RESEÑA: Thérèse Raquin, Teatro Finborough ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman y Julie Atherton en Thérèse Raquin en el Finborough Theatre, Londres. Fotografía: Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, transferencia al Park Theatre

30 de marzo de 2014

4 Estrellas

El erotismo cargado y la languidez de la obra maestra literaria de Émile Zola, Thérèse Raquin, parece un tema poco probable para un musical. Pero también podrías decir eso sobre la historia de Sweeney Todd, el trasfondo de El Mago de Oz o una novela de Victor Hugo. La verdad es que si encuentras la forma correcta, y, crucialmente, un compositor en sintonía con la obra, todo puede transformarse en un musical.

Actualmente en cartelera en el Finborough Theatre se presenta una "adaptación radical" de la obra de Zola por Nona Shepphard, con música de Craig Adams. Es una obra maestra.

Aunque Zola fue un defensor del naturalismo en la literatura y el teatro, el enfoque aquí no es enteramente naturalista, lo cual no significa que las actuaciones no busquen la verdad y la honestidad del momento. La acción de la novela se trunca y condensa, sabiamente, y se utiliza un coro de tres mujeres para explorar los pensamientos no revelados de Raquin. Al igual que un coro griego, el conjunto aquí observa, comenta y anota la acción, los pensamientos, las situaciones de los cuatro personajes principales. Muchas veces los personajes cantan directamente al público, pero esto sirve únicamente para realzar el efecto de las secciones donde los personajes se cantan entre sí.

Hay muchos toques sumamente efectivos: comienza con algo de francés y luego se transforma en inglés; la secuencia de apertura destaca la disección médica objetiva de lo que sucede, así como el enfoque intenso en las emociones internas y la psicología; el cuadro de apertura establece instantáneamente el tono oscuro de la pieza mientras que al mismo tiempo crea una falsa impresión para aquellos que no conocen la trama; el abrigo de Madame se convierte hábilmente en su querido gato y cobra vida propia; Thérèse no pronuncia un sonido durante lo que parece una eternidad, pero cuando lo hace es un grito desesperado, salvaje, animal, orgásmico de liberación que deja sin duda sobre lo que está sucediendo en la oscuridad

La música es compleja y difícil, pero absolutamente cautivadora. James Simpson hace un trabajo notable dando vida a la partitura en el piano, pero a pesar de sus formidables habilidades al teclado, es imposible no añorar una orquestación que incluya, al menos, cuerdas, percusión y maderas. Esta es una partitura que florecería y crecería con un arreglista talentoso.

Más Stravinsky que Sondheim, más Guettel que Gershwin, más Rutherford que Rodgers, más Berlioz que Berlin, la música aquí no es para aquellos que quieren musicales que puedan tararear en el metro de regreso a casa. Tampoco es para aquellos que desean grandes números de producción con claqué y pirotecnia.

No. El propósito de la partitura aquí se centra enteramente en iluminar la trama y los personajes, construyendo ambiente, tensión y erotismo, impulsando y dando vida a los personajes centrales. Y lo hace de manera notablemente hábil, ya sea a través de las secuencias de Orgía Altamente Respetable (involucrando dominó, té y chismorreo), o Dulce Perfume de Violetas (el descenso de Laurent hacia la locura entre los cuerpos en la morgue) o Si Hubiera Sabido (Thérèse y Laurent en su lamento final) o cualquier número de momentos musicales notables.

Ayuda que el talentoso conjunto pueda manejar y entregar la partitura - con pasión, gran tono y un excelente oído para el tono y armonías inesperadas y modulaciones. Son un placer de escuchar incluso si la música no siempre es alegre.

Julie Atherton es una intérprete potente, pero nunca la he visto tan buena, tan completamente consumida en un papel, como está aquí como Thérèse. La intensidad sombría que aporta al primer tercio de la obra, cuando no emite ningún sonido, es remarkable y su sensación de estar atrapada y desesperadamente infeliz es palpable. Su lujuria por Laurent, su disgusto por Camille, su miedo y su irritación con Madame – todo esto se transmite simultáneamente con urgente facilidad. La mirada en su rostro cuando ve a Laurent por primera vez te dice exactamente lo que va a suceder. El contraste entre su angustia antes de su unión con Laurent y su felicidad total después es hipnotizante. No da un paso en falso aquí y canta con una claridad y una amplitud de rango que es genuinamente emocionante.

La representación físicamente soberbia y vocalmente magnífica de Ben Lewis como Laurent iguala la intensidad y el compromiso de Atherton con la pieza. Él también está silencioso y ceñudo por algún tiempo y su presentación, a través de Camille, le da tiempo para crear una rica caracterización. Sus escenas con Atherton son mágicas, pero también lo es su solo cuando busca el cadáver de Camille en la morgue. Hay un compromiso completo en todo momento: con la violencia, el sexo, la obsesión de Camille, el descenso a la desesperación y luego el decisivo dúo final que termina su aventura. Lewis es un líder destacado y aquí es llevado a sus límites, dramáticamente y vocalmente, y sale triunfante.

Como el insufrible llorón y matón lloriqueante que es Camille, Jeremy Legat es deliciosamente vil. Santurrón y arrogante, logra dar vida a este personaje tan tedioso, incluso un destello de empatía. Canta bien y es especialmente impresionante en sus apariciones después de su ahogamiento: es difícil hacer que las apariciones fantasmas sean impactantes o reales, pero Legat lo logra aquí. Y su maravillosa relación con su madre, Madame, está bellamente detallada y es absolutamente creíble.

Tara Hugo no tiene dificultades para interpretar los extremos que componen a Madame: su rigidez formal; su adoración incondicional por Camille; su superioridad y condescendencia hacia todos excepto Camille; su amor por su gato; su alegre chismosería con su grupo de dominó; su devastación por la pérdida de Camille; su parálisis cuando se entera de la verdad; el veneno en sus ojos cuando mira con odio a quienes le robaron su felicidad. Interpreta el papel con deleite, estilo y una habilidad tremenda. Pero, vocalmente, no está a la altura de las demandas extremas del papel y aunque esto no socava el espectáculo, tampoco permite que la parte se eleve como podría hacerlo.

El Finborough es un espacio pequeño, pero el ingenioso y creativo decorado de Laura Cordery no desperdicia espacio y es notablemente efectivo para establecer el periodo, el lugar y el sentido de enfoque emocional intenso en el que prospera la obra de Zola. (Me encantó el cristal que se convirtió en un atril de artista). La iluminación de Neil Fraser también es excelente y añade incalculablemente a la experiencia.

El logro de Nona Shepphard aquí es realmente asombroso: es un estreno sensacional de una obra nueva. Por qué no está en el National es uno de los misterios de la vida.