RESEÑA: La Sombra de Orson, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson como Orson Welles y Adrian Lukis como Laurence Olivier, con Ciaran O’Brien como Sean. Fotografía: Elliott Franks La Sombra de Orson

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Estrellas

¿Realmente hay más que decir sobre los Oliviers, Larry, Vivien y Joan? ¿O sobre Orson Welles por ese asunto? Estas eran las preguntas en mi mente mientras me sentaba en el Southwark Playhouse para la noche de prensa de la obra de Austin Pendleton dedicada a reimaginar el único episodio en la vida real cuando Welles, Olivier y Joan Plowright trabajaron juntos - en una producción de 1960 del Royal Court de Rinoceronte de Ionesco dirigida por Welles. Entre las muchas capas de evaluación crítica, biografías buenas, malas y vergonzosas, cartas, memorias y cotilleos de todos los lados, seguro que tenemos una imagen completa tanto del desesperadamente triste psicodrama del matrimonio entre Leigh y Olivier como del lento y luchado declive de la carrera de Welles después de su brillante inicio en Ciudadano Kane?

De hecho, Pendleton logra llevarnos más allá de las superficies biográficas y en el camino plantea algunas preguntas muy profundas y difíciles. ¿Cómo incluso los mayores talentos pueden perder su rumbo en la mediana edad, y dónde está el camino intransigente del deber en relaciones afectadas por enfermedades mentales graves? También ofrece importantes perspectivas sobre el papel de la crítica teatral, los méritos respectivos de una carrera en teatro o cine, cómo los incidentes de la vida personal se filtran en el trabajo creativo, y sobre cómo los actores concilian la alquimia entre la técnica aprendida y el instinto psicológico en la actuación. Si ese resumen da la impresión de que esta es una obra puramente para conocedores del teatro, entonces es importante decir que se equilibra con un diálogo que a su vez es ingenioso y tierno, y una comedia visual de situación que proporciona mucha fluidez de movimiento y negocio teatral para observar. Pendleton conoció a Vivien Leigh y trabajó con Welles, por lo que la obra está escrita con una empatía que proviene del conocimiento personal, pero de ninguna manera se convierte en hagiografía o peticiones especiales.

El golpe de Pendleton en la dramaturgia es introducir a Kenneth Tynan en la ecuación. Tynan se presenta aquí como el hombre que persuade a Olivier y Welles para trabajar juntos en la obra. Esto no es cierto de hecho, pero es dramáticamente apto ya que fue genuinamente amigo de ambos y quería hacer todo lo posible para revitalizar la carrera cinematográfica de Welles y convertirse en parte del equipo de Olivier en la fundación del Teatro Nacional. Es el catalizador y comentarista de la acción en cada etapa. Hay dos actos. En la primera escena, Tynan y Welles hablan entre bastidores en Dublín y establecen el marco para lo que sigue; en la segunda nos trasladamos entre bastidores al Royal Court, donde encontramos a Olivier recién salido de su éxito en The Entertainer y embarcado en el complejo proceso de dejar a Leigh por Plowright. En muchos sentidos, este es el tramo de escritura más impresionante que ofrece grandes oportunidades para todos los intérpretes mientras Olivier y Tynan se enfrentan mutuamente, Plowright lucha por establecer su propia identidad, y las tensiones, lealtades y manipulaciones autodestructivas del matrimonio de los Oliviers quedan expuestas en una conversación telefónica exquisitamente organizada. El segundo acto nos lleva al set para Rinoceronte y se centra en las diferencias creativas entre Welles y Olivier mientras este último lucha por adaptar su técnica a las demandas del teatro del absurdo. La acción llega a un punto álgido cuando Leigh hace una visita inesperada al set y, finalmente, cada uno de los personajes deja sus máscaras y se desnuda hasta llegar a la base.

Hay seis personajes en total y cada uno de los intérpretes ofrece una actuación cuidadosamente calculada y expresiva, detallada. No hay eslabones débiles y el director de casting merece todo el crédito por reunir un equipo completamente complementario. En los papeles menores, Ciaran O'Brien interpreta a un joven director de escena, Sean, y Louise Ford asume el papel de Joan Plowright. Ambos roles están ligeramente esbozados por Pendleton, y ninguno está destinado a ser una imitación directa. O'Brien captura bien la adoración incómoda y torpe de un aspirante joven, y Ford aprovecha al máximo las oportunidades que se le dan para mostrar que su personaje no era una cifra y siempre fue una actriz con una feroz inteligencia propia. Equilibra bien su amor y exasperación con Olivier y se une a Welles para defender el modernismo en el teatro.

Edward Bennett habita a Tynan de manera muy plausible. Captura los atributos físicos de manera convincente: el tartamudeo, la tos que indica enfisema incipiente, y la deferencia exagerada frente a sus héroes. Pero también demuestra la inteligencia, la agudeza, la mala leche y el deseo secreto de ser un insider querido que eran parte de la compleja personalidad de este crítico. Bennet tiene que negociar muchos de los momentos potencialmente incómodos cuando el dramaturgo rompe las barreras del realismo y se involucra directamente con la audiencia. Ocasionalmente la escritura es un poco torpe aquí, y el actor lo hace bien al llevar el tren sobre los puntos.

Como Vivien Leigh, Gina Bellman tiene dos escenas cruciales para establecer la 'infinita variedad' de su personaje. Nuevamente, hay un buen ajuste físico aquí tanto de elegancia y glamour por un lado como de vulnerabilidad arrugada por el otro. Necesitamos tener una idea de por qué Leigh fue un sirena tan convincente tanto en la pantalla como fuera de ella, y también vislumbrar sus terrores privados. Bellman es particularmente efectiva en mostrar los aspectos menos anunciados del personaje: su inteligencia y generosidad de espíritu hacia los demás y su lánguida auto-conciencia sobre su manía incipiente y la forma que toma. Cuando llega la manía, está adecuadamente desquiciada y fuera de control.

Los mayores desafíos aquí son cómo interpretar a Welles y a Olivier. Tanto John Hodgkinson (Welles) como Adrian Lukis (Olivier) dan impresionantes imitaciones físicas y vocales, pero las verdaderas fortalezas de sus interpretaciones y de la dirección flexible de Alice Hamilton radican en llevarlos a su propia 'corazón de las tinieblas'. Llegamos a ver más allá de la caricatura deliberada más grande que la vida que Welles presenta al mundo en su desesperación por encontrar cualquier medio para seguir con sus propios proyectos; y vislumbramos el dolor, la ira y el auto-desprecio de un hombre que sabe que es tanto una víctima genuina de un sistema como su propio peor enemigo. Asimismo, Lukis nos lleva debajo del exterior brillantemente pulido y cortante exageradamente de la fachada de Olivier para mostrarnos cómo se ha convertido en un 'gigante encadenado auto-forjado'. Cómo se ha quedado atrapado en su propia mitología de modo que está mal equipado para abrazar el cambio profesional. Cómo su deseo de imponer control sobre sí mismo y su mundo es una reacción temerosa a los peligros de la inestabilidad de Leigh tanto como a las presiones externas; y cómo el cambio vino en todas las áreas cuando finalmente permitió que su 'alerta animal' como actor se rompiera una vez más.

La obra está puesta en escena en ronda con un contraste agradable y burlón entre la convención escénica artificiosa e informalidad. Los gestos hacia el escenario son prácticos y funcionales y no distraen del duelo verbal de los intérpretes, que es el corazón y centro de la acción. Aunque ha habido varias producciones en los EE.UU., esta es la premiere europea, y por la calidad e intensidad de la escritura y actuación merece una carrera larga y exitosa.

La Sombra de Orson se presenta en el Southwark Playhouse hasta el 25 de julio de 2015