ENTRETIEN : Philip Ridley, Raconter des Histoires

Phil Matthews rencontre le dramaturge renommé Philip Ridley. Sa nouvelle pièce Feathers in the Snow est présentée en première au Southwark Playhouse ce mois-ci.

Entrer au Southwark Playhouse pendant la journée est une expérience étrange. Les lumières atmosphériques et l'énergie qui font partie du caractère célèbre du théâtre ont disparu. Cela ressemble plus à être dans une discothèque après une fête. Les nettoyeurs ont rangé les vestiges de la fête hédoniste précédente, et nous nous retrouvons avec les structures nues du bâtiment - verrues et tout. Assis dans le bar du théâtre cependant, on se sent plutôt poignant, compte tenu du fait que le lieu vit ses derniers jours ici, un déménagement pour permettre la réhabilitation de la station de London Bridge. Si ces murs pouvaient parler.

Je rencontre Philip Ridley, le dramaturge renommé de The Pitchfork Disney, Mercury Fur et Shivered. Cette dernière a été présentée en première au théâtre plus tôt cette année dans une production très réussie, et maintenant il est de retour, ayant été choisi pour présenter la dernière offrande de Southwark dans le lieu, avant de déménager vers des locaux temporaires à Elephant and Castle. Feathers in the Snow, un spectacle familial, est un choix curieux pour Ridley (en photo à droite), connu autrement pour ses projets percutants et quelque peu plus controversés. Bien qu'il ait écrit des livres pour enfants. Un assez grand nombre d'entre eux en fait. Un assez grand nombre d'entre eux remportant des prix également. En fait, en lisant le CV éclectique de Ridley, on a le sentiment que c'est quelqu'un qui fait créativement ce qu'il veut, quand il veut. Comment est-il possible pour une carrière d'englober être un artiste de performance, un peintre, un romancier, un dramaturge, un scénariste, un cinéaste, un réalisateur et un photographe? Et réussir avec tous?

«Pour moi, je ne fais qu'une seule chose,» dit Ridley. «Mais c'est le paradoxe que j'ai toujours eu en en parlant. Tout ce que je fais, c'est raconter des histoires.»

Je suis frappé par la politesse et la modestie de Ridley. Les artistes de son rang ne sont-ils pas censés être sérieux, introvertis et légèrement difficiles? Au contraire, Ridley est accessible et engageant, avec une soif pour son travail.

«Parfois, une histoire me vient à l'esprit et si je la vois en termes purement visuels, alors c'est probablement un film,» continue-t-il. «Si j'entends une histoire racontée avec des personnages se parlant, alors c'est probablement une pièce de théâtre. Si je vois une histoire qui est une suite d'images, alors cela pourrait être une suite de photographies ou de peintures. Donc c'est l'histoire qui dicte le médium nécessaire pour la raconter. Ça ne m'est jamais vraiment arrivé jusqu'à ce que, d'une certaine manière, je sois critiqué pour cela par de nombreuses personnes, que je faisais des choses différentes, pour moi ce n'est qu'une chose - c'est raconter des histoires.»

C'est une manière merveilleuse de voir sa créativité, et une qui est adoptée par exemple en Amérique. En revanche, c'est presque comme si la Grande-Bretagne avait gardé un certain snobisme envers les artistes, en particulier les acteurs, qui flirtent avec une autre discipline. Je me souviens d'un ancien ami acteur, averti sans équivoque par un directeur artistique renommé, que s'il devait diriger une pièce, il devait cesser d'agir immédiatement ou risquer de ne jamais être pris au sérieux dans l'un ou l'autre. Il a suivi l'avis et est maintenant un directeur primé, une aspiration qui peut ne pas s'être matérialisée s'il avait ignoré l'avis de son mentor. Au fond de moi, je sais que mon ami a envie de revenir sur scène, mais n'ose pas. Je me demande ce que Ridley pense d'une industrie qui peut être tellement obtuse.

Il prend une gorgée de boisson et réfléchit un moment sur pourquoi le problème est si «endémique» au Royaume-Uni et «pas si mauvais» dans le reste de l'Europe même.

«L'ambition est mal vue dans ce pays, les Anglais n'aiment pas les gens ambitieux,» dit-il. «Ils n'ont jamais aimé. Tout cela change légèrement. Quand j'ai fait mon premier film, cela a commencé à se concrétiser à la fin de mes 20 ans. À ce moment-là, c'était incroyablement jeune pour faire un film dans ce pays. Vous étiez censé avoir travaillé vingt ans à la BBC et 'gagné vos ailes'. Vingt ans de désillusion derrière vous, avant que vous commenciez finalement à faire autre chose.»

Southwark Playhouse

.

Ridley a étudié la peinture à l'école d'art St. Martin dans les années quatre-vingt. À ce moment-là, cela signifiait littéralement prendre un pinceau, s'immerger dans la peinture à l'huile et l'appliquer sur la toile. Si vous faisiez autre chose, c'était «un peu suspect,» explique-t-il.

«Beaucoup de gens avec qui je parle qui ne font qu'une chose, font tous d'autres choses, c'est juste qu'ils n'en parlent pas,» ajoute-t-il. Il mentionne Howard Barker, le dramaturge qui a récemment eu une pièce au Print Room et exposait des peintures en même temps. Le réalisateur américain David Lynch est aussi peintre et musicien. Le réalisateur britannique Peter Greenaway peint également.

Ridley a embrassé sa propre ambition très tôt, prenant des décisions de carrière qui l'ont souvent mené dans de nouvelles directions créatives sans beaucoup de planification et «à l'irritation des gens qui essayaient de guider ma carrière,» sourit-il. «J'ai toujours suivi, pas délibérément, mais d'une manière ou d'une autre toujours suivi ce qui était la pensée dominante de ce que je devais faire ensuite.»

Il n'est pas surprenant alors que Ridley se soit orienté vers le cinéma. Il a écrit et réalisé deux longs métrages - The Reflecting Skin, remportant 11 prix internationaux, et The Passion of the Darkly Noon, qui lui a valu le prix du meilleur réalisateur au Festival de cinéma de Porto. Mais c'était dans les années quatre-vingt, alors qu'il étudiait, que Ridley a mis le pied à l'étrier dans une société de production de vidéos pop pour gagner «un peu d'argent de poche» supplémentaire et s'est vu offrir une opportunité unique - écrire le scénario de The Krays, avec Gary et Martin Kemp.

Ridley a rejoint la société faisant des petits boulots, puis du storyboard, mais il n'a pas fallu longtemps avant qu'il soit utilisé comme une «balle au rebond» pour les idées - une sorte de 'consultant' pour les réalisateurs travaillant sur divers projets. C'était l'âge d'or des vidéos pop avec les producteurs recevant beaucoup d'argent pour les réaliser. Cette société particulière travaillait avec Spandau Ballet et Ridley a bientôt eu vent que les célèbres frères Kemp voulaient revenir à la comédie et étaient décidés à s'attaquer aux célèbres frères des années soixante - Ronnie et Reggie.

«Gary et Martin étaient de l'Est de Londres, et cela semblait être un casting parfait, parce que vous voulez deux frères qui partagent cette chimie,» se souvient Ridley. «J'ai dit, ‘pourquoi ne pas me laisser essayer The Krays?’ Les gens essayaient de lancer ce film pendant vingt ans et cela n'avait jamais eu lieu, alors je suis parti et je l'ai simplement écrit, comme je pense qu'il devait être fait.» Gary Kemp, Billie Whitelaw et Martin Kemp dans The Krays.

Ridley a grandi dans l'East End, et dès son jeune âge a été exposé aux nombreuses anecdotes qui ont encapsulé les célèbres gangsters. «Toutes mes tantes avaient dansé avec Reggie Kray à un moment donné. J'en ai vu un quand j'étais enfant. Je connaissais la légende, et c'était leur légende qui me fascinait vraiment.»

Aborder un tel sujet pour son premier scénario est indéniablement courageux, et c'est cette ambition qui rend Ridley lui-même fascinant. Narrativement, entrer dans les détails doit avoir été un champ de mines et il admet que leur récit était «convoluté» en ce sens qu'ils ne cessaient d'aller et venir entre la prison. La clé, se souvient-il, était de regarder cela du point de vue «mythique».

Ne pas avoir peur de suivre son instinct, Ridley a fait un choix audacieux dès le départ. «La première chose que j'ai faite, et qui a choqué tout le monde à l'époque, était que j'ai dit que nous n'allions pas avoir Gary ou Martin dans le film pendant environ les 40 premières minutes,» raconte Ridley. «Nous allons nous concentrer sur l'enfance des garçons. Cela a été un grand sujet de discorde pendant un certain temps, parce que c'était évidemment Gary et Martin qui apportaient l'argent.»

«En y repensant, ce que j'ai apporté était assez clairement ce que je continuerais à apporter. Tout cela concernait l'enfance, les personnages féminins forts de l'Est de Londres, il s'agissait de crocodiles. J'ai fait le premier projet du scénario et c'était tellement peu commercial. Mais Gary et Martin ont adoré.»

Des acteurs distingués tels que Steven Berkoff, Victor Spinetti et Billie Whitelaw ont signé. Montrant un soutien significatif pour le script de Ridley, Whitelaw a pris le rôle de Violet Kray. «Elle était parfaite, et elle le savait. Elle n'avait pas fait de film depuis longtemps. Elle est revenue car elle savait qu'elle pouvait maîtriser cela. Elle était juste si encourageante. Elle a dit, ‘tu as écrit ce que tu voulais écrire pour ton premier film et tu n'as pas changé un mot et peu de gens pourraient faire cela’.” Mercury Fur, Trafalgar Studios (2012)

C'est une philosophie qui a dirigé la carrière de Ridley: Être résolu dans ses idées, avec une attitude «il suffit de le faire». Cela signifie que vous ne trouverez certainement pas une pièce de lui prenant la poussière quelque part dans un tiroir. C'est un artiste qui fait les choses, un participant, pas un anticipateur, menant le projet à terme. «Une fois que c'est écrit, je veux juste le mettre en scène,» dit Ridley.

C'est aussi pourquoi il ne prend «jamais vraiment» des commandes de théâtre. Présenter une idée va simplement à l'encontre de l'éthique de Ridley. «Je ne peux pas travailler comme ça. Je dois dire ‘voulez-vous la prochaine pièce?’ Même si je m'assieds et vous dis ‘je vais écrire ce truc sur bla, bla, bla,’ ça changerait après dix pages. Ça deviendrait autre chose. Rien de ce que j'ai jamais commencé à écrire n'est ce que j'ai fini par écrire sur n'importe quel projet,» explique-t-il avec conviction. «Ça change toujours et ça reste toujours organique.» C'est une manière courageuse de travailler mais Ridley avoue qu'il est désireux de prendre des risques. Et garçon, il en a pris assez au cours de sa carrière. La réaction qui est venue avec sa pièce de 2005 Mercury Fur, avec Ben Whishaw, a laissé Ridley «estomaqué». Après la première au Menier Chocolate Factory, c'est devenu une grande cause célèbre avec les critiques. Ses propres éditeurs, croyant que Ridley avait peut-être pris un risque trop loin, ont même refusé d'imprimer le texte. Une pièce traitant de gangs, de violence, de drogue et du meurtre d'un enfant avec un crochet à viande suscitera toujours une réaction, mais Ridley n'avait pas anticipé que des amis le renieraient. «C'est absolument vrai. Ils ont dit,‘Qu'est-ce que tu essaies exactement de dire dans ça? Essaies-tu de promouvoir le meurtre d'enfants? Est-ce que c'est ce que tu fais?’ J'étais juste tellement estomaqué.»

Il n'y a même pas un soupçon de trépidation maintenant, bien sûr. Ridley est bien trop intelligent pour tout ce non-sens. «C'était une grande production, avec Ben Whishaw pour l'amour de Dieu, tu ne peux pas te tromper! Mais pour une raison quelconque, la réaction de la presse était déterminée à ne pas voir de quoi il s'agissait. Ils étaient déterminés à la voir comme un choc-fête,» se souvient-il.

Cela n'a pas empêché le reste du monde de vouloir une part du gâteau, comme Mercury Fur est allé en première dans de nombreux autres pays; y compris en Amérique, Australie, Allemagne, Japon, France, Italie, Malte, Turquie et République Tchèque. La récente reprise aux Trafalgar Studios à Londres a vu la réaction négative de la presse originale basculer dans l'autre sens, une prémisse illogique qui amuse Ridley. «Ce n'est pas que je ne me soucie pas de ce que les critiques disent. D'une certaine manière c'est irrélevant, parce que je les ai vus changer d'avis d'un spectacle à l'autre. Ce qu'ils ont dit il y a cinq ans, ils ne le diront pas maintenant. J'ai fait de nombreuses pièces qui ont été complètement détruites à l'ouverture et ensuite elles sont dans le ‘choix de la semaine’ dans les quatre semaines,» dit-il.

«Ce n'est pas que je fais tout pour les ignorer ou quelque chose comme ça. Mais ce n'est pas l'histoire qui est racontée. L'affaire de toute œuvre d'art se déroule environ trois ou quatre ans plus tard.»

The Pitchfork Disney, revival à l'Arcola Theatre, 2011 Regardant en arrière alors sur la première pièce de Ridley en 1991, il n'y avait aucun moyen qu'il puisse anticiper le changement de vitesse qui se produisait dans la dramaturgie britannique. Par contre, Ridley faisait très bien partie de l'invasion de la fantaisie et du surréalisme sombre dans le théâtre, peut-être même en ouvrant la voie. «Je ne savais rien du théâtre, je ne savais même pas ce qu'était une Première,» avoue-t-il. «J'avais juste écrit ce truc appelé The Pitchfork Disney, comme une distillation des choses que j'avais faites à l'école d'art. Mon agent a dit ‘Je ne sais pas ce que tu as écrit, mais je n'ai jamais rien lu de tel’.”

«Personne ne l'a compris à l'ouverture. Les gens lors des premières prévisualisations étaient assis là bouche bée,» rit-il. «Vous ne vous efforcez pas consciemment de changer les choses. Vous ne savez pas quand vous êtes dans le vif du sujet. Comme vous ne savez pas quelle sera votre meilleure histoire d'amour de votre vie, jusqu'à ce qu'ils vous quittent. Vous appréciez tout en rétrospective.»

Le processus allait être une leçon énorme. «Dominic Dromgoole a écrit ce livre sur les dramaturges britanniques, où il dit que j'étais là chaque nuit à savourer et à apprécier cela,» dit Ridley, presque les yeux grands ouverts. «Ce n'était pas le cas, j'étais là la plupart des nuits pour apprendre. J'observais ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas, parce que j'écrivais déjà la prochaine pièce. C'était une énorme courbe d'apprentissage, pour voir comment tout cela s'assemble.» Ridley a suivi cela avec deux autres pièces adultes acclamées, et ensuite défié la convention de la seule façon qu'il sait. «Bien sûr, je suis parti et j'ai écrit des livres pour enfants,» sourit Ridley en connaissant.

Feathers in the Snow répétitions

Dans sa dernière production, Ridley confirme que c'est un plaisir de travailler avec la compagnie de six «acteurs très travailleurs» qui prennent 72 rôles parlants dans une pièce qui s'étend sur plus de 500 ans. «C'est génial de faire quelque chose de complètement différent,» dit-il, après une année personnellement difficile et traumatisante. Bien qu'une pièce familiale qui comporte des chansons, Ridley croit que les gens qui connaissent son travail «chercheront tous les petits morceaux et pièces qui sont évidemment moi, pour ainsi dire. J'espère qu'elle dit toujours quelque chose. C'est amusant. C'est magique.»

Ridley est «honoré» que Feathers in the Snow soit la dernière production au lieu actuel, une pièce appropriée qui porte un message de mouvement. «C'est un clin d'œil à la recherche de nouveaux pâturages. Ce sera la dernière chanson, les derniers mots qui seront entendus en termes théâtraux. Ce sera très émouvant je pense la dernière nuit.»

En concluant l'interview, je suis en admiration devant la passion de Ridley pour son travail, peu importe la discipline dans laquelle il le présente. Non seulement il suit ses instincts, il s'engage dans le travail et plus important encore, il prend des risques. C'est aussi un bon gars.

Il y a une étincelle dans l'œil de Ridley lorsqu'il offre une dernière réplique: «Nous devrions avoir notre propre émission de chat appelée ‘Les Phil's’ - ‘Après-midi avec Les Phil's’!”

Je ne mettrais pas Ridley à l'écart pour rendre tout possible. Je suis conquis.

Feathers in the Snow se joue au Southwark Playhouse jusqu'au 5 janvier 2013. Plus de détails.