la cléricature qui gouverne finalement l'Égypte. L'anticléricalisme et la nécessité d'une séparation claire de l'Église et de l'État sont un thème dominant de l'Acte Quatre et en effet de toute la vie artistique de Verdi. Alors que Heather Shipp en Amneris a fait passer le message puissamment sur scène, il est dommage que la production n'ait pas référencé ce thème majeur plus clairement.

Graeme Broadbent en Ramfis et Keel Watson en Roi. Photo : Robert Workman

Parmi tous ces messages mitigés, les valeurs musicales de la performance ont néanmoins été très bien projetées. La City of London Sinfonia sous la direction du chef d'orchestre Manlio Benzi a passé une très bonne soirée. Les cuivres ont beaucoup à faire à la fois sur scène et hors scène, qu'ils soient triomphants ou sombrement inquiétants, et ces obstacles ont été franchis magnifiquement. Ailleurs, il y avait toute la morsure et la vigueur que vous pourriez demander dans les moments cérémoniels, et de nombreux solos délicats et intermèdes de style chambre pour les équilibrer. Benzi était très sensible aux besoins de ses chanteurs dans le rythme de l'accompagnement, bien que certains des chœurs aient été pris à un rythme effréné qui semblait mettre un peu plus de pression sur tout le monde que ce que la partition exige. Dans le rôle-titre, Jeffers a été des plus impressionnantes vocalement, avec des lignes délicates et finement filées lors des scènes intimes et la capacité de s'élever au-dessus des autres chanteurs et de l'orchestre quand cela était nécessaire. Sa personnalité dramatique était plutôt en retrait au début mais elle est venue à son apogée dans les deux derniers actes, et en particulier dans le merveilleux duo passionné avec son père, le roi éthiopien Amonasro (Jonathan Veira), qui a fait compter chaque note dans son rôle relativement petit. Peter Auty était souffrant ce soir-là et n'a joué que le rôle de Radames, avec un chanteur suppléant dans la fosse. Cela a été moins préjudiciable à la crédibilité dramatique qu'on aurait pu s'y attendre, compte tenu de la qualité du remplaçant et de la plausibilité engagée du jeu d'Auty. A bien des égards, le personnage le plus intéressant de l'opéra est Amneris qui vit les dilemmes les plus exigeants et dont la vie intérieure est mieux perçue que dans le cas des autres rôles principaux. Elle est l'incarnation du conflit entre la préférence individuelle et le devoir envers l'État, et à la fin, le porte-parole de ce que Verdi veut que nous, le public, ressentions et pensions. Après un démarrage un peu lent, Heather Shipp a exprimé puissamment ces dimensions avec sa forte présence scénique et sa tonalité héroïque mais teintée de tristesse. Keel Watson et Graeme Broadbent ont agi comme de puissantes basses opposées à elle et ont donné des performances fortement caractérisées et détaillées en tant que pharaon et grand prêtre. Dans une œuvre qui dépend plus que d'ordinaire d'une forte contribution chorale, le Chœur d'Opera Holland Park, plus de trente au total, a fait un travail remarquable non seulement vocalement mais aussi en chorégraphies et en mouvements de scène inventifs et flexibles pour lesquels le directeur des mouvements, Maxine Braham, devrait recevoir le crédit qui lui est dû.

C'est un très grand opéra qui peut prendre de nombreuses interprétations différentes. Cependant, il n'y a pas de place pour le compromis. En fin de compte, il doit soit être réalisé avec une conviction absolue que les thèmes qu'il aborde sont aussi importants pour notre culture maintenant qu'ils l'étaient pour Verdi dans les années 1860. Ou si la mise en scène traditionnelle est jugée soulever trop de questions troublantes ou est hors budget à réaliser, alors un scénario alternatif entièrement pensé est nécessaire. Malgré ses vertus musicales et visuelles et dynamiques exceptionnelles, cette production ne fait jamais tout à fait le choix final, et s'il y a un principe que cette histoire représente inévitablement, alors c'est la nécessité de prendre position et de s'y tenir jusqu'à la fin amère.

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