CRITIQUE : Un Équilibre Délicat, Théâtre John Golden ✭✭✭✭

John Lithgow et Glenn Close dans A Delicate Balance. Un Équilibre Délicat

Le Théâtre John Golden

15 Janvier 2015

4 Étoiles

Le sentiment de gentillesse distillée, d'endurance forcée, est épais dans l'air. Tobias raconte avec des détails horrifiants et exquis le moment où un animal de compagnie favori a été euthanasié ; Claire boit du cognac, regardant Agnes qui étudie Tobias intensément, comme si elle scrutait le plâtre pour y trouver des fissures. Soudain, quelqu'un est à la porte. Comme une bourrasque de pluie acide frénétique et crispée, Edna et Harry se faufilent, semblant complètement déplacé, familier, mais surpris et dérangeant. Leur présence change tout : les rythmes établis du mari, de la femme et de la sœur de la femme sont bouleversés ; il y a maintenant une nouvelle mélodie en cours et personne ne sait vraiment ce que c'est. Sauf, peut-être, Claire, dont l'ivresse semble aider plutôt que gêner son perspicacité.

Ceci est la pièce primée par le Prix Pulitzer d'Edward Albee, Un Équilibre Délicat, actuellement à l'affiche au John Golden Theatre de Broadway, dans une reprise dirigée par Pam Mackinnon qui a remporté un Tony Award pour sa mise en scène d'un autre chef-d'œuvre d'Albee : Qui a Peur de Virginia Woolf. Tout comme Mackinnon a réimaginé ce grand texte, cherché et trouvé de l'or, ici aussi, elle aborde cette pièce de manière nouvelle.

Que cela donne des résultats réussis sera, sans aucun doute, une question de débat. Pour moi, c'était de loin la version la plus drôle de cette pièce que j'ai jamais vue. Et grâce à cette touche comique, les sections les plus sombres semblaient plus obscures, les déversements de haine et de bile plus désespérément accablants, le sentiment de vies vécues dans la misère et l'incompréhension plus aigu.

Comme avec sa version de Qui a Peur de Virginia Woolf, Mackinnon ne considère pas Un Équilibre Délicat comme un véhicule pour stars. Souvent, les productions se concentrent sur les apparences-sont-tout Agnes, l'alcoolique Claire ou le sert-les-boissons-tandis-que-les-feux-de-l'enfer-brûlent-autour-de-lui Tobias - mais pas ici. C'est une véritable vision d'ensemble de la pièce. Tout le monde reçoit une réelle attention et focalisation et, inévitablement, l'équilibre se déplace. Différents aspects de la pièce se concentrent, des personnages qui laissent parfois peu de traces prennent soudainement une réelle importance - avec le résultat que les notions préconçues que l'on pourrait avoir sur la pièce sont remises en question.

Cette production définit son propre agenda, tout en bénissant expressément le texte, et le résultat est une lecture énergisée et spécifique qui se concentre sur la perte, la terreur, l'amitié, les droits et les torts. Silence et douleur. Peur et, finalement, espoir.

La plupart des productions de cette pièce impliquent un moment de véritable horreur viscérale, habituellement celui qui implique Claire et l'alcool. Ici, le moment vient, violemment et surprenamment, lorsque Edna gifle durement Julia en plein visage. Cela est vraiment choquant, la force du coup réverbère à travers le théâtre.

Parce qu'ici, Edna et Harry sont d'une importance critique. Ils sont effrayés par une terreur non nommée chez eux et, sans prévenir, cherchent refuge chez Agnes et Tobias, qui sont leurs amis les plus anciens ; ils se connaissent depuis 40 ans. Ils semblent chétifs et nerveux, mais il s'avère qu'ils sont faits d'un acier plus fort que celui de tout autre parmi ceux auprès de qui ils cherchent refuge. Petits de stature, ils apparaissent au début, mais à mesure que la pièce progresse, chacun assume un pouvoir impitoyable, revendiquant leurs droits tels qu'ils les perçoivent.

C'est électrisant de regarder ce couple d'outsiders renverser et recalibrer une famille qui a creusé ses tranchées et établi ses schémas, tout cela au nom de la bienséance et de l'équilibre de la vie.

Clare Higgins est absolument sensationnelle en tant qu'Edna. Elle porte un masque de jovialité de banlieue qui est plus dur que le titane, mais ses yeux sont vivants tout le temps - scrutant, calculant, mesurant et rétrécissant. Son entrée suggère qu'elle a été saisie par la terreur, mais cela se dissipe rapidement lorsqu'elle est sur un terrain qu'elle comprend, où les rythmes sont ceux qu'elle connaît. Elle sourit constamment, bien qu'il soit évident qu'elle n'est pas très contente de ceux à qui elle sourit. C'est une performance inspirante, pleine de nuance et d'esprit.

Particulièrement mémorable est la scène où elle décrit aux autres femmes comment elle a trompé Harry la nuit précédente, lorsqu'il est venu dans son lit, en lui faisant croire qu'elle voulait des relations sexuelles avec lui. C'est un moment froid et glaçant qui l'établit puissamment comme la Femelle Alpha du groupe. Cela soulève aussi la question de savoir si c'était Edna avec qui Tobias avait une aventure - Claire taquine Tobias avec sa connaissance de l'incident mais il n'est jamais clair qui était la femme ; Claire elle-même ou quelqu'un d'autre ? La dénonciation venimeuse de Tobias envers Edna juste avant cette scène interroge carrément sa connexion avec elle. Pourquoi la déteste-t-il autant ? Higgins insuffle la vie à ces sous-courants avec une facilité consommée.

En partenariat capable avec Higgins, le merveilleux Bob Balaban interprète le Harry apparemment doux et petit, qui est un maître du silence, de la pause et de la menace subtile. Il peut boire une gorgée de whisky comme s'il lâchait une bombe atomique. Sa scène finale avec Tobias, où il force son ancien ami à réévaluer sa vie, est tout à fait étonnante, pleine de pouvoir et de colère sous-jacente. Ensemble, Balaban et Higgins font de cette production le succès qu'elle est. Ils bouleversent puis réalignent l'équilibre dans le ménage qu'ils envahissent.

Lindsay Duncan offre la Claire alcoolique la plus sobre que j'ai jamais vue et, étonnamment, cela fonctionne extrêmement efficacement. Elle établit de manière convaincante les habitudes et les manières d'un(e) alcoolique de longue date; elle a de la vodka, du gin et du whisky dans ses veines, accompagnés de la glace qui les accompagne habituellement. Ce n'est pas une performance spécialement acide ou tape-à-l'œil, mais Duncan rayonne de douleur et d'intelligence à parts égales. Elle boit pour boire, non pour faire face. Son travail avec l'accordéon est simplement inspiré.

Physiquement et vocalement, elle fonctionne comme la sœur d'Agnes, interprétée par Glenn Close, et la tante de Julia, jouée par Martha Plimpton. Il y a une nette impression de famille que les actrices ont choisi d'exprimer. Les vêtements de Duncan marquent également son style comme étant opposé à celui d'Agnes, et il se peut qu'elle ait visé à suggérer la sexualité de Claire avec ses cheveux courts et ses costumes pantalons. À tous égards, c'est une Claire mesurée, finement calibrée et efficace ; drôle et horrible en même temps.

Martha Plimpton ne s'en sort pas aussi bien. Elle est trop criante et adolescente en tant que Julia. Bien que Julia n'ait jamais grandi, Plimpton n'indique aucun des leçons de vie qu'elle aurait dû apprendre dans ses quatre mariages. Le réglage aigu de la plupart de son travail est contraire à la tonalité basse et au pouls du reste du casting, ce qui pourrait avoir porté des fruits si Plimpton n'était pas apparue si incontrôlable. Pourtant, c'était peut-être le but.

John Lithgow impressionne, comme toujours, en tant que patriarche vieillissant, Tobias. Il paraît désinvolte et indifférent lors du premier acte, mais c'est juste une manière astucieuse d'indiquer comment Tobias fait face aux femmes de sa vie. Il distribue de l'alcool comme un médecin pourrait distribuer des remèdes pour une épidémie ; il établit soigneusement le cabinet de liqueur comme son domaine, un endroit d'où il peut apaiser les agresseurs qui rôdent dans son salon.

Il devient violemment vivant lorsqu'il discute du sort du chat qui ne voulait pas jouer et est mort pour cela, et son sens croissant de l'indignation et de l'incompétence est finement jugé. Ses deux grandes scènes dans l'acte final sont tout simplement formidables ; Agnes lui disant que c'est sa décision sur ce qu'il faut faire à propos de la peste qui est entrée dans leur vie et Harry lui disant qu'il et Edna partiront parce que leur amitié n'est pas ce qu'ils pensaient. Lithgow est particulièrement bon en s'effondrant sous la dissection calme de Harry par Bob Balaban.

Enfin, Glenn Close, dont Agnes est à la fois ordinaire et lumineuse. Elle décroche la gentillesse des manières, cache son dégout de sa situation la plupart du temps et souffre chaque fois qu'elle doit calmer un problème pour rétablir l'équilibre, du mieux qu'elle peut, dans son ménage. Elle est la plus efficace dans les moments où elle regarde les autres, les évaluant et décidant comment s'en occuper. Elle est vivante et concentrée à chaque instant sur scène.

Elle n'opté pas pour une approche lyrique du texte et cela apporte des résultats. La scène où elle réprimande Tobias pour son refus d'avoir des rapports sexuels avec elle après la mort de leur petit fils est déchirante - un kaleidoscope glorieux d'émotions et de traumatisme. Elle gère bien les longs monologues et j'ai particulièrement aimé les discours d'ouverture et de clôture, où elle parle de ses peurs de devenir folle et, dans le dernier acte, du pouvoir guérisseur de la lumière du soleil. Elle m'a semblé être la parfaite Agnes pour cette production : gracieuse, vindicative, rancunière, sarcastique et fatalement meurtrie. Un cocktail puissant.

Il y a de bonnes performances également par les autres personnages centraux - la peur et l'alcool. Les deux semblent en permanence présents sur scène, sous différentes formes et de différentes manières, mais les deux sont essentiels à l'essence de la vision de Mackinnon. Curieusement, là où son Qui a Peur de Virginia Woolf vous donnait envie de vous précipiter dans un bar et de commander un verre, cette production a l'effet inverse. Elle vous fait réfléchir.

Santo Loquasto a conçu un décor merveilleux : il ressemble à la maison opulente d'un millionnaire retraité. Il y a des niveaux, des pièces qui ne sont pas vraiment utilisées dans la pièce, un grand escalier et un véritable sentiment de pouvoir et de gloire dégradés. Le bar est situé centralement, de manière appropriée. Les costumes d'Ann Roth sont élégants et excentriques, ajoutant au sentiment de pouvoir et d'argent - la différence entre les vêtements que Edna et Harry portent et ceux des autres est frappante. Brian Macdevitt éclaire tout magnifiquement, et son sens de la nuit tombante et du matin montant est émouvant et approprié.

C'est une production étoilée d'un véritable drame classique américain. Ce n'est pas une production conventionnelle et tout en est plus intéressant pour cela.

Allez le voir. Faites votre propre opinion.