RESEÑA: Un lunar en el sol, Teatro Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Ethel Barrymore Theatre

8 de abril de 2014

4 estrellas

A menudo ocurre que la gente abandona las producciones teatrales durante el intermedio. Puede haber muchas razones. Esta noche, más de veinte personas se levantaron y se fueron de la reposición de Raisin In The Sun, que se está representando en el Ethel Barrymore Theatre de Broadway. Todos los que se marcharon eran blancos y mayores de 40 años. Algunos dijeron cosas como «No necesito ver eso en un escenario» y «Vaya mierda». Cuatro personas compartieron el comentario: «De vuelta a Florida, donde esta mierda no pasa».

De verdad.

Estamos en 2014.

La obra Raisin In The Sun, de Lorraine Hansberry, se estrenó por primera vez en Broadway en 1964. Fue la primera mujer afroamericana en ganar el New York Drama Critics Circle Award. Su obra fue un logro trascendental.

Y lo sigue siendo.

Hay muy pocas obras que aborden la vida de los afroamericanos en Estados Unidos. Esta es extraordinaria en todos los sentidos: un diálogo inteligente y perspicaz; personajes que chisporrotean de fuego e indignación, de estupidez y de una fuerte fibra moral; una trama que nunca va exactamente adonde uno cree que irá; y, por encima de todo, un retrato veraz del pulso entre la asimilación, la subyugación y el reconocimiento de la propia herencia.

Visto de otro modo, hay muy pocas obras que ofrezcan personajes femeninos tan maravillosos: mujeres que, sencillamente, son negras. Pero esta obra tiene tres, y cada una de esas tres es un diamante.

Esta producción está dirigida por Kenny Leon, el hombre que ya dirigió la obra la última vez que pasó por Broadway. Pero esta es una producción muy distinta a aquella.

La obra gira en torno a la familia Younger: la abuela, el hijo y la hija, la esposa del hijo, el hijo, y otros. La acción transcurre en un pequeño piso de Chicago, tras la muerte del patriarca. ¿En qué se gastará el dinero del seguro? ¿Quién decidirá? ¿Las mujeres de la familia o el hombre, el hijo del fallecido? ¿Qué significa esa decisión para toda la familia? ¿Qué ocurre cuando sigues tu sueño y se convierte en una pesadilla? ¿Cómo concilias el amor con la incomprensión?

La obra aborda grandes temas, pero en un entorno reducido e íntimo. Y, aun así, la familia representa un microcosmos de las familias negras de toda América. ¿Siguen un modelo matriarcal o adoptan un modelo patriarcal en sintonía con los blancos? ¿Cómo escapan de una servidumbre efectiva? ¿Cuál es la diferencia —si es que la hay— entre encajar y plantarse?

Dicho sin rodeos: es una obra asombrosa, y cuesta creer que se escribiera hace 50 años. Se siente pertinente, fresca y alarmantemente certera.

Todo en esta producción irradia estilo. La escenografía, de Mark Thompson, está deliciosamente gastada y ajustada a la época. El uso de un escenario móvil —que se proyecta hacia el futuro y retrocede hacia el pasado— es una idea inspiradísima. El vestuario de Ann Roth también evoca una época ya lejana.

Leon dirige con brío y claridad. Se exprime hasta la última gota de humor de los personajes y la situación, pero sin condescendencia. Es algo orgánico, nacido de las reacciones y acciones de una familia real y cariñosa.

Las tres mujeres extraordinarias dibujan los vértices de un triángulo concebido con agudeza. Sea cual sea la hipotenusa, los lados son el amor y el deber. Oscuro y etéreo por turnos, el triángulo resuena como si fuera una pieza clave en una orquesta.

LaTanya Richardson Jackson está soberbia como Lena, la abuela y matriarca. Austera, exultante y encantadora, es la magnificencia hecha carne; una fuerza de la naturaleza, una madre cálida y amorosa y una protectora feroz. Además, sabe contar un chiste y soltar una observación divertida. Es difícil no querer que sea tu propia abuela. Es una interpretación de enorme poder y sutilidad.

Igual de impresionante —quizá incluso más— es Sophie Okonedo como Ruth, la esposa del hijo de Lena. Desde los primeros momentos de la obra, cuando está sola en escena con sus pensamientos, contraída, tensa y agotada por sus cargas, esta Ruth es un tratado de pragmatismo y sensatez. Okonedo está asombrosamente bien en todos los aspectos. Yo le daría un Tony ahora mismo.

Anika Noni Rose está encantadora como Beneatha, la hija de Lena, aspirante a doctora, guapa y en pleno cortejo: por un lado, un hombre que quiere que acepte la asimilación con los blancos; por otro, alguien que le recuerda la verdad de su herencia y quiere reavivar en ella el sentido de dónde viene. Rose captura este conflicto con una belleza extraordinaria. La escena en la que se viste como una mujer nigeriana y baila a la manera tradicional es realmente maravillosa, aunque al mismo tiempo resulta extrañamente inquietante. No debería ser posible asomarse con tanta facilidad a la historia de una persona… ¿o sí? Es una delicia.

Como el hombre que golpea y se arrastra de un lado a otro entre las tres mujeres de su casa, Denzel Washington deslumbra. Hay en su interpretación una cualidad lúgubre que trasciende su estatus de estrella; es una actuación sin filtros, con sus verrugas y todo, un valiente asalto a lo que significa ser una estrella. Por momentos vil, violento, despiadado y desolado, Washington es mercurial de una forma disfuncional. Su Walter Lee es el perdedor por antonomasia, el desastre absoluto… pero también es real, impulsado por la necesidad de demostrar su masculinidad. Al sacar a la luz al niño interior, Washington convierte con habilidad a Walter Lee en un hombre completamente comprensible, totalmente imperdonable pero, extrañamente, simpático en su imperfección. Está impresionante.

Como el racista particularmente repugnante —aunque envuelto en una fachada empalagosa y dulce de hospitalidad— David Cromer está vibrante y es terriblemente inquietante. Sus escenas con la familia, mientras intenta convencerles de que no se muden a Clybourne Park, donde Lena ha comprado una casa porque los blancos de allí han trabajado duro para tener la comunidad que desean, ponen los pelos de punta. Cromer clava el papel en dos escenas formidables. A él también le daría un Tony ya mismo.

Sean Patrick Thomas construye un Joseph idealista —que quiere que Beneatha viaje con él a Nigeria y trabaje allí como doctora— como un hombre alegre y creíble. Su rival, George, de Jason Dirden, es igual de eficaz: el universitario de zapatos blancos y traje, el que desea desesperadamente encajar en la América blanca moderna. Ambos actores hacen que estos personajes excepcionales respiren verdad y realismo.

Cálida e incómoda por turnos, la obra de Hansberry obliga a considerar de frente la suerte del negro americano y a contemplarlos como iguales: personas que viven, sueñan, triunfan y fracasan igual que todo el mundo.

Fue una obra importante en 1964 y, a juzgar por la reacción de algunos esta noche, sigue siendo tan importante como siempre. Sugiere que la igualdad y la honestidad son las herramientas del verdadero ser humano; y quienes puedan o quieran discutir esa premisa… bueno, no merecen ni un minuto de pensamiento.

Un reparto con talento hace que una obra tremendamente importante vibre y se estremezca de alegría, horror y la brutalidad de la vida cotidiana. Es material de primera.