CRITIQUE : Une Nuit Coquine avec Noël Coward, Old Red Lion ✭✭✭

Une Nuit Coquine avec Noël Coward

08/08/15

Old Red Lion Theatre, Islington

3 Étoiles

‘Je n’ai jamais eu d’autre ambition que d'être dans le théâtre. Peut-être dans la chirurgie, cependant. Un médecin peut-être. Ou un chirurgien. J'ai vu presque toutes les grandes opérations qui existent – j'adore regarder les opérations. Cela pourrait avoir quelque chose à voir avec le fait que les gens me fascinent plus que tout autre chose dans la vie.’ – Noël Coward Il y a des tensions dans les écrits de Coward qui en font un dramaturge plus complexe, moins immédiatement pleinement formé et imprévisible que sa persona immaculée et entretenue ne le suggère. En fait, la persona de ‘The Master’ était conçue autant que possible pour dissimuler et repousser la curiosité sur ces tensions et les détails de sa formation personnelle et artistique. Si vous mettez de côté les premières critiques de Cochran et Charlot, alors ce premier cycle de pièces de Easy Virtue à Vortex et culminant avec Design for Living ressemble à du Bernard Shaw sous benzedrine. Elles possèdent une qualité d'économie et de minutie impitoyable qui est à la fois alarmante et enivrante. Vous n'avez aucune idée d'où l'excavation des défauts et des personnalités s'arrêtera. L'esprit chancelle à la limite de la cruauté, les personnages se fragmentent vers l'effondrement, et aucune norme sociale n'est laissée sans examen par cet œil unique sceptique et éblouissant. Et puis, alors que les années 20 passent aux années 30, le vent tourne. L'autre côté de Coward émerge plus nettement, le côté qui devait finalement le faire entrer dans l'Establishment comme patriote de guerre et chanteur de charme, star de cabaret, personnalité hollywoodienne, ami de Churchill, des Mountbatten et de la Reine Mère et praticien d'un style Art Déco poli qui engendre Present Laughter et Blithe Spirit ainsi que d'autres comédies légères bien faites, parfaitement stylées mais non menaçantes. Private Lives se tient comme le pivot où les deux côtés de sa personnalité théâtrale sont également exposés, et puis à la fin de sa carrière, tout à la fin, ce premier Coward corrosif réapparaît, cette fois-ci en se moquant de lui-même, dans A Song at Twilight.

C'était donc un choix judicieux de regrouper deux pièces en un acte qui représentent les deux côtés de l'art de Coward de manière si nette, mais aussi un choix risqué car des styles de jeu très différents sont nécessaires pour réussir chacune d'elles aussi bien.

We Were Dancing est l'une des dix pièces courtes qui forment la séquence Tonight at 8.30, écrites initialement comme des véhicules de performance pour Coward et Gertrude Lawrence dans différentes combinaisons. C'est l'un des plus faibles rejetons de la portée et dépend de performances fortes et stylisées dans les rôles principaux pour porter le scénario mince. Le cadre est un club de campagne sur une île des mers du Sud – le genre d'endroit évoqué dans les nouvelles de Somerset Maugham. Lors d'une danse, une femme mariée, Louise (Lianne Harvey) tombe sous le charme de Karl (James Sindall), un voyageur commercial dans le transport maritime, et ils proposent de partir ensemble au grand scandale du mari Hubert (John MacCormick) et de sa sœur Clara (Beth Eyre); mais à l'aube la magie du moment s'estompe et ils réalisent qu'ils n'ont rien en commun l'un avec l'autre.

Il n'y a rien de mal techniquement avec le jeu de cette troupe de jeunes diplômés récents, mais pour cette pièce particulière il y a peu de choses de stylistiquement correctes non plus. Pour que cette légère confection fonctionne, vous avez besoin d'acteurs approchant la cinquantaine qui peuvent évoquer la peur du vieillissement et le désir désespéré de vivre dans l'instant qui l'accompagne. Rien de tout cela n'est présent ici dans les rôles principaux, et le style ampoulé des représentants de la morale conventionnelle n'est pas beaucoup plus convaincant non plus. Les « guindés » de Coward, comme dans Private Lives, méritent vraiment des interprétations engagées, sinon il n'y a pas de contrepoids dont les esprits libres peuvent se moquer et rebondir spirituellement. Sindall est le seul acteur ici qui saisit le véritable style de Coward : il trouve le juste mélange de détachement et de précision du langage et du rythme, sans tomber dans le piège de l'imitation directe de Coward lui-même. Il parvient à montrer que si vous trouvez le bon créneau et prononcez les répliques de Coward avec une fidélité absolue au texte et au rythme, alors une alchimie soudaine se produit – l'artifice commence à sembler tout à fait naturel.

Malgré les récentes critiques de Stephen Sondheim, c'est un point qui s'applique aussi et valide la musique de Coward. Tom Self au piano chante quelques-unes des chansons les plus célèbres respectivement en ouverture et en interlude de changement de scène. Bien sûr, les chansons sont consciemment brillantes ou sentimentales, mais elles peuvent encore être merveilleusement évocatrices de l'ambiance et dramatiquement réussies sur scène si elles sont faites comme des exercices exacts en performance rhétorique. « Dance, Dance, Dance, Little Lady! » manquait de l'attaque obsessive et du tempo plus rapide nécessaires pour nous préparer à la première pièce; mais son interprétation de « The Party’s Over Now » a capté exactement le bon ton de regret désenchanté, lucide et nostalgique pour nous faire glisser dans le territoire plus sombre de la seconde et « The Better Half ».

Cette pièce est une récente redécouverte. Jouée une seule fois en 1922, elle était considérée comme perdue jusqu'en 2007 lorsque des chercheurs ont trouvé une copie dans les archives de l'Office du Lord Chamberlain. C'est vraiment une véritable découverte - un exemple vintage du Coward de la première période et la plus excitante de son écriture.

Ce qui vous frappe immédiatement est l'écriture impitoyablement concise. Les dialogues ont une qualité imprudente, sans limites et une volonté de ne laisser aucune couche d'auto-tromperie inexposée et aucune illusion complaisante réconfortante en place. Parfois c'est fait avec un véritable esprit comme dans la remarque que trop souvent « compréhension et pardon sont drapés autour de la maison comme des décorations de Noël fatiguées ». Mais la plupart du temps c'est fait avec une grande économie de moyens – vous pouvez voir pourquoi vers la fin de sa vie dans les années 60, à la fois Orton et Pinter éprouvaient pour Coward un véritable respect, et lui pour eux.

La pièce est un trio. Alice (Tracey Pickup) est mariée sans bonheur à David (Stephen Fawkes), qui a beaucoup plus en commun en tempérament et intérêts avec Marion (Beth Eyre), la meilleure amie d'Alice. L'action se déroule dans la chambre d'Alice – un changement de scène astucieux effectué par la troupe elle-même pendant l'interlude musical, et le résultat détaillé de la période donnant un crédit mérité à Oliver Daukes (designer) et Andrea Marsden (décoratrice). Alice s'ennuie avec elle-même et son mariage et perçoit que son mari et sa meilleure amie sont bien trop vertueux pour commencer une aventure. Elle tente de précipiter le changement en révélant qu'elle-même n'a pas eu de tels scrupules. La pièce joue délicieusement avec la vérité ou la fiction derrière ces affirmations et met en valeur comment la morale traditionnelle parvient à combiner auto-tromperie et auto-congratulation. Le directeur Jimmy Walters impose à juste titre un rythme effréné et il y a beaucoup de mouvement et d'interaction physique qui sont naturalistes plutôt que stylisés. Cette fois-ci les jeunes acteurs sont entièrement en phase avec l'écriture et saisissent toutes les merveilleuses opportunités qui leur sont offertes par l'auteur. La pièce incarne l'affirmation de Coward qu'une courte pièce a « un grand avantage sur une longue en ce qu'elle peut soutenir une ambiance sans craquements techniques ni surcharges ».

The Better Half mérite un public beaucoup plus large, et ferait un merveilleux jumelage avec The Browning Version de Rattigan, qui n'a jamais vraiment trouvé un partenaire efficace dans soit Harlequinade ou South Downs de David Hare. Les deux pièces exposent les illusions réconfortantes sur la vie conjugale, mais avec des résultats très différents et un ton contrasté dans l'écriture – un potentiel merveilleux de double programme en devenir. Une dernière critique : « Une Nuit Coquine avec Noel Coward » est un titre vraiment misérable à choisir pour cette soirée théâtrale. Cela sent la titillation bon marché - le monde de Frankie Howerd et des Carry-On Films. Tandis que Coward prétendait écrire des comédies légères, il n'écrivait pas des comédies vulgaires ou évidentes. Un meilleur titre, peut-être, serait Duos pour Trois, étant donné que dans chaque cas il y a trois partenaires impliqués là où il ne peut finalement y en avoir que deux – un sujet de rire certes, mais aussi d'ironie et de pathos.

En somme, c'est une soirée profondément captivante au théâtre avec des valeurs professionnelles élevées sur toute la ligne, mais où les véritables récompenses et révélations viennent dans la seconde moitié.

Une Nuit Coquine avec Noel Coward se joue jusqu'au 29 août 2015.