CRITIQUE : Une Journée dans la Mort de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves critique Une journée dans la mort de Joe Egg de Peter Nichols, actuellement en jeu au Trafalgar Studios de Londres avec Toby Stephens et Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Photo : Marc Brenner Une journée dans la mort de Joe Egg Trafalgar Studios,

2 octobre 2019

3 étoiles

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Il n'y a rien que Peter Nichols (qui est décédé à l'âge de 92 ans il y a quelques semaines) ne savait sur la construction dramatique, le rythme, et le dialogue qui parle facilement et naturellement et 'joue' bien.  Cette pièce de 1967 est un parfait exemple de la manière de transformer les matériaux bruts de la création théâtrale en conversation fluides et actions éclatantes.  Le réalisateur Simon Evans le sait et s'amuse beaucoup plus avec cette pièce que récemment avec le plus laborieux 'The Best Man' : c'est une expérience complètement plus vive, enjouée, et marquée par une vitalité, qui le distingue comme un spécialiste potentiel du théâtre de cette période.

Lucy Eaton. Photo : Marc Brenner

Et c'est bien une pièce d'époque.  Le décor de Peter McKintosh (décor et costumes) ressemble à une illustration mineure du magazine Ideal Home, légèrement penchée par quelques illustrations légèrement pop-art sur les murs, mais le mobilier et les détails sont tous parfaitement adaptés, et immaculés.  C'est le monde des classes moyennes aspirationales de la gestion et de l'administration 'à domicile', servi avec la même attention aux détails qu'une image en couleur d'un anneau en aspic dans Good Housekeeping.  Cependant, lorsque Toby Stephens - dans le rôle de Bri, le principal remplaçant de l'auteur dans ce récit fortement autobiographique - lance la performance avec un numéro de stand-up d'un enseignant harcelé criant sur une classe turbulente d'enfants indisciplinés, on commence à remarquer une disparité entre l'expérimentation théâtrale de l'écriture et la mise en scène littéralement morne de McKintosh.  À mesure que la pièce avance, et que chaque personnage à tour de rôle - avec un coup de projecteurs de Prema Mehta et un fracas du son d'Edward Lewis - sort du 'récit' et parle à travers le quatrième mur directement au public, on en vient à éprouver un malaise croissant quant à la normalité oppressive du décor agréablement aménagé (bien qu'il puisse tourner et glisser, un peu).

Storme Toolis. Photo : Marc Brenner

Mais c'était toujours le problème avec tant de théâtre britannique.  Une excellente écriture, mais des décors pitoyablement prévisibles et ennuyeux.  Ainsi, Stephens déroule ses blagues et plaisanteries sans fin, mais est toujours enfermé dans les mauvaises herbes d'une époque révolue.  Claire Skinner, en tant que sa femme, Sheila, est condamnée à jouer la 'régulière' face à ses routines comiques interminables, mais elle fait une vertu de cela avec son contrôle cool et sa tendresse simple.  Clarence Smith, jouant le visiteur du soir, Freddie, obtient le meilleur rire du spectacle avec sa réplique - qui, comme presque tout ce qui est dit, jaillit directement de la psyché troublée de Nichols : 'Est-ce que je parle trop fort ?  Je lève toujours la voix quand j'aide les gens'.  C'est une réplique vraiment brillante, mais son effet est étouffé et écrasé par le charme bourgeois insupportable du salon dans lequel elle doit être prononcée.  Vraiment : il y a de meilleurs décors britanniques à voir sur scène - pourquoi pas ici ?

Toby Stephens et Patricia Hodge. Photo : Marc Brenner

Dans le rôle de sa femme, Pam, Lucy Eaton doit lutter contre des cheveux impeccables (je pense que c'est une perruque) par Carole Hancock et un magnifique manteau jaune et une robe à rayures intelligentes avec des bottes en cuir tanné jusqu'aux genoux : je veux dire, elle est fabuleuse, mais pourquoi tout autour d'elle doit-il aussi avoir l'air aussi fabuleux ?  La rebutante opulence est étouffante et aliénante, émoussant le langage et lui volant tant de son mordant.  Un temps quelque peu meilleur est offert à Patricia Hodge, qui est une farceuse accomplie, et joue son tour du deuxième acte pour tout ce que cela vaut, mais peut-être est-ce seulement parce qu'elle est la moins présente sur scène qu'elle semble moins engloutie par cela.  De tous les acteurs, seule Storme Toolis s'écarte radicalement du confort douillet proposé partout ailleurs.  Différente par ses capacités par rapport au reste de la distribution, elle assume le rôle de la fille de Bri et Sheila, qui a grandi avec une condition médicale compliquée qui n'est identifiée par son nom qu'une seule fois.  Sa manière de fonctionner est si audacieusement différente des autres qu'elle devient une présence saisissante et fascinante devant nous : elle utilise l'immobilité et le silence, la posture corporelle, l'expression et le geste de manière qui - selon les preuves de cette production - sont totalement étrangères et hors de portée du reste de la distribution.

Photo : Marc Brenner

Je suppose que c'est une impression erronée.  Ce sont de très bons acteurs et je suis tout à fait certain qu'ils pourraient - si l'occasion leur était donnée - faire beaucoup plus que ce qu'on leur demande par ce metteur en scène.  Mais combien de fois les metteurs en scène britanniques demandent-ils vraiment aux acteurs de se dépasser et de surprendre le public ?  Et combien de fois les invitent-ils simplement à servir quelque chose de sûr et chaud, confortablement rassurant et familier ?  Quelqu'un se souvient d'Artaud ?  Quelqu'un le lit-il encore ?  Y a-t-il quelqu'un là-bas qui pense encore que le théâtre devrait être excitant et audacieux et risqué et palpitant ?  Oui, il y a de tels metteurs en scène, et j'ai vu certains d'entre eux travailler dans ce théâtre, mais pas - hélas - à cette occasion.  En tant qu'exercice technique de démonstration de la maîtrise parfaite de Nichols du genre, il n'y a pas grand-chose à dire contre cela ; mais en tant que drame qui parle du cœur au cœur, il est, à mon avis, en besoin de plus d'ouverture et de franchise.