CRITIQUE : 46 Beacon, Hope Theatre ✭✭✭✭

46 Beacon

Théâtre de Hope Street

05/10/15

4 Étoiles

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Le décor est simple mais lumineux : un lit double, avec des tables occasionnelles à différents endroits. Le nécessaire pour le gin-tonic, un tourne-disque et une pile de disques vinyles des années 60. Judy, Sondheim, Streisand sont les points de référence. C'est spartiate, mais net et propre - une maison d'hôtes bon marché sur Beacon Street, Boston, fréquentée par des acteurs jouant une saison en ville.

Un monologue d'ouverture d'un charme insinuant étoffe le tableau alors que Robert (Matthew Baldwin) nous situe historiquement, géographiquement et émotionnellement. Nous sommes en 1970 dans le monde théâtral de Boston, au milieu d'une tournée. Robert est de retour en Amérique pour la première fois depuis longtemps et passe un excellent moment tant au travail qu'au jeu. Pour lui, c'est une époque de libération sexuelle et d'exubérance où les frontières traditionnelles s'effondrent, et même pour quelqu'un comme Robert, approchant la quarantaine, la vie n'a jamais été aussi belle. Robert est un typique Britannique à l'étranger : ironique, sceptique et réservé mais aussi pleinement conscient qu'aux États-Unis, et particulièrement à cette époque, il peut se réinventer en quelque chose d'autre sans crainte.

Nous prenons conscience que ce que nous sommes sur le point de voir est l'histoire d'une rencontre cruciale dans une chambre qui a laissé un héritage important, une mémoire d'un moment unique où deux personnes ont vécu ensemble pleinement dans l'instant et désormais dans le souvenir. Le monologue est essentiel pour instaurer cette atmosphère d'anticipation romantique et sexuelle avec un sous-courant de regret et offre une étude de cas sur la façon d'établir et de moduler le ton. Ceci est juste le premier de nombreux exemples de la compétence du dramaturge Bill Rosenfield pour établir le caractère avec des coups de pinceau détaillés de comédie ironique et de romance plausible au fur et à mesure que l'action se déroule.

Robert est un acteur qui ressent son âge et les conséquences de décisions qu'il regrette maintenant. Après des années à exploiter son apparence dans des rôles masculins ingénue des comédies romantiques, il ressent qu'il a laissé passer l'occasion de développer pleinement son talent dans des œuvres plus audacieuses. Il a également atteint un plateau dans sa vie personnelle. Il a un partenaire de longue date à la maison, mais ils ont convenu de passer du temps séparés pour évaluer leur avenir.

Rencontrer Robert dans sa chambre d'hôtel est Alan (Jak Ford-Lane) qui travaille comme ASM dans la même production. C'est un jeune garçon de l'Ohio, incertain de sa sexualité et pas du tout sûr de ce qu'il veut avec Robert, si ce n'est qu'il trouve sa compagnie attirante de diverses façons.

Il est évident dès le départ que cette pièce – qui dure sans interruption pendant quatre-vingts minutes – est potentiellement un drame sur le coming-out et l'initiation sexuelle, et en effet elle devient ces deux choses. Mais c'est un hommage à la qualité de l'écriture et aux acteurs que c'est beaucoup plus que cela aussi. Rosenfield joue ses cartes près du veston et nous tient en haleine longtemps. De plus, il y a la même variation soigneuse de ton et d'intensité qui était présente dès le début.

Il y a des sections qui possèdent une véritable électricité sexuelle – y compris un massage des pieds qui montre que moins est souvent plus, une fois l'imagination du public engagée ! Mais il y a aussi plusieurs points de repos et de réflexion qui nous permettent d'entendre et de comprendre les peurs, angoisses et confusion de Jak en temps réel. Surtout, il y a beaucoup d'esprit, d'humour et de tendresse. C'est donc un texte très équitable et nuancé, dans lequel il y a un récit central de séduction mais nuancé et influencé par les différentes perspectives qu'une différence d'âge de 20 ans peut apporter.

Seule la fin, bien que plausible, semble une occasion manquée. Après nous avoir emmenés si loin dans les mondes mentaux de ces deux hommes, et avoir construit l'importance de cette rencontre pour chacun d'eux, j'ai senti que la douce extinction de la narration, bien que peut-être fidèle à la vie, était dramatiquement décevante. Ce n'est pas un appel à des rebondissements mélodramatiques immérités, mais peut-être pour un monologue symétrique - une lettre, par exemple, d'un personnage à l'autre qui pourrait avoir reflété et équilibré la peinture de l'état d'esprit de l'ouverture.

Il y a deux performances très fines au cœur du succès de la soirée. Baldwin utilise toute son expérience étendue dans ce répertoire comme acteur et auteur pour laisser un portrait mémorable du charme, des regrets et de la vie essentiellement irrésolue de Robert. C'est un exercice délicat de présenter une image de séducteur confiant aux côtés de celle d'un homme déchiré par toutes sortes de conflits internes et de tensions, et pourtant il le fait avec une grande habileté et humour, et des variations exquises de rythme.

Non moins subtile est l'interprétation de Ford-Lane sur Jak apparemment innocent et naïf. Au fur et à mesure que la pièce progresse, on est amené à se demander si Jak est bien la feuille blanche qu'il prétend être. Combien de ce qu'il dit est entièrement vrai? Que veut-il vraiment de cette rencontre? De plus, c'est grâce à cette performance forte et soigneusement calculée que nous percevons peu à peu les rôles d'autorité s'inverser dans les scènes ultérieures.

C'est par Jak plutôt que Robert que certaines des questions les plus importantes sur les relations homosexuelles sont posées, que ce soit sur la connexion ou la séparation de l'amour et du sexe et les conséquences qui suivent les différentes voies choisies; ou si les choix de la génération nouvellement libérée de Robert étaient les plus avisés à long terme. Il est bon de voir ces enjeux discutés une fois en dehors de la perspective du VIH/SIDA, et c'est une autre raison de saluer la décision de l'auteur de situer l'action en 1970. Le metteur en scène Joshua Stamp-Simon établit un bon rythme et veille à ce que les acteurs utilisent pleinement l'espace limité.

La musique et le théâtre musical flottent de manière importante en arrière-plan de cette pièce. Rosenfield a supervisé pendant de nombreuses années les enregistrements de spectacles à New York, notamment pour de nombreuses œuvres de Sondheim. Il n'est donc pas surprenant que la pièce contienne des interventions musicales percutantes et de nombreuses références savantes aux chansons de Sondheim. Company est explicitement mentionnée – et d'une certaine manière, toute cette pièce est une extrapolation de 'Barcelona'. 'Ma faute, je crains', dit l'un des personnages près de la fin, et à cette invocation de A Little Night Music soudain vous réalisez le ton commun de regret romantique et d'opportunités manquées semi-farcesques, et les sources des dilemmes que la pièce cherche à dramatiser. Bien que ce soit une pièce spécifiquement gay, ses piliers émotionnels se dressent fièrement en tant que thèmes généraux et éternels. Un dernier point, mais j'espère pas trop critique… Le Hope Theatre est un espace petit et intime, qui mérite beaucoup de crédit pour son choix audacieux de répertoire et sa position exemplaire sur les salaires des acteurs et artistes qui s'y produisent. Cependant, ce serait merveilleux si un patron riche des maisons voisines de Barnsbury pouvait financer un meilleur insonorisation. Dans ce drame délicat, les sirènes et le va-et-vient des voitures dans la pluie sur Upper Street étaient très distrayants. Les acteurs méritent mieux. 46 Beacon se joue au Hope Theatre jusqu'au 12 octobre 2015