CRITIQUE : Une Journée dans la Mort de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves critique A Day In The Death Of Joe Egg par Peter Nichols, actuellement joué au Trafalgar Studios à Londres, avec Toby Stephens et Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Photo : Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 octobre 2019

3 Étoiles

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Il n’y a rien que Peter Nichols (qui est décédé à l’âge de 92 ans seulement quelques semaines auparavant) ne sache sur la construction dramatique, le rythme et le dialogue qui parle facilement et naturellement et qui 'joue' bien. Cette pièce de 1967 est un exemple parfait de comment manipuler les matériaux bruts de la création théâtrale et les transformer en une conversation brillamment fluide et des actions pétillantes. Le metteur en scène Simon Evans le sait et s'amuse beaucoup plus avec ce spectacle qu’il ne l’a fait récemment avec le plus laborieux 'The Best Man' : c’est une expérience plus vive, plus gaie, plus dynamique et le distingue comme un possible spécialiste du drame de cette période.

Lucy Eaton. Photo : Marc Brenner

Et c’est bien de sa période. Le design de Peter McKintosh (décor et costumes) ressemble à une illustration mineure du magazine Ideal Home, légèrement altérée par des illustrations légèrement pop-art sur les murs, mais le mobilier et les détails sont parfaitement adaptés, et immaculés. C'est le monde de la gestion et de l'administration de la classe moyenne aspirante 'à la maison', servi avec la même attention aux détails qu'une assiette en couleur d'un anneau d’aspic dans Good Housekeeping. Cependant, lorsque Toby Stephens - en tant que Bri, le personnage principal remplaçant l'auteur dans ce récit fortement autobiographique - lance la performance avec une routine frontale d’un professeur en détresse criant sur une classe bruyante d’enfants turbulents, on commence à remarquer un écart entre l’expérimentation théâtrale de l’écriture et la mise en scène tristement littérale de McKintosh. Au fur et à mesure que la pièce avance, et que chaque personnage à son tour - avec un clin d'œil aux lumières de Prema Mehta et un fracas du son d'Edward Lewis - sort de l’‘histoire’ et s’adresse au public à travers le quatrième mur, nous devenons de plus en plus mal à l’aise face à la 'normalité' oppressante de la boîte joliment mise en scène (même si elle peut tourner et glisser un peu).

Storme Toolis. Photo : Marc Brenner

Mais c’était toujours le problème avec tant de théâtre britannique. De grandes écritures, mais des décors prévisibles et ennuyeux. Ainsi, Stephens traverse ses blagues et plaisanteries sans fin, mais est toujours enfermé dans les mauvaises herbes d’une époque révolue. Claire Skinner, en tant que sa femme, Sheila, est maudite de devoir jouer 'sérieux' face à ses routines comiques interminables, mais elle s'en fait un avantage par son contrôle frais et sa simplicité pleine de tendresse. Clarence Smith, jouant un visiteur du soir, Freddie, obtient le meilleur rire du spectacle avec sa réplique - qui, comme presque tout ce qui est dit, jaillit directement de la psyché troublée de Nichols : 'Est-ce que je parle trop fort ? Je hausse toujours ma voix quand j'aide les gens'. C’est vraiment réplique brillante, mais son effet est noyé et étouffé par le charme bourgeois insupportable du salon dans lequel elle doit être prononcée. Vraiment : il y a de meilleurs designs britanniques à voir sur scène - pourquoi pas ici?

Toby Stephens et Patricia Hodge. Photo : Marc Brenner

Jouant sa femme, Pam, Lucy Eaton doit lutter contre une coiffure impeccable (je pense que c’est une perruque) réalisée par Carole Hancock et un magnifique manteau jaune et une robe ajustée rayée avec des bottes en cuir marron mi-hautes : je veux dire, elle a l'air fabuleuse, mais pourquoi tout autour d'elle doit-il avoir l'air tout aussi fabuleux ? La somptuosité insipide est étouffante et paralysante, émoussant le langage et le privant de tant de sa morsure. Patricia Hodge s’en sort quelque peu mieux, qui est une farceuse accomplie, et joue son tour du deuxième acte à fond, mais peut-être est-ce seulement parce qu’elle est sur scène le moins longtemps qu'elle semble moins engloutie par cela. Parmi tout le casting, seule Storme Toolis s’écarte radicalement du confort douillet offert partout ailleurs. Différemment capable du reste du casting, elle prend le rôle de la fille de Bri et Sheila, qui a grandi avec une condition médicale compliquée qui n'est identifiée par son nom qu'une seule fois. Sa manière de jouer est tellement audacieusement différente des autres qu'elle devient une présence captivante et fascinante devant nous : elle utilise l’immobilité et le silence, la posture corporelle, l’expression et le geste d’une manière qui - sur la preuve de cette production - est totalement étrangère et hors de portée du reste du casting.

Photo : Marc Brenner

Je soupçonne que c’est une impression erronée. Ce sont de très bons acteurs et je suis tout à fait certain qu'ils pourraient - si on leur en donnait l’opportunité - faire bien plus que ce que leur demande ce metteur en scène. Mais combien souvent les metteurs en scène britanniques demandent-ils vraiment à des acteurs de se surpasser et de surprendre le public? Et combien souvent les invitent-ils juste à servir quelque chose de sûr et chaud, réconfortant et familier ? Quelqu’un se souvient-il d’Artaud ? Quelqu’un le lit-il encore aujourd’hui ? Y a-t-il quelqu’un là-bas qui pense encore que le théâtre devrait être excitant et audacieux et risqué et palpitant ? Oui, il y a de tels metteurs en scène, et j’en ai vu certains travailler dans ce théâtre, mais pas - hélas - à cette occasion. En tant qu’exercice technique démontrant la maîtrise parfaite de Nichols de la forme, il n’y a pas grand-chose à dire contre cela; mais en tant que drame qui parle du cœur au cœur, il est, à mon avis, besoin d’un peu plus d’ouverture et de franchise.