RESEÑA: La Sombra de Orson, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson como Orson Welles y Adrian Lukis como Laurence Olivier, con Ciaran O’Brien como Sean. Fotografía: Elliott Franks La sombra de Orson

Southwark Playhouse

06/07/15

5 estrellas

¿De verdad queda algo más por decir sobre los Olivier —Larry, Vivien y Joan—? ¿O sobre Orson Welles, ya puestos? Esas eran las preguntas que tenía en la cabeza cuando me senté en el Southwark Playhouse para la noche de prensa de la obra de Austin Pendleton, dedicada a reimaginar el único episodio real en el que Welles, Olivier y Joan Plowright trabajaron juntos: la producción de 1960 en el Royal Court de Rinoceronte de Ionesco, dirigida por Welles. Entre las muchas capas de valoración crítica, biografías buenas, malas y vergonzosas, cartas, memorias y cotilleos de todos los bandos, ¿no tenemos ya un retrato completo tanto del tristísimo psicodrama del matrimonio entre Leigh y Olivier como del lento y combativo declive de la carrera de Welles tras su arranque dorado con Ciudadano Kane?

Pues bien: Pendleton logra llevarnos mucho más allá de la superficie biográfica y, de paso, plantea preguntas profundas y difíciles. Cómo incluso los talentos más grandes pueden perder el rumbo en la madurez, y dónde se sitúa el inamovible camino del deber en relaciones atravesadas por una enfermedad mental grave. También ofrece observaciones valiosas sobre el papel de la crítica teatral, los méritos respectivos de una carrera en el escenario o en el cine, cómo los incidentes de la vida personal se filtran en la obra creativa y cómo los actores reconcilian en escena la alquimia entre la técnica aprendida y el instinto psicológico. Si ese resumen suena a que se trata de una obra solo para iniciados del teatro, conviene decir que se equilibra con un diálogo a la vez ingenioso y tierno, y con una comedia visual de situación que aporta mucho movimiento fluido y “negocio” escénico que observar. Pendleton conoció a Vivien Leigh y trabajó con Welles, de modo que la obra está escrita con una empatía que nace del conocimiento personal, pero en ningún momento deriva hacia la hagiografía ni hacia la defensa interesada.

El gran golpe de Pendleton en la dramaturgia es introducir a Kenneth Tynan en la ecuación. Aquí se presenta a Tynan como el hombre que convence a Olivier y a Welles para colaborar en la obra. En realidad no fue así, pero dramáticamente funciona, ya que de verdad fue amigo de ambos y quiso hacer todo lo posible por reactivar la carrera cinematográfica de Welles y formar parte del equipo de Olivier en la fundación del National Theatre. Es el catalizador y comentarista de la acción en cada etapa. Hay dos actos. En la primera escena, Tynan y Welles conversan entre bastidores en Dublín y establecen el marco de lo que viene; en la segunda nos trasladamos a los camerinos del Royal Court, donde encontramos a Olivier recién salido de su éxito con The Entertainer y metido de lleno en el complejo proceso de dejar a Leigh por Plowright. En muchos sentidos, este es el tramo de escritura más impresionante: ofrece grandes oportunidades para todo el reparto, mientras Olivier y Tynan se baten en un duelo verbal, Plowright lucha por afirmar su propia identidad, y las tensiones, lealtades y manipulaciones autodestructivas del matrimonio de los Olivier quedan al descubierto en una conversación telefónica exquisitamente planteada. El segundo acto nos lleva al escenario de Rinoceronte y se centra en las diferencias creativas entre Welles y Olivier, mientras este último se esfuerza por adaptar su técnica a las exigencias del teatro del absurdo. La acción llega a su punto álgido cuando Leigh hace una visita inesperada al ensayo, y por fin cada personaje deja a un lado su máscara y queda reducido a lo esencial.

En total hay seis personajes y cada intérprete ofrece un trabajo minucioso, expresivo y perfectamente medido. No hay eslabones débiles, y la dirección de casting merece todo el crédito por reunir un conjunto totalmente complementario. En los papeles menores, Ciaran O'Brien interpreta a un joven regidor, Sean, y Louise Ford se encarga de Joan Plowright. Pendleton perfila ambos personajes con trazos ligeros, y ninguno pretende ser una imitación directa. O'Brien capta muy bien la admiración torpe y desmañada de un aspirante joven, y Ford aprovecha al máximo las oportunidades que se le brindan para demostrar que su personaje no era ninguna figura decorativa, sino una actriz con una inteligencia feroz y propia. Equilibra con acierto el amor y la exasperación hacia Olivier y, junto a Welles, planta cara en defensa del modernismo en el teatro.

Edward Bennett encarna a Tynan con mucha verosimilitud. Reproduce de forma convincente los rasgos físicos —el tartamudeo, la tos que delata un enfisema incipiente y la deferencia exagerada ante sus héroes—. Pero también muestra la inteligencia, la acidez, la mala leche y el deseo secreto de ser un privilegiado del mundillo, elementos todos de la compleja personalidad de este crítico. Bennett tiene que sortear varios momentos potencialmente incómodos cuando el dramaturgo rompe las barreras del realismo y se dirige directamente al público. A veces la escritura resulta aquí un pelín torpe, y el actor hace bien en salvar los baches con solvencia.

Como Vivien Leigh, Gina Bellman cuenta con dos escenas cruciales para establecer la «variedad infinita» de su personaje. De nuevo, hay un buen parecido físico tanto en aplomo y glamour por un lado como en vulnerabilidad derrumbada por el otro. Necesitamos entender por qué Leigh fue una sirena tan irresistible dentro y fuera de la pantalla, y también vislumbrar sus terrores privados. Bellman resulta especialmente eficaz al mostrar los aspectos menos publicitados del personaje: su inteligencia y generosidad de espíritu hacia los demás, y su melancólica lucidez sobre su manía incipiente y la forma que adopta. Cuando la manía irrumpe, lo hace con la debida sensación de desquicio y descontrol.

Los mayores retos aquí son cómo interpretar a Welles y a Olivier. Tanto John Hodgkinson (Welles) como Adrian Lukis (Olivier) ofrecen imitaciones físicas y vocales impresionantes, pero las verdaderas fortalezas de sus trabajos —y de la dirección flexible de Alice Hamilton— residen en llevarlos hasta su propio «corazón de las tinieblas». Vemos más allá de la caricatura deliberada, de tamaño descomunal, que Welles presenta al mundo, hasta su desesperación por encontrar cualquier medio para sacar adelante sus propios proyectos; y atisbamos el dolor, la rabia y el asco hacia sí mismo de un hombre que sabe que es a la vez una auténtica víctima del sistema y su peor enemigo. Del mismo modo, Lukis nos conduce por debajo del exterior exageradamente recortado y brillantemente pulido de la fachada de Olivier para mostrarnos cómo se ha convertido en un «gigante encadenado por sus propias cadenas». Cómo ha quedado atrapado en su propia mitología, de manera que está mal preparado para abrazar el cambio profesional. Cómo su deseo de imponer control sobre sí mismo y sobre su mundo es una reacción temerosa tanto ante los peligros de la inestabilidad de Leigh como ante las presiones externas; y cómo el cambio llegó en todos los frentes cuando por fin permitió que su «alerta animal» como actor volviera a abrirse paso.

La obra se representa en arena, con un contraste agradable y provocador entre el artificio de la convención escénica y la informalidad. Las alusiones a la ambientación son prácticas y funcionales, y no distraen del duelo verbal entre los intérpretes, que es el corazón y el centro de la acción. Aunque ha habido varias producciones en Estados Unidos, esta es el estreno europeo y, por la calidad e intensidad de la escritura y la interpretación, merece una temporada larga y exitosa.

La sombra de Orson se representa en el Southwark Playhouse hasta el 25 de julio de 2015