RESEÑA: La casa de Bernarda Alba, Teatro Nacional ✭✭✭✭

Paul T Davies reseña La casa de Bernarda Alba, de Lorca, en el National Theatre.

Harriet Walter. Foto: Marc Brenner La casa de Bernarda Alba. National Theatre.

28 de noviembre de 2023

4 estrellas

Arrancando el mismo día del funeral de su marido, Bernarda Alba anuncia ocho años de luto y se encierra, junto a sus cinco hijas, en su asfixiante casa. La última obra maestra de Lorca, montada apenas unas semanas antes de su muerte ante un pelotón de fusilamiento, Bernarda se ha leído como una metáfora del fascismo español y de la Guerra Civil de 1936. La escenografía de Merle Hensel crea, literalmente, una prisión distribuida en tres niveles, donde cada estancia es, en la práctica, una celda y apenas hay nada que se oculte; se siente como un cruce entre Lorca y Prisoner: Cell Block H. Para mí, ahí está la mayor debilidad de esta producción. La directora del momento, Rebecca Frecknall (Cabaret, Un tranvía llamado Deseo), arroja, de forma literal, una luz fluorescente sobre asuntos y emociones que normalmente permanecen ocultos, insinuados y sutiles. Por lo general, no se ve a ningún hombre y los vecinos del pueblo permanecen fuera de escena. Aquí, Frecknall trae al galán local Pepe el Romano (prometido con la hermana mayor, Angustias, en un arreglo económico, ya que ella heredó el dinero del padre, pero él se acuesta noche tras noche con la hermana menor, Adela) a escena desde el principio, bailando como el semental salido en el Acto Tres. Él —y también los vecinos que buscan venganza contra la pobre muchacha del pueblo que mató a su hijo ilegítimo— aparecen hilados a lo largo de la puesta en escena, y resulta innecesario. La obra empieza a decirnos cómo deberíamos sentirnos, en lugar de mostrarnos cómo se sienten los personajes.

La casa de Bernarda Alba. Foto: Marc Brenner

Para mí, eso crea una grieta en la propuesta, porque, mientras las ocurrencias de la dirección acaparan la atención, el reparto está soberbio. El tema y la opresión son dolorosamente pertinentes, y a la cabeza está una interpretación magnífica de Harriet Walter como Bernarda. Con demasiada frecuencia, el riesgo es presentar a Bernarda como una tirana pura, unidimensional en su crueldad. Aquí no. La ventaja de esta casa abierta es que vemos su angustia íntima cuando no está delante de sus hijas y criadas, y percibimos las presiones que ella misma se impone, además de las sociales. Su primera —y última— palabra en la obra es «Silencio», y hace algo con ese silencio final que no había visto nunca a otra intérprete. Es desgarrador y uno de los momentos teatrales del año. Le da la réplica la estupenda Poncia de Thusitha Jayasundero, una criada sufrida y veterana, madre sustituta de las chicas, que las entretiene con sus pícaras historias sobre su marido y ve cómo se despliega la tragedia aunque Bernarda sea incapaz de verla. Eileen Nicholson está a punto de robarse la función como la madre de Bernarda, María Josefa, afectada por la demencia: el miembro más libre de la casa, que dice verdades sobre las hijas mientras lamenta la pérdida de su hijo y la ausencia de hombres en el hogar. Las hijas están impecables en conjunto; la situación, como una olla a presión, las convierte en carceleras unas de otras, y me habría implicado igual si hubieran actuado sobre un escenario desnudo.

Foto: Marc Brenner

La versión de Alice Birch, quizá influida por su trabajo con Clean Break, salpica el texto con la palabra «fuck», y resulta muy incongruente en boca de estas mujeres reprimidas de los años treinta, aunque sí subraya lo uniforme de su situación. Para mí, eso acentúa la dicotomía en el corazón de la producción. Innegablemente inventiva, la interpretación es tan poderosa que, a menudo, la producción termina desviando el foco del conjunto.