RESEÑA: Tickle, el musical, King's Head Theatre ✭✭✭

Julian Eaves reseña Tickle, un nuevo musical ambientado en el mundo de las competiciones de resistencia a las cosquillas, actualmente en cartel en el King’s Head Theatre de Londres.

El elenco de Tickle, el musical. Tickle

16 de octubre de 2019

King's Head Theatre

3 estrellas

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Chris Burgess es un compositor inteligente y con mucho talento, y además uno de los grandes exponentes de la escritura de revue en este país, lo que le sitúa en un grupo muy selecto.  La revue es una forma notoriamente «difícil», en la que el éxito depende en gran medida de saber construir momentos individuales, con personalidad propia, enlazados en torno a un «tema» general, pero lo bastante autónomos como para entenderse por sí mismos, sin necesidad de remitirse al resto del conjunto.

Ben Brooker y James McDowell en Tickle, el musical.

Es precisamente esa habilidad —ese talento— en la revue lo que hace que no sea especialmente idóneo para escribir musicales con libreto.  Aun así, ha escrito —y yo he visto— varias comedias musicales narrativas, con estructura de historia, ninguna de las cuales me ha hecho cambiar de opinión: este gran autor de revues resulta un escritor problemático de musicales.  Y esta última propuesta de Lambco Productions, un mini musical de cámara que explora el peculiar mundillo del «Competitive Endurance Tickling», no es —por desgracia— una excepción.

Inspirada de manera libre, y de forma mucho más simple, en el éxito inesperado de 2016, el filme independiente neozelandés 'Tickled', esta pieza de 75 minutos prescinde del formato documental de la película y de sus momentos realmente más oscuros, casi de thriller, para contarnos lo que les ocurre a dos jóvenes atractivos que, de algún modo, acaban reclutados en el inimaginable —y hasta ahora completamente invisible— mundo de intentar hacer reír a otros chicos atractivos no contándoles chistes, sino manipulándoles el cuerpo con los dedos o con plumas.  Las asociaciones homoeróticas son, naturalmente, negadas de forma obsesiva por los organizadores, que prefieren convencerse —y convencer a los chicos hetero y guapos que reclutan— de que todo es completamente inocente.  Es una historia extraña, tratada —al principio— de manera literal y totalmente convencional, lo que provoca transiciones bastante bruscas cuando entran en escena los personajes más sórdidos.

Richard Watkins y Amy Sutton.

Así, tras el número de apertura —vistoso, aunque quizá demasiado «Sondheim se encuentra con Urinetown»—, 'Drab Town', cambiamos de registro y escuchamos un dúo sencillamente precioso e impecablemente integrado para los dos protagonistas, 'Beautiful': es, desde luego, una gran canción y muestra a Burgess en su mejor versión.  Si solo escribiera —o publicara— temas de esta calidad, sería famoso internacionalmente.  Luego damos un bandazo hacia el muy distinto, cuasi parlato, tenso, 'It's Not Gay', y nos topamos con el gran vicio que Burgess tiene como compositor: letras excesivamente densas.  Incluso en la acústica seca e íntima del diminuto King's Head Pub Theatre, sin resonancia de amplificación y con el acompañamiento de teclado, muy bien calibrado, del director musical David Eaton, este reparto con talento se ve a menudo en una auténtica pelea para sacar adelante los atracones de sílabas que Burgess les obliga a escupir.  Desde luego, mirando de nuevo a Sondheim (como estoy seguro de que Burgess hace a menudo), es posible escribir pasajes rápidos, siempre que se tenga muchísimo cuidado con qué consonantes y vocales se usan y cómo se colocan, y —sobre todo— con cuánta carga expositiva se les pide que soporten.  Las mejores canciones de patter son narrativamente prescindibles: piezas de lucimiento verbal.  Aquí no.  Tenemos que esforzarnos por escuchar, temiendo perdernos puntos de trama.

James McDowell y Ben Brooker.

Ben Brooker, como el gay Callum, y James McDowell, como el objeto de su afecto, el hetero Chris, son más que conscientes de ello, y a menudo se les ve jadeando mientras disparan las partes más endiabladas de la escritura de Burgess.  Lo mismo ocurre con Amy Sutton en el papel de la villana, Davina Diamond.  Chapó a los tres por intentarlo a fondo, pero para ellos es una cuesta arriba.  El número drag de Richard Watkin, Tina Tickle, sale bastante mejor parado, con canciones generalmente más brillantes, más guiadas por la melodía, auténticos «temas de espectáculo» para su personaje de camp elevado—incluida la dirección del estupendo número final, 'What Would Julie Andrews Do?'.  Pero el propio calvario de Watkins está en el peligroso registro agudo que se le pide superar con frecuencia, sin —del todo— tenerlo dentro de su tesitura.

Sinceramente, ¿por qué, con un espectáculo completamente nuevo, con el que pueden hacer lo que quieran, los autores someten a su elenco a dificultades así?  Esto ocurre constantemente.  Me cuesta creer, francamente, que el director musical y el director de escena, Robert McWhir —reflexivo, inteligente y sensible—, no sugirieran con educación, en más de una ocasión, reescrituras para ajustarse a las habilidades concretas del reparto que tenían.  Puede que me equivoque: no sé que esto sea un hecho, pero me parece muy improbable que nadie advirtiera los escollos de la partitura o —si lo hicieron— que no dijeran nada al respecto.

Sea como fuere, el espectáculo está iluminado de maravilla —por el productor— y, al menos en el final tardíamente glamuroso, cuenta con algunos movimientos agradables del coreógrafo Sam Spencer-Lane.  El diseño es minimalista —aprovechando un decorado con telas del espectáculo presentado antes esa misma noche—, pero el vestuario es contemporáneo y, al final, incluye muchas plumas.  Llevé a un amigo que no sabe nada de musicales, y le gustó.  Quienes tengan un ojo más entrenado y crítico quizá encuentren algunas partes menos fáciles de aceptar.

Hasta el 26 de octubre de 2019 en el King's Head Theatre