CRÍTICA: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman y Stephen Wight en McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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‘El amor no se ve con los ojos sino con la mente.’

Shakespeare, El sueño de una noche de verano McQueen se estrenó este año en el Teatro St James y ahora se traslada por un tiempo limitado al West End en el Theatre Royal Haymarket, tras algunos cambios de elenco y un grado de reescritura por parte del dramaturgo James Phillips. Está dirigida por John Caird, con coreografía de Christopher Marney, y protagonizada por Stephen Wight como McQueen, a quien vemos mientras tomamos asiento, paseando por el escenario, ya en el papel, indomable e impredecible, girando y contemplando el cinturón con el que quizás esté a punto de terminar su vida…. Alexander/Lee McQueen - su vida, obra, asociados, muerte trágica y legado - proporcionan casi un exceso de material rico para el tratamiento dramático. En el reciente extraordinario retrospectivo del V&A, Savage Beauty, había un notable levita de plumas doradas, alto en el cuello y ajustado en la cintura, que reaparece en forma modificada para desempeñar un papel aquí en la segunda mitad como símbolo de cómo la ropa puede transformar al portador. Para mí, sin embargo, también fue un símbolo de la complejidad de este tema – aparentemente uno de superficies relucientes y un exceso de glamour – similar al esplendor del Haymarket donde nos reunimos en la Noche de Prensa; pero donde el corazón del asunto está en evocar la psique de un hombre que, según aquellos que trabajaron con él, destilaba con tantas ideas y estados de ánimo al día como hay plumas en ese glorioso abrigo.

Stephen Wight, Laura Rees en McQueen Con una vida y muerte vivida bajo el intenso foco de la publicidad, donde hay muchas personas que conocieron bien a McQueen, y la mayoría de nosotros que ahora creemos saber algo, el negocio de captar la esencia del genio vertiginoso del hombre y sus numerosas contradicciones y darle nueva vida dramática es muy complicado. Sabemos por sus City Stories, revisadas aquí hace unos meses, que James Phillips tiene una mente innovadora para la estructura, una forma sugerente y poética con el diálogo, una apreciación aguda de la interpenetración de las palabras y la música, y un don probado para escribir sobre la vida londinense, todas las partes necesarias de la ecuación. ¿Respondería a este nuevo desafío?

Lo que se nos presenta es un cuento de hadas que desarrolla la línea argumental de uno de los escenarios elaborados, semi-operáticos y de pasarela de McQueen. Dahlia (Carly Bawden) después de observar a McQueen desde un árbol en su jardín, entra en su casa para llevarse un vestido, y se encuentra con el diseñador en medio de sus maniquíes en el sótano. Llama al colaborador a largo plazo Philip Treacy para pedir consejo sobre llamar a la policía, pero la obstinada Dahlia lo hechiza en un trato: desaparecerá al final de la noche si a cambio él la transforma en una princesa haciendo un vestido y mostrándole diferentes visiones de Londres. Él acepta con la esperanza de encontrar también inspiración para cumplir el plazo de su próxima colección.

Lo que sigue es una secuencia de escenas fantasmagóricas que exploran las relaciones clave, experiencias y temas en la vida de McQueen – su formación en Savile Row, su amistad con Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), una fiesta del V&A donde la periodista Arabella (Laura Rees) desafía la autenticidad de su talento, y su estrecha conexión con su madre y raíces en Stratford. En la mayoría de ellas Dahlia es ya sea observadora, participante testaruda o expresión del propio ‘lado femenino’ de McQueen; pero al final está claro que siempre quiso más que simplemente un vestido de este encuentro. Cada escena está vinculada a la siguiente con un episodio coreografiado en el que nueve bailarines canalizan los temas mediante la imagen visual de una de sus aperturas clásicas, utilizando la misma música que se tocaba en aquellas ocasiones. Finalmente regresamos al sótano donde comenzamos mientras termina la noche, Dahlia se marcha y Lee tiene su concepto para su próxima colección…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sentado), Jordan Kennedy, Amber Doyle y Sophie Apollonia en McQueen Esta obra no es un documental biográfico directo, lo cual es sin duda una decisión correcta; ya que sería difícil evitar una exposición factual torpe y no dramática por un lado, o un sensacionalismo tabloid crudo por otro. Phillips está mucho más interesado en capturar el carácter mercurial y multifacético de la personalidad angustiada pero divertida, con mente firme de McQueen y en explorar la naturaleza y las fuentes de su creatividad. Cumple ambos objetivos, el primero ayudado por una actuación excepcionalmente detallada y deslumbrante de Wight, que es mucho más que una imitación. Y el segundo se logra porque consigue, en gran parte, encontrar una fórmula dramática para describir los dones de McQueen y mostrar cómo funcionan. Un ejemplo de esto son una serie de monólogos notables dispersos a lo largo de la obra en los que el diseñador analiza sus intenciones forenses y estéticas. Esto podría fácilmente no funcionar. Podría volverse demasiado didáctico o simplemente demasiado truculento – ‘Seis Trajes en Busca de un Couturier’ etc.. Que no lo sea es un tributo al actor y a la forma en que la escritura te obliga a mirar e imaginar con el ojo de un diseñador. Es algo parecido a la historia de Conan Doyle en la que Holmes te cuenta todo sobre la vida de una persona a partir de algunos detalles de su vestimenta, y ve a través de ellos. La calidad brillante pero también desestabilizadora, implacable y aislante de ese grado de percepción se hace palpable; tanto que hubo un silencio extra intenso de concentración interna en toda la audiencia de moda y fashionista. Sabían que ellos también estaban bajo el microscopio en ese momento…. Tuvimos una palpable sensación dramática de por qué McQueen era tan encantador pero alarmante para estar cerca.

Otro ejemplo de mostrar y contar que funciona bien en conjunto se dio en la escena ambientada en Anderson & Sheppard, donde McQueen se formó. Su corte del vestido hecho para Dahlia en su persona demostró de la manera más directa posible las habilidades de sastrería tradicional que aprendió allí, y el diálogo con su mentor Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw) reveló el equilibrio entre un sentido de historia y subversión que siempre intentó mantener en su trabajo: ¡si vas a ser un iconoclasta primero debes ser un tradicionalista!

Stephen Wight, Laura Rees y Carly Bawden en McQueen

No todo tiene éxito. La escena con Isabella Blow es un dúo barroco elaborado entre dos divas naturales, pero carece de mordacidad dramática como resultado, más especialmente cuando hay un abundante relleno torpe de ‘hechos que necesitas saber primero.’ Si esto fuera una ópera podrías salirte con la tuya con este empaque de trasfondo, pero no aquí. Más seriamente, hay una vaguedad alrededor del personaje de Dahlia que no siempre es útil, y a veces socava la coherencia dramática. ¿Cuál exactamente es la contribución de Dahlia? ¿Como musa, mero dispositivo teatral o proyección de parte de la personalidad de Lee? Esto importa particularmente en la segunda mitad del espectáculo donde ella es mucho más prominente y no basta con dejar esta cuestión flotando sin resolver. No nos importa lo suficiente como personaje por derecho propio en esta etapa para que la estructura dramática cargue el peso, y esto solo se redime parcialmente con el memorable resumen que Lee llega a presentar en los últimos minutos.

No estoy seguro de que insertar un intervalo para el West End haya realmente ayudado a la obra. Funcionaría mejor en secuencia continua sin dar igual peso al material más delgado en lo que ahora es la segunda mitad, mientras se preserva el delicado ambiente de fantasía sin interrupciones.

Los valores de producción son excelentes. La dirección es fluida y con un ojo artístico para los cuadros visuales tanto como para la energía cinética. La coreografía es excepcionalmente variada e imaginativa: los bailarines despejan el set, se colocan como maniquíes, y de hecho actúan más como un coro no vocal ofreciendo un comentario visual sobre e integral con la acción. El equipo de vestuario ha realizado la complicada tarea de hacer referencia al trabajo del diseñador mientras no lo copia servilmente, y las proyecciones de video dan una vívida sensación de las ubicaciones londinenses cuando es necesario.

Stephen Wight como Lee en McQueen

La personificación de McQueen por Wight es incomparable. Los gestos, la combinación de descaro y vulnerabilidad en el habla y el movimiento, los extremos de sensibilidad y vulgaridad, consideración y egoísmo despiadado, estaban todos en su lugar, junto con una autoconciencia sobre la depresión, el miedo a la muerte y la naturaleza alarmante de su propio talento que fue finamente observada. Bawden lo hace muy bien con Dahlia, asegurándose de que planta cara al personaje de Wight cuando es necesario sin perder su encanto tonto: pero el papel en sí aún está realmente inacabado. Oberman y Rees aprovechan al máximo sus oportunidades, y el sastre gentil de Bertenshaw proporciona un bienvenido punto de reposo y moderación cuidadosamente contrastada.

La noche es continuamente provocadora, espectacular desde el punto de vista visual, y altamente ingeniosa al integrar diseño, música, danza y caracterización para ofrecer un retrato tan detallado de las fuentes de la creatividad de McQueen como probablemente obtendremos. La partes son inesperadamente divertidas y genuinamente conmovedoras también. Poner el proceso creativo de un artista en escena es un asunto complicado – en tiempos recientes quizás Sunday in the Park with George sea el único ejemplo plenamente exitoso. Corto de un tratamiento musical u operático de la vida de McQueen - algo que aún podría valer la pena hacer dada la amplitud que el tema ofrece a todas las artes teatrales – esta obra se presenta como un retrato artístico audaz y en términos generales exitoso.

La obra recupera y reafirma triunfantemente el credo de McQueen de que el diseño es en su mejor momento un acto de amor hacia la persona - un resumen de quien ese hombre o mujer fue, es y puede llegar a ser - y por tanto, está, paradójicamente, en la mente tanto como en el sentido puramente visual. Fue por esta razón que Alexander McQueen eligió la línea de Shakespeare que encabeza esta crítica para llevarla como un tatuaje – un lema para su tiempo, y – seguramente – para todos nuestros tiempos.

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