CRITIQUE : Les Rois de Broadway, Théâtre du Palais ✭✭✭

Les Rois de Broadway

Théâtre du Palais

29/11/15

3 Étoiles

‘J'ai découvert que ce que l'éclairage fait pour les aspects visuels du théâtre, l'orchestration peut le faire pour les aspects auditifs.’ Jonathan Tunick

Pour seulement deux représentations, une belle brochette de chanteurs et un orchestre de trente musiciens dirigé (avec panache) par Alex Parker ont interprété une délicieuse sélection de numéros des catalogues de Jule Styne, Stephen Sondheim et Jerry Herman – tous « Les Rois de Broadway ».

Ce fut une soirée enrichissante, mais pas toujours de la manière la plus attendue ou évidente. Malgré les nombreux moments exceptionnels de chant et de jeu individuel, les véritables héros de l'événement étaient trois individus invisibles ce soir-là, dont les noms étaient nichés dans une sous-section éloignée du programme – Jonathan Tunick, Jason Carr et Martin Higgins – les auteurs des orchestrations magistrales, à la fois luxuriantes et délicates, qui ont offert les plus grands plaisirs et surprises.

Les orchestrateurs ont rarement droit à une grande couverture. Beaucoup d'entre nous supposent que les compositeurs de Broadway font et ont toujours fait leurs propres arrangements, mais cela n'a presque jamais été le cas. De plus, beaucoup repose sur le travail de l'orchestrateur : c'est plus que de la paillette et des pépites de chocolat râpées par-dessus. C'est sa palette créative qui ajoute le twist dramatique final aux intentions du compositeur. Il (et il semble toujours que ce soit lui plutôt qu'elle ?) ajoute les dernières couches de couleur et de vernis qui façonnent nos réactions. Cependant, nous avons très rarement l'occasion de voir leur travail car pour des raisons d'économie, les accompagnements habituels sont un ensemble réduit ou moins.

Ce fut donc un véritable plaisir d'avoir un orchestre de trente personnes sur scène dirigé avec élégance et panache par Alex Parker. Lorsque les cordes sont entrées pour l'ouverture de « Gypsy », il y eut une réaction visible dans le public, comme si nous réalisions soudainement ce qui nous avait manqué. J'ai pris des notes sur les glissandi de harpe, les percussions vivaces, les bavardages des bois et le discret accompagnement des cordes qui ont rehaussé des chansons familières d'une manière que je n'avais simplement pas remarquée ou appréciée auparavant. Il y avait quelques problèmes d'équilibre dans la première moitié mais après l'entracte, il y avait une interaction fructueuse et plus détendue entre les musiciens et les chanteurs opérant depuis l'avant-scène.

Ce n'était pas une soirée qui cherchait à trouver des liens thématiques profonds entre Styne, Sondheim et Herman : c'était simplement une célébration de leur immense contribution à l'histoire de Broadway qui mélangeait judicieusement beaucoup des chansons individuelles les plus célèbres aux côtés de matériel moins familier. Ce sont certains de ces joyaux peu connus qui ont le plus attiré mon attention. Dans le cas de Herman, c'était un rappel de combien de beaux numéros il y a dans « Mack and Mabel » que nous ne connaissons pas aussi bien que nous le devrions ; pour Styne, qu'il y a tant de numéros de personnages autonomes qui n'ont pas autant voyagé qu'ils le devraient parce que les spectacles dont ils sont issus n'ont pas eu une longue vie ; et enfin, un rappel du miracle qu'est la capacité ingénieuse de Sondheim à évoquer de telles profondeurs d'émotion en recombinant ce qui sont à l'origine juste de minuscules bribes de mélodie et fragments d'harmonie.

Les vingt-deux chanteurs ont couvert de nombreuses générations et niveaux d'expérience et la plupart ont bien saisi leurs opportunités, mais surtout ceux qui étaient habiles à faire du microphone à main leur ami plutôt que leur ennemi. Il y avait beaucoup de solos remarquables, de duos dynamiques et de numéros de groupe, mais là où ce format s'est le plus affirmé, c'est dans les plusieurs medleys choisis soit dans un seul spectacle soit pour illustrer un seul genre de chanson (par exemple, et de manière très perspicace - « Parades »). Vous n'entendez jamais de chansons dans ces regroupements en dehors des événements de célébration, et il y a donc de nombreux points de comparaison perspicaces à faire.

Avec une telle variété de matériel à l'affiche, toute sélection de moments forts est encore plus subjective qu'à l'accoutumée dans une critique. Cela dit, j'ai été particulièrement séduit par les versions de Caroline O'Connor de « Broadway Baby » et « Time Heals Everything », qui ont vraiment développé le personnage autant que la ligne mélodique. Parmi les interprètes moins connus, Richard Fleeshman a fait un excellent travail avec « Buddy's Blues », une de ces chansons qui est difficile à réussir sans le contexte de la scène (de « Follies ») avec laquelle travailler, et Bradley Jaden a donné une lecture intrigante et originale de « Maria » de « West Side Story ». Anna O'Byrne et Jack North ont offert une version délicieuse de « Let's See What Happens » de l'obscur « Darling of the Day », et North a encore une fois conduit le chemin dans un parfait « Mettez vos habits du dimanche », qui a servi de finale à l'ensemble.

Peut-être que le cœur émotionnel du spectacle était à retrouver dans une séquence de numéros de personnages pour dames de premier plan, qui ont montré les trois compositeurs à leur ultime meilleur. J'ai déjà mentionné Caroline O'Connor, mais Caroline Sheen, Anne Reid, Laura Pitt-Pulford et Janie Dee ont toutes creusé profondément dans ces chansons, qui semblent capables d'une réinvention infinie dans les mains de différentes générations d'interprètes. Peut-être que c'est le meilleur marqueur de la qualité intemporelle de ces compositeurs, et le meilleur témoin de leur pertinence dramatique et de leur importance émotionnelle aujourd'hui.

Mais pour revenir un instant au thème de mes commentaires d'ouverture, malheur au chanteur qui ne prête pas attention au détail de l'orchestre ! Je ne veux pas en faire un gros sujet mais c'était une erreur pour Janie Dee, dans une interprétation autrement excellente de « The Ladies who Lunch », de s'écarter des paroles et de porter un second toast à Pinter plutôt qu'à Mahler, car il y a un sympathique gazouillement des bois de la citation de la “Quatrième Symphonie” de Mahler intégré avec soin dans la partition à cet endroit.

Ce fut une soirée délicieuse, débordante de talent en tous points, et constamment agréable. Il est bon de pouvoir prendre du recul parfois et réfléchir aux joies musicales détaillées de ces compositeurs absentes de l'appareil scénique. Cependant, même en tenant compte du manque de temps de répétition, il y avait des bouts en vrac et des aspects de production désordonnés qui auraient pu et dû être corrigés à temps. Certains chanteurs ont présenté leurs numéros, tandis que d'autres ne l'ont pas fait, et si nous ne pouvons pas toujours avoir un animateur avec les qualités que l'impeccable feu Ned Sherrin a montrées dans « Side by Side by Sondheim », c'était une soirée qui criait pour une telle figure pour présider et lier les événements. Le Palais et le Palladium sont de superbes vitrines pour des spectacles comme celui-ci, mais comme de grands navires, ils nécessitent une manipulation soigneuse et ne peuvent pas être pris pour acquis. L'éclairage, la chorégraphie, la continuité et la conception sonore avaient besoin de plus de travail dans ces environnements et espérons que la prochaine fois, ils l'auront. Si c'est le cas, alors il y aura certainement une autre étoile épinglée au grand mât par moi.