CRITIQUE : Une vue de la passerelle, Théâtre Young Vic ✭✭✭✭✭

Vu du pont Théâtre Young Vic

25 avril 2014

5 étoiles STOP PRESS - Cette production est transférée au théâtre Wyndhams au début de 2015 Il est certain que dans cinquante ans, ceux qui s'intéressent à ces choses regarderont en arrière sur la production sobre, dévastatrice et absolument époustouflante d'Ivo van Hove de Vu du pont d'Arthur Miller, actuellement au Young Vic, avec la sorte de révérence et d'admiration réservées aujourd'hui à Othello d'Olivier ou au rêve de Midsummer de Peter Brook qui a bouleversé les codes.

Révélateur et presque insupportablement suspense, cette production est un chef-d'œuvre sous tous les sens.

La pièce de Miller peut sembler longue, car c'est une symphonie désuète de douleur et d'obsession. Avec une durée continue de deux heures, cette version est considérablement plus courte que d'habitude mais elle ne perd rien et gagne beaucoup grâce aux coupes et révisions judicieuses. L'exposition est habilement abandonnée au profit d'aller directement au cœur purulent de la tragédie. Je doute que cette pièce ait jamais été aussi bien examinée et dépeinte que c'est ici.

Le décor extraordinaire de Jan Versweyveld soutient, d'une manière réelle et viscérale, la mise en place des résonances émotionnelles de la pièce.

Le théâtre est configuré comme une scène en trois faces, avec une énorme structure en forme de cercueil au centre de l'espace de jeu. Le Requiem de Fauré signale le début de l'action, et dès que ses notes funèbres commencent, les côtés et le couvercle de la structure s'élèvent pour révéler un long espace de jeu qui pourrait être un ring de boxe de forme étrange. Deux hommes se douchent, se nettoient après une longue journée de travail très dur. Le sens de l'activité masculine, puissante, résignée et épuisée est palpable, tout comme la notion de purification.

Cette image d'ouverture est incroyablement évocatrice et sans un mot vous dit exactement quel genre d'homme est Eddie, le personnage central. Alfieri, l'avocat narrateur, commence son monologue réfléchi pendant que la douche et les changements se font. À la fin du discours et les hommes sont habillés, la personne puissante, brutale et dure de Eddie est parfaitement claire.

Et le public est plongé directement dans le cercle intérieur en ébullition d'Eddie. Son mariage sans passion avec une Beatrice perplexe. Son obsession pour sa nièce adolescente Katherine. Son offre d'aide aux frères immigrés illégaux, Marco et Rodolpho, qui ont tous deux fui l'Italie pour espérer du travail et épargner de l'argent.

Il y a un moment clé, très tôt, lorsque Katherine rentre dans la maison qu'elle partage avec Eddie et Beatrice et elle se jette sur Eddie, l'enjambant après qu'il l'ait ramassée dans ses bras - un mouvement pratiqué et fluide, évidemment le résultat de répétitions quotidiennes. Un mouvement qui serait attendrissant si Catherine avait 10 ans mais qui fait frissonner car elle approche de la féminité. Le regard hanté et déchirant dans les yeux de Beatrice contrebalance la facilité familière exhibée par son mari et sa nièce. Ce seul moment en dit plus sur cette relation que des pages de dialogue ne pourraient jamais en dire.

Et donc van Hove progresse à travers la soirée, glanant le texte, produisant des images iconiques et durables qui marquent la situation sur le public comme une marque à chaud le ferait, puis utilisant le dialogue de manière économique pour étoffer les complexités.

Il n'y a pas d'accessoires, pas de décor. Juste la scène nue, les acteurs, la puissance de l'œuvre et, pour une courte scène, une seule chaise. Les acteurs sont pieds nus tout au long de la pièce, une décision qui confirme silencieusement mais immédiatement leur vulnérabilité tout en évoquant des notions d'accueil à domicile et d'église et permet à la séquence où Catherine porte des talons hauts de se démarquer avec vivacité.

Rien n'arrive ici par hasard. Chaque décision a un sens, une résonance, un but.

Lorsque Rodolpho tombe amoureux de Catherine, vous la voyez passer d'adolescente à femme sous vos yeux. Quand Beatrice enfin nomme la source de son inconfort conjugal, c'est avec une singularité venimeuse qui transperce le cœur. Quand Marco, presque de manière impossible, lève une chaise par son pied arrière droit pendant ce qui semble être une éternité, l'affichage de puissance agressive suprême est palpable. Quand Eddie pince les bras de Rodolpho sur ses côtés dans un verrou d'ours et puis l'embrasse brutalement, c'est terrifiant et ignoble : un moment de puissance brutale et électrique.

Le plus impressionnant est une séquence tardive dans la pièce, lorsque les tensions sont élevées dans le foyer, et une courte scène sur des affaires mondaines se déroule, une couverture pour les tensions interpersonnelles bouillantes, près de l'ébullition, présentes dans la maison. Chaque ligne ou partie de ligne est dite de manière hésitante et est suivie d'un long silence - l'effet cumulatif est choquant et perturbant, presque insupportablement tendu. On a l'impression d'être lié à de la dynamite et que la flamme vacillante de la détonation s'approche de vous. C'est extraordinaire.

C'est vraiment saisissant de toutes les façons possibles. Et la vignette finale baignée de sang est à la fois poétique et horrifique et démontre une sorte de purification radicalement différente de celle qui a vu le commencement des événements. Aucune scène de combat ne pourrait être aussi provocatrice, aussi sinistrement détaillée, aussi choquante et englobante que les tables finales ici.

Lorsque le couvercle du "cercueil" se ferme, la douleur est enfermée. Le public est sous le choc et silencieux - baigné dans l'éclat sonore de l'obsession fatale et des conséquences qui, comme une fine symphonie de Mahler, ont été jouées dans une divine clarté où chaque pierre est retournée.

La distribution ici est irréprochable.

Mark Strong est étonnant dans le rôle d'Eddie, tout en désir refoulé, colère réprimée et ego masculin vital mais dérangé. C'est une performance riche et profondément troublante, pleine de détails intenses, rayonnants et incisifs. Ils devraient marquer dès maintenant le prix Olivier à son nom car la scène londonienne est peu susceptible de voir une performance aussi complexe, physique, exceptionnelle au niveau vocal, et aussi puissante dans un futur proche. Absolument époustouflant à tous égards.

Nicola Walker est superbe dans le rôle de Beatrice mise de côté. Elle est plus dure et directe que Beatrice ne l'est habituellement, mais cela fonctionne entièrement en faveur du personnage. La distance entre son sourire d'espoir et sa grimace de peur et de désespoir est alarmante mais éblouissante à voir - au fur et à mesure que la pièce avance, la distance devient plus courte jusqu'à ce que, finalement, les expressions deviennent une seule. Walker est merveilleuse pour refléter cette douleur et ce malaise dans tout son corps. Passionnant.

Luke Norris est sensationnel en tant que beau garçon Rodolpho qui, sans le savoir, défie les conceptions de la masculinité d'Eddie et tombe fatalement amoureux de l'objet des notions désireuses d'Eddie. Norris est un Rodolpho férocement hétérosexuel, mais démontre avec désinvolture le côté plus doux de cet Italien romantique. Il est en excellente condition physique et apporte un engagement juvénile à chaque partie du rôle. Captivant.

Je n'ai jamais vu un Marco plus complexe, plus sombre, plus paternel, plus humble, plus absolument parfait que celui fourni ici par le talentueux Emun Elliot. Il est incroyablement bon, le frère parfait de Rodolpho, le père aimant et soutenant pour sa famille éloignée, et un homme qui peut battre Eddie dans une bataille s'il le faut. Son sens viscéral de choc meurtrier outragé face aux actions d'Eddie fournit la dynamite pour ce résultat explosif particulier. Dangereusement bon.

Phoebe Fox est parfaite dans le rôle de Catherine et il est complètement possible de croire que la Catherine de Fox ne savait pas ce qu'Eddie pensait vraiment jusqu'à ce qu'il (et Beatrice) le rendent parfaitement clair. Son amour pour Rodolpho est authentique et doux, son affection pour Beatrice sans compromis et son amour pour, mais totale incapacité à comprendre le désir obsessionnel d'Eddie, joué délicatement mais avec précision. Ses silences sont également instructifs, tout comme les scènes où elle est en marge, toujours une présence dans les vies des autres personnages. Superbe.

En tant qu'avocat harcelé et semblable à Ponce Pilate, Alfieri, Michael Gould est juste merveilleux. Il transmet la réticence fatiguée de s'impliquer et, avec une clarté douce mais assidue, fournit la "conscience" de la pièce, l'autre point de vue. Ses contributions ne ralentissent pas le déroulement de la pièce (comme elles le peuvent parfois); au contraire, elles rehaussent et embellissent les étapes au fur et à mesure. Formidable à tous égards.

C'est un incontournable pour quiconque aime le théâtre. C'est complet au Young Vic mais j'espère qu'il sera transféré. Il y a des billets journaliers libérés chaque jour. Faites tout pour en obtenir un et voir ce morceau exceptionnel de théâtre.