RESEÑA: Thérèse Raquin, Teatro Finborough ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman y Julie Atherton en Thérèse Raquin en el Finborough Theatre, Londres. Foto: Darren Bell Thérèse Raquin en el Finborough Theatre, con traslado al Park Theatre

30 de marzo de 2014

4 estrellas

La obra maestra literaria de Émile Zola, lánguida y cargada de erotismo, Thérèse Raquin, parece un tema poco probable para un musical. Pero también podría decirse eso del relato de Sweeney Todd, o de la historia de fondo de El mago de Oz, o de un tomo de Victor Hugo. La verdad es que, si encuentras la forma adecuada y, crucialmente, un compositor en sintonía con la obra, cualquier cosa puede convertirse en un musical.

Ahora en cartel en el Finborough Theatre se presenta una «adaptación radical» del trabajo de Zola firmada por Nona Shepphard, con música de Craig Adams. Es una obra maestra.

Aunque Zola fue un defensor del naturalismo en la literatura y el teatro, el enfoque aquí no es enteramente naturalista; lo cual no significa que las interpretaciones no busquen la verdad y la honestidad del momento. La acción de la novela se recorta y se condensa —con buen criterio—, y se utiliza un coro de tres mujeres para asomarse a los pensamientos no revelados de Raquin. Como un coro griego, el conjunto observa, comenta y toma nota de la acción, los pensamientos y las situaciones de los cuatro personajes principales. Muchas veces los personajes cantan directamente al público, pero esto solo sirve para intensificar el efecto de las secciones en las que los personajes se cantan entre sí.

Hay muchos hallazgos extraordinariamente efectivos: comienza con algo de francés y luego se transforma en inglés; la secuencia inicial subraya la disección médica, objetiva, de lo que sucede, así como el intenso foco en las emociones internas y la psicología; el tableau de apertura establece al instante el tono oscuro de la pieza y, al mismo tiempo, crea con astucia una falsa impresión en quienes no conocen la trama; la piel de Madame se convierte de forma ingeniosa en su querido gato y cobra vida propia; Thérèse no emite ni un sonido durante lo que parece una eternidad, pero cuando lo hace es un chillido desesperado, salvaje, animal y orgásmico de liberación que no deja duda de lo que ocurre en la oscuridad.

La música es compleja y difícil, pero absolutamente seductora. James Simpson hace un trabajo notable dando vida a la partitura al piano pero, pese a su formidable técnica de teclado, es imposible no añorar una orquestación que incluya, como mínimo, cuerdas, percusión y maderas. Es una partitura que florecería y crecería con un orquestador con talento.

Más Stravinski que Sondheim, más Guettel que Gershwin, más Rutherford que Rodgers, más Berlioz que Berlin, la música de esta propuesta no es para quienes quieren musicales que puedan tararear en el metro de vuelta a casa. Tampoco es para quienes desean grandes números de producción con claqué y brillo.

No. El propósito de la partitura aquí está totalmente centrado en iluminar la trama y los personajes, construir atmósfera, tensión y erotismo, impulsar y dar vida a los personajes centrales. Y lo hace con una habilidad extraordinaria, ya sea a través de las secuencias de Highly Respectable Orgy (con dominó, té y cotilleo), o Sweet Perfume of Violets (el descenso de Laurent a la locura entre los cuerpos de la morgue), o If I Had Known (Thérèse y Laurent en su lamento final), o cualquiera de los muchos momentos musicales memorables.

Ayuda que el talentoso elenco sea capaz de abordar y entregar la partitura con pasión, gran calidad de tono y un excelente oído para la afinación y para armonías y modulaciones inesperadas. Es un placer escucharles, incluso cuando la música no es precisamente alegre.

Julie Atherton es una intérprete poderosa, pero nunca la había visto tan bien, tan completamente consumida por un papel, como aquí en el de Thérèse. La intensidad sombría que aporta al primer tercio de la obra, cuando no pronuncia una palabra, es notable, y su sensación de estar atrapada y desesperadamente infeliz se palpa. Su deseo por Laurent, su repulsión hacia Camille, su miedo y su irritación ante Madame: todo se transmite a la vez con una urgencia sorprendentemente natural. La expresión de su rostro cuando ve por primera vez a Laurent te dice exactamente lo que va a ocurrir. El contraste entre su angustia antes de unirse a Laurent y su felicidad absorbente después resulta hipnótico. No da un paso en falso y canta con una claridad y una amplitud de registro auténticamente emocionantes.

El Laurent de Ben Lewis, físicamente imponente y vocalmente magnífico, iguala la intensidad y el compromiso de Atherton con la pieza. Él también permanece en silencio y ceñudo durante un buen rato, y su introducción, a través de Camille, le da tiempo para construir una caracterización rica. Sus escenas con Atherton son mágicas, pero también lo es su solo cuando busca el cuerpo de Camille en la morgue. Hay una entrega total de principio a fin: a la violencia, al sexo, a la persecución fantasmal de Camille, al descenso a un abandono desenfrenado y, finalmente, al dúo decisivo que pone fin a su relación. Lewis es un protagonista sobresaliente y aquí se le lleva al límite, dramática y vocalmente, y sale triunfante.

Como el insoportable pusilánime y matón llorón que es Camille, Jeremy Legat resulta deliciosamente repugnante. Remilgado y esnob, consigue dar vida a este personaje tan tedioso, incluso aportándole una pizca de empatía. Canta bien y está especialmente impresionante en sus apariciones después de ahogarse: es difícil hacer que las apariciones fantasmales resulten impactantes o reales, pero Legat lo consigue aquí. Y su magnífica relación con su madre, Madame, está detallada con belleza y es completamente verosímil.

Tara Hugo no tiene ninguna dificultad para interpretar los extremos que componen a Madame: su rígida formalidad; su adoración inquebrantable por Camille; su superioridad y condescendencia con todos salvo con Camille; su amor por su gato; su alegre cotilleo con su grupo de dominó; su devastación por la pérdida de Camille; su parálisis cuando descubre la verdad; el veneno en sus ojos mientras fulmina con una mirada siniestra a quienes le robaron la felicidad. Interpreta el papel con deleite, estilo y una destreza formidable. Pero, vocalmente, no está a la altura de las exigencias extremas del rol y, aunque esto no perjudica el espectáculo, tampoco permite que el personaje se eleve todo lo que podría.

El Finborough es un espacio diminuto, pero el ingenioso y creativo diseño de escenografía de Laura Cordery no desperdicia ni un centímetro y resulta extraordinariamente eficaz para establecer la época, el lugar y esa sensación de intenso foco emocional en la que la obra de Zola prospera. (Me encantó el cristal de la ventana que se convertía en un caballete.) La iluminación de Neil Fraser también es soberbia y suma de manera incalculable a la experiencia.

El logro de Nona Shepphard aquí es, en verdad, asombroso: un estreno sensacional de una obra nueva. Por qué no está en cartel en el National es uno de esos misterios de la vida.