RESEÑA: The Gin Game, Teatro Golden ✭✭✭

The Gin Game

Teatro Golden, Broadway

15 de octubre de 2015

3 Estrellas

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Ella es frágil, enjuta, inteligente. Quizás esté enferma, pero hay un vívido sentido de vida en cada fibra suya. Puede tener 90 años, pero el tiempo no la ha desechado. Tiene una sonrisa rápida, una lengua afilada, ojos penetrantes: no parece que mucho se le escape. Pero es innegablemente anciana. Y parece muy sola.

Él es un hombre recio y corpulento, o, más bien, los restos de un hombre. Él también parece muy viejo, aunque no tanto como ella. Es mucho más alto, más ancho, más grueso, un gran oso de hombre. Sus ojos son brillantes, pero no tanto como los de ella; se mueve más despacio, pero es evidente que podría moverse rápido si quisiera. Su temperamento es explosivo, algo que se demuestra muy pronto.

Él la anima, la coacciona para jugar al Gin Rummy con él. Él quiere ganar; ella siempre lo hace, ya sea que conozca las reglas, el juego o el curso más seguro. Cuando él vuelca la mesa de cartas en un arrebato incontrolable por su destreza con las cartas, no puedes evitar temer por su seguridad. Podría romperle el cuello fácilmente en un arrebato temible.

Mis compañeros de audiencia, sin embargo, pensaron que era divertido.

Esta es la reposición de The Gin Game, la obra ganadora del Premio Pulitzer de D.L. Coburn, dirigida por Leonard Foglia y que ahora se presenta en el Teatro Golden de Broadway. Cuando se produjo por primera vez en Broadway, en 1977, protagonizaba el dúo de marido y mujer, Jessica Tandy y Hume Cronyn. No ganó el Premio Tony a la Mejor Obra, pero Tandy se llevó el galardón a la Mejor Actriz. Cómo ganó un Premio Pulitzer es una incógnita, ya que es una obra sencilla y sin complicaciones, la primera de Coburn para el teatro.

El secreto, se sospecha, radica en la química de los dos intérpretes. Con Tandy y Cronyn, vino integrada: esta es una obra sobre extraños que llegan a encontrar sus similitudes, sus puntos de fusión, poniendo a prueba los límites del otro. Para Tandy y Cronyn, debe haber sido como respirar, como sugiere la película de su actuación. Otras producciones han confiado en una química similar: Mary Tyler Moore y Dick Van Dyke; Julie Harris y Charles Durning. La química entre los dos viejos combatientes es realmente la clave.

Y no se puede negar que Cicely Tyson y James Earl Jones tienen química, la clase de química que tienen un marido abusivo y su esposa sufrida. Es temerosa, aterradora, cargada de emoción y totalmente creíble: miles de mujeres en todo el mundo, occidentales y orientales, conocen bien ese tipo de relación.

Simplemente no es divertida. Al menos, no divertida a mi parecer. Los miembros de la audiencia alrededor de mí se carcajeaban sin fin, incluso cuando las lágrimas se formaban trágicamente en los ojos de Tyson, incluso cuando Jones estaba horrorizado por lo que había hecho pero seguía haciéndolo. ¿Pero qué tiene de divertido que un hombre ataque violentamente a una mujer, con palabras, intenciones, pensamientos y acciones, especialmente cuando sabe que eso la asusta?

Las actuaciones me parecieron finamente juzgadas, quizás yendo a un lugar donde las producciones anteriores no habían ido. Hay una crudeza, un borde doloroso en la exasperación de Jones que está impregnado de violencia doméstica de hombre a mujer. No hay nada de malo en eso, es una lectura que funciona perfectamente. Simplemente no resulta en una noche agradable de risas simpáticas en el teatro.

Este es el gran problema aquí. Estos actores tan queridos son queridos por quienes son, lo que han hecho antes, más que por lo que hacen aquí. En la típica y obsequiosa moda de Broadway, son aplaudidos a su entrada, antes de haber hecho algo para merecerlo. Este sentido de "son estrellas" impregna la acción, adormece o permite a la audiencia creer que la obra será un buen momento, lleno de diversión. O quizás la audiencia simplemente lo espera y lo insiste como su reacción.

Para mí, sin embargo, eso es incomprensible.

Ambos actores aquí están haciendo algo bastante diferente de una comedia de sala. Están intentando demostrar un punto y, valientemente, uno que se extiende más allá de la comunidad caucásica. El maltrato a las mujeres está en todas partes y debe ser detenido, eso es lo que este versión de The Gin Game grita. Simplemente que nadie parece estar escuchando.

Tyson es particularmente efectiva. Ella está maravillosamente viva y ágil como Fonsia, la residente del asilo que aún quiere vivir y que, sobre todo, quiere compañía. Prácticamente suplica a Jones que la adopte como su pareja, y sus "rebeldías" contra su mal comportamiento tienen todos los rasgos de una esposa maltratada y leal. La escena donde bailan juntos es extremadamente trágica: muestra lo que podrían tener, si tan solo ambos, no solo Jones, sino ambos, lo permitieran.

Porque la Fonsia de Tyson insiste en ser la más lista. Bastante justo, ya que claramente lo es. Pero su persistencia en esto tiene consecuencias para ella; la ira y el disgusto de Jones y, posiblemente al final, el rechazo total. ¿Es este el resultado correcto para ella? ¿Permitirle ganar de vez en cuando, llamado compromiso en la terapia de pareja, creo, permitiría una coexistencia más feliz?

¿Es mejor para Fonsia afirmar siempre su astucia intelectual sobre el Weller de Jones? Al explorar las vidas y debilidades del otro mientras juegan al Gin Rummy, ¿es necesario que ella le refriegue su astucia? ¿Debería importarle tanto a él que lo haga? ¿Debería ella perdonar su agresión física violenta y tempestuosa o hacer lo que pueda para asegurar que esa agresión nunca se cristalice?

Estas son preguntas que se encuentran en el corazón del gran drama. The Gin Game puede que no esté en la liga de los grandes dramaturgos modernos, pero esta producción le da la oportunidad de aspirar a ese nivel. Tyson lo entiende; no está claro que Jones lo entienda, o pudiera.

Sin duda, Jones tiene una de las grandes voces teatrales. Sus sonidos bajos, de fondo oceánico son realmente extraordinarios, y cuando se toma el tiempo para permitir que su voz se suavice y brille, es verdaderamente impresionante escucharlo en cualquier escenario. Hay un rigor sonoro que es seductor. Pero, igualmente, no puede sacudirse el brillo y la imagen de Darth Vader (¡y por qué lo haría!) así que a menos que trabaje muy duro en ello, el sentido de peligro está siempre presente.

Así que, en esta producción, Jones se convierte en el Stanley Kowalski del asilo, capaz de verdadera violencia pero no necesariamente violencia intencionada. Se alimenta de la Fonsia similar a un conejo de Tyson con verdadera habilidad, ambos dejan claro el cazador y el cazado. El problema es que el texto realmente ve a Fonsia como la cazadora...

Actores siendo actores, toman su pista de las audiencias. Las risas vienen. Y así las actuaciones se ajustan para adaptarse y lograr más risas. Es comprensible.

Pero, también es totalmente incorrecto. Con este elenco, esto no es una comedia. Es un drama crudo y maravilloso sobre las batallas de los sexos y cómo esas batallas no disminuyen con el paso del tiempo. Antonio y Cleopatra se pueden encontrar en asilos, jugando Gin Rummy y probándose y provocándose mutuamente. La edad no disminuye los rasgos inherentes reforzados por la sociedad.

Foglia debe cargar con la responsabilidad allí. Si esto se suponía que era una oportunidad para reimaginar esta obra para una nueva audiencia, para nuevos tiempos, con combatientes centrales completamente diferentes, fracasa. Podría haber sido una exploración candente y abrasadora de la disfunción sexual y social, y con este elenco, podría haber sido. Tyson definitivamente podría hacerlo; Jones, probablemente, con la visión directorial correcta.

En cambio, la obra apunta al despreciable término medio, donde la violencia contra las mujeres es divertida y las audiencias lo encuentran así. Tomar el camino menos transitado, como Robert Frost sabía muy bien, habría marcado toda la diferencia.

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