CRITIQUE : Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 Étoiles

Il y a de nombreuses années, je suis allé à Berlin peu après la chute du mur. J'ai toujours eu un intérêt pour les maisons et les lieux de travail des écrivains et compositeurs, alors après avoir épuisé les attractions principales évidentes, j'ai décidé de visiter le musée Brecht-Weigel, où le couple de pouvoir théâtral de la RDA a passé ses dernières années. C'était une période déprimante pour y aller : le financement pour le musée et le Berliner Ensemble lui-même était incertain, et le conservateur fidèle n'avait pas été payé depuis des mois. Pourtant, la maison parlait encore éloquemment des contradictions de son célèbre propriétaire. Les pièces et essais qui avaient cherché à déconcerter les spectateurs pour les pousser à une réflexion nouvelle sur le rôle social du théâtre et à bannir la dépendance fatiguée à la simple narration et au développement textuel des personnages - tout cela était bien exposé. Mais quand vous pénétriez dans la sobre petite chambre de Brecht, là, à ma grande surprise, au-dessus du lit simple étroit, se trouvait une longue rangée de romans policiers, westerns et thrillers bien feuilletés, gardés comme une cachette secrète de bons-bons, en hommage hors service à la primauté de l'intrigue. Cette expérience m'est revenue à l'esprit lors de la récente représentation d'ABYSS à l'Arcola, Studio 2, où la question du rôle de la narration versus l'émotion abstraite est très en avant. Cette pièce a vu le jour il y a quelques années au Deutsches Theater, Berlin, sous le nom de Brandung. Elle y joue encore, mais entre-temps est aussi passée par Toronto avec quelques révisions, et de là maintenant à Londres. Elle a acquis des ajouts narratifs supplémentaires en cours de route, mais reste essentiellement une pièce de théâtre de metteur en scène où l'accent est davantage mis sur la transmission des états émotionnels des interprètes à travers le mouvement, le son et le texte, autant sinon plus qu'à travers le texte, qui est en tout cas plus incantatoire qu'expositif. La question clé est donc de savoir dans quelle mesure la pièce réussit : cette autolimitation est-elle habilitante et révélatrice, ou restrictive et appauvrissante ? La réponse, comme souvent, n'est pas nette.

L'espace rectangulaire de Studio 2 est aménagé simplement, avec trois rangées de sièges, un mur de douilles suspendues nous faisant face, et une grande table au centre de l'espace. Deux barres de trapèze sont suspendues de chaque côté au plafond. La table est à bien des égards le centre du déroulement de l'action, utilisée de manière flexible pour des scènes de conflit et de réconciliation, comme lieu de refuge et de sacrifice stylisé. Il y a une grande quantité de mouvements impressionnants, explorant toutes les dimensions de l'espace et produisant des tableaux de puissance dramatique et de concentration poétique qui seraient aussi impressionnants si nous assistions simplement à une installation artistique plutôt qu'à une pièce. Les ampoules du mur arrière pulsent et s'atténuent dans différentes combinaisons comme un commentaire muet et une intensification ou musique d'ambiance pour l'action. Beaucoup de crédit revient au directeur des mouvements, Anna Morrissey, et au concepteur éclairagiste, Ziggy Jacobs, à ces égards.

Il y a trois acteurs et quatre personnages, certains d'entre eux cherchant plus un auteur que d'autres. Le narrateur, qui n'est pas nommé, (Nicola Kavanagh) partage un appartement dans une ville allemande non nommée avec sa sœur, Sofia, (Jennifer English) et un homme de double ascendance serbe et croate, Vlado, (Iain Batchelor). Batchelor joue également Jan, le nouveau petit ami du narrateur. Absente tout au long, Karla est la dernière membre de cette colocation, et la petite amie de Vlado. Son départ est le point où l'action commence. Elle est sortie pour des courses et ne revient jamais. L'action est ponctuée d'un compte des jours depuis son départ donné en allemand. Le narrateur nous fait traverser une séquence de réactions à la disparition d'un ami proche - incrédulité, tentatives de convaincre la police de prendre l'affaire au sérieux et finalement (lorsqu'ils ne le font pas) tentatives de tous les amis de sensibiliser les médias sociaux et écrits et de rechercher eux-mêmes la personne disparue. Ces aspects plus traditionnels sont ponctués par la description par Sofia du meurtre, de la préparation, de la cuisson et du service d'un lapin qui sert de commentaire symbolique sur les événements évoqués mais jamais pleinement présentés. L'atmosphère et le ton s'assombrissent davantage dans la seconde moitié de la soirée alors que l'attention des acteurs se déplace des extériorités vers le monde de la mémoire et de la responsabilité personnelle en se remémorant des temps et des événements plus heureux et antérieurs en compagnie de Karla. Quelle est la fiabilité des témoignages que nous recevons, et à qui, le cas échéant, devrait-on faire confiance ? Les réponses finales nous sont laissées en grande partie à déterminer.

Tous les acteurs saisissent les opportunités qui leur sont données avec passion et élégance : English offre un commentaire chorique en colère sur l'action, plein du mépris de la survivante battante pour les circonstances impossibles dans lesquelles ils se trouvent souvent ; tandis que Kavanagh, qui a le plus de texte à jouer, exprime habilement la succession des humeurs que provoque une disparition inexpliquée - incrédulité, colère de ne pas être pris au sérieux, désespoir et culpabilité de survivante. En tant que Vlado, Batchelor creuse plus profondément encore avec un portrait d'une figure troublée et troublante, clairement endommagée par son éducation conflictuelle en Yougoslavie et subissant la fragmentation de la personnalité liée à quelqu'un rencontrant racisme et manque de respect quotidien en plus de la perte d'une identité centrale primaire. Il a beaucoup moins à travailler dans sa représentation de Jan, et bien que les performances soient clairement distinguées l'une de l'autre, si la pièce perdait ce personnage elle gagnerait en effet en concentration et en élan général.

Le refus délibéré des réponses narratives jusqu'à la fin de la pièce est donc à la fois le défi et l'opportunité offerts par l'auteur et le metteur en scène. Dans l'ensemble, les récompenses l'emportent sur les frustrations. Les interprètes offrent une éloquence poétique puissante qui capte l'attention et nous laisse en tant que membres du public beaucoup d'espace pour réfléchir aux grandes questions que pose cette pièce - comment la confiance est-elle formée, détruite, puis reconstruite ? Que pouvons-nous savoir en temps de crise, même de ceux avec qui nous avons vécu longtemps dans l'adversité ? Comment les témoins des mêmes événements peuvent-ils produire des souvenirs si différents avec une sincérité apparente ? Surtout, en période d'adversité, quelles parties de nos propres caractères viendront au premier plan... les plus trempées et courageuses, ou les plus abjectes et lâches ?

Mais à la fin, la tension entre le compte quotidien du passage du temps et l'évitement de la direction narrative est trop forte pour être soutenue et dans les dernières sections, nous revenons à une technique expositionnelle plus prévisible avec un certain soulagement. De plus, les performances des acteurs se détendent notablement une fois que le formalisme abstrait, staccato presque hiératique cède la place à une présentation plus naturaliste. La variété de ton et de forme n'est finalement pas l'ennemi de la pensée. Nous avons nous aussi besoin de nos thrillers et westerns. Mon seul gros reproche est que l'entracte est assez inutile : la pièce irait bien mieux avec une représentation d'un seul trait. Mais ne laissez pas cela vous dissuader : c'est une soirée fascinante de grande compétence et sérieux, l'une de ces soirées où ce que vous en recevez est proportionnel à ce que vous êtes prêt à y mettre...

Abyss est à l'affiche à l'Arcola Theatre jusqu'au 25 avril 2015