CRITIQUE : Agnes Colander, Jermyn Street Theatre ✭

Julian Eaves passe en revue la pièce de Harvey Granville Barker, Agnes Colander, mise en scène par Trevor Nunn au Jermyn Street Theatre.

Agnes Colander

Jermyn Street Theatre

27 février 2019

1 Étoile

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Que pouvez-vous attendre lorsqu'une pièce féministe a pour personnage principal un nom qui évoque un ustensile de cuisine qui fuit ? Vous sentez-vous inspiré par la confiance ?

Transféré dans un petit théâtre londonien pour une courte période, le Studio Ustinov de Bath présente cette œuvre précoce et jamais jouée auparavant du dramaturge du début du 20ème siècle, rarement joué, Harvey Granville Barker. Avec le sous-titre 'Une tentative de vie', et en tant qu'œuvre de formation clairement brouillonne, cela pourrait facilement être qualifié de 'Tentative de pièce'. Parce que c'est ce que c'est. Les personnages montent sur scène, échangent des discours - qui ne sonnent presque jamais comme ce qu'ils veulent vraiment dire, certainement pas ce que le public veut qu'ils disent. À un moment vers la fin du premier acte, le personnage principal adresse une petite remarque méprisante à l'un des deux hommes qui gravitent autour d'elle (alors qu'elle-même tourne autour d'un quatrième, que nous ne rencontrons jamais) : 'Êtes-vous marié ?' Le prétendant réplique intelligemment avec une riposte spirituelle (il est agacé par sa relation adultère avec un peintre ultra-macho) 'Et vous ?' L'échange est terminé en un instant, et dure juste assez longtemps pour pointer ce qui manque ailleurs dans le texte : un sens du dialogue émergeant naturellement des personnages dans une situation donnée.

Ailleurs, sur des pages et des pages et des pages de ces balivernes, il n'y a rien d'autre que de la posture creuse : une faiblesse de la pièce qui est exacerbée par la mise en scène obéissante et naturaliste de Trevor Nunn, un choix qui ne fait que mettre en lumière de manière criarde l'immaturité de l'œuvre et sa vitalité essentielle. À la mi-temps, certains spectateurs sont prêts à partir, et le font, ce qui est dommage, car c'est dans la deuxième partie de la production, dans sa scène finale, que - soudainement, de manière inattendue et merveilleuse - Granville Barker trouve son rythme et crée un théâtre réellement intéressant, du genre qui a rendu ses pièces postérieures, comme 'L'Héritage Voysey', si gratifiantes. Cependant, il ne s'agit que d'une scène qui nous offre un aperçu de ce qui était à venir (il l'a écrit à 23 ans, l'a mis de côté et n'a jamais tenté de le produire... sagement).

Pour le reste, nous assistons au spectacle pénible de voir beaucoup de talent jeté pour peu de résultat. Le dramaturge Richard Nelson a été chargé de 'réviser' le script pour la production, et dieu seul sait ce qu'il a pensé de la tâche: cela n'a pas dû lui apporter beaucoup de plaisir. Cela ne nous en apporte certainement que très peu. Peut-être que le plus gros problème auquel il est confronté est que le mari de l'héroïne, dont on parle sans cesse, n'apparaît jamais sur scène. Le public s'attend constamment à le voir apparaître pour confirmer, compliquer ou réfuter (tout est possible) ce qui est dit à son sujet, mais ce moment n'arrive jamais : c'est l'une des nombreuses déceptions du script. Naomi Frederick, dans le rôle principal, semble plus embarrassée qu'autre chose par les répliques vides qu'elle doit déclamer, et elle peine rarement à convaincre en tant que peintre qu'elle est censée être. En tant que son 'Seitensprung' radical, le Danois Otto Kjoge (rappelons-nous que le Danemark est sur la route vers l'Ibsenland), Matthew Flynn a la tâche quasi impossible de rendre crédibles des changements psychologiques que le discours torpide et statique d'un côté, et le manque d'anticipation de l'autre, rendent impossibles. Il fait de son mieux, et nous ressentons pour lui - pour toutes les mauvaises raisons. Jouant contre lui, pour ainsi dire, Harry Lister-Smith en tant qu'Alexander Flint, le naïf épris de culte de la déesse de notre Aggie (oui, c'est ainsi qu'elle est appelée dans la pièce), déclenche peu de flammes avec ses répliques humides (sauf pour une !). Mais Sally Scott bénéficie de la meilleure chance d'avoir un rôle où elle peut progresser, avec quelque chose qui ressemble à une feuille de route indiquant comment y parvenir, dans le rôle beaucoup, beaucoup plus intéressant et économiquement conçu d'Emmeline Marjoribanks (l'association de son prénom avec le chef de la famille contemporaine et illustre des Pankhurst n'est, nous pouvons en être assez sûrs, pas totalement accidentelle). Sa scène d'adieu avec Agnes est le moment fort et charmant de la pièce, qui révèle les véritables mérites de l'auteur.

Mais ceux-ci nous sont souvent invisibles. Dans deux rôles de serviteurs, Martha (en Angleterre) et Suzon (à l'étranger - cette histoire d'amour parmi les artistes n'est rien sinon profondément bourgeoise), Cindy-Jane Armbruster passe la plupart de son temps à transporter des repas sur et hors de la scène - un dispositif laborieux qui prive sa transformation finale astucieuse d'une grande partie de son impact. En compagnie de ces professionnels infatigables, nous traversons l'histoire ultimement sans véritable intrigue, sachant qu'ils sont correctement rémunérés et vus. À part cela, il y a peu de consolations. Beaucoup de créatifs de poids ont contribué à la production, mais avec l'insistance du metteur en scène sur l'approche litérale, il ne semble pas y avoir eu grand-chose qu'ils pouvaient faire. Le design de Richard Jones est crédible, mais ne parvient pas à trouver un 'point' dans un script manifestement dépourvu. On doit dire la même chose pour l'éclairage de Paul Pyant, qui est décoratif et ne peut pas faire plus. Le design sonore de Fergus O'Hare fait ce qu'il peut pour embellir davantage le récit, avec beaucoup de musique de chambre, ce qui a finalement pour effet de rendre le tout encore plus mou. L'impression générale laissée ici est celle d'un metteur en scène autrefois grand qui - en cette occasion - a révélé des pouvoirs d'invention déclinants. Les gens iront parce qu'ils sont fans de ce metteur en scène autrefois révolutionnaire et surprenant, mais c'est pour les accros et les complétistes uniquement. Jusqu'au 16 mars 2019 au Jermyn Street Theatre. Photos : Robert Workman

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