RESEÑA: Into The Woods - La Película. Estrenada el 9 de enero de 2015

Into the Woods: La película

Dirigida por Rob Marshall

Se estrena el 9 de enero de 2015

¿Cómo decía aquella vieja canción? «If you go down to the woods today, you're sure of a big surprise...». Pocas veces han sido más certeras esas palabras si uno va a ver la película de Rob Marshall del musical de 1987 de Stephen Sondheim y James Lapine, Into the Woods. La versión cinematográfica está llena de sorpresas.

La primera sorpresa es lo absolutamente hermosas que son las orquestaciones de la música de Sondheim. Son, sencillamente, preciosas; y hay sorpresas en la música incidental si se escucha con atención. Retazos de melodías de otros musicales de Sondheim funcionan como un contrapunto elocuente y humorístico a la acción.

La segunda sorpresa es la manera en que se materializan el reino y la realidad del Bosque. Hermosos y enmarañados, extensos y a la vez concretos, estamos ante una tierra de cuento que resulta totalmente verosímil y completamente mágica: senderos, árboles, arroyos, torres, tumbas, caminos, flores, campos, castillos, zarzas, montañas, colinas, peñascos, riachuelos, pozos de alquitrán, cascadas, matorrales y prados; todo iluminado de forma magnífica y evocadora, inquietante y tentadora.

La tercera sorpresa es lo bien que está resuelta la magia. No es realmente una sorpresa, supongo, porque el cine siempre puede lograr más que el escenario; pero aquí hay una ilusión maravillosa: las apariciones y desapariciones salvajes y explosivas de la Bruja, la evocación del vestido de Cenicienta, la planta de judías, el regreso de entre los muertos de Milky White, la luna azul, el notable final de Last Midnight. La magia está realizada con belleza y con una fuerza irresistible.

La cuarta sorpresa abarca los cambios en la trama, los personajes y la partitura. Son numerosos y, en algunos casos, asombrosos. Si conoces el musical de escena, es probable que te quedes, en el mejor de los casos, desconcertado; en el peor, horrorizado.

Ahora bien, esto es una adaptación cinematográfica: no pretende recrear la magia del escenario. Crea la suya propia. Las escenas de Rapunzel, por ejemplo, nunca han estado mejor que aquí; tampoco el encuentro de los dos Príncipes hermanos, que culmina en el delicioso «Agony», había alcanzado jamás las cotas que aquí se logran, al menos en términos de belleza física de los parajes: claros del bosque, arroyo de montaña burbujeante/cascada, mirador rocoso desde el que se divisa el reino. No todos los cambios son bienvenidos. Recortar la narración y la partitura trae sus propias consecuencias. Hay una extraña falta de urgencia en la primera mitad: nadie parece especialmente desesperado por lograr su deseo, salvo la Bruja. Cenicienta aparece insegura respecto al Príncipe desde el principio, lo que socava la alegría que debería sentirse cuando se casa con él. La celebración jubilosa que normalmente ocurre al final del Acto I, ese glorioso momento de placer desatado cuando todos los personajes principales ven cumplido su deseo y se recrean en la perspectiva de un «Ever After», brilla casi por su ausencia, de modo que nunca se alcanza el verdadero punto álgido.

Lo que hace que el descenso a la oscuridad y la miseria —y la verdad— sea menos efectivo de lo que debería. Sin una celebración auténtica, el arrepentimiento y la tristeza no muerden igual.

Hay un reproche serio a esta película: intenta simplificar las complejidades presentes en las letras de Sondheim y el libreto de Lapine. Eliminar No More y la reprise de Agony cambia de manera fundamental la dinámica. Omitir pequeños momentos de reflexión musical, como la despedida de Jack a Milky White o el Primer y Segundo Medianoche, despoja a Into the Woods de parte de sus sutilezas, de esas miradas al personaje que hacen que la experiencia sea tan ricamente gratificante.

No More es el ápice emocional y narrativo del musical de escena. Es el momento en que el Panadero se enfrenta y acepta su pasado, su presente y su futuro; el instante en que por fin toma una decisión, una decisión de sobrevivir, de luchar, de proteger a su hijo. De dejar de revolcarse en su propia desdicha. Es su momento en el Bosque y, igual que el de su esposa antes que él, afecta a todos los demás protagonistas.

Aquí, la idea de la canción se reduce a unas pocas líneas, a James Corden sollozando como una morsa bebé abandonada, y a la aparición, sin explicación, de Simon Russell Beale como el padre ausente o muerto (o ambas cosas) del Panadero. Es un sustituto muy pobre de una de las canciones más notables de Sondheim.

Pero quizá era el mal menor. Desde luego, no hay nada en el canto de James Corden que te deje con ganas de más. Aquí lo vuelve todo «pesado», no solo su nombre, de principio a fin. Y aunque hay una razón narrativa sólida para que funcione como narrador del conjunto, su dicción es tan mortecina que convierte la narración en algo innecesario. Es una interpretación gris, engolada, sin rumbo, sin encanto y plagada de oportunidades perdidas.

Canta It Takes Two como si la letra fuera I Am The One.

Esto resulta aún más desconcertante porque la Esposa del Panadero de Emily Blunt es un absoluto deleite en todos los sentidos. Sutil y segura, Blunt navega a la perfección por las muchas emociones y deseos que definen al personaje; es el corazón sólido de la película. Quieres que tenga un hijo, quieres que tenga al Príncipe, quieres que tenga su «And»; te lleva sin esfuerzo en su viaje. Su Moments In The Woods es verdaderamente delicioso.

Anna Kendrick hace una Cenicienta magnífica, un equilibrio preciso entre personaje de cuento y ser humano real. Sus escenas con Blunt son estupendas y, al menos para mí, Steps of the Palace es el punto culminante de la película. Kendrick canta con una precisión preciosa, con una atención exacta a cada nota y cada palabra. Es deslumbrantemente atractiva en todos los sentidos y su intercambio final con el Príncipe de Chris Pine es bellamente desolador.

Pine está francamente sensacional: la encarnación completa del príncipe Disney unidimensional y guapo; todo capa y espada y dientes relucientes. Fue un error no afeitarlo; su aspecto desaliñado hace que su desviación del camino parezca previsible. Pero, en realidad, está magnífico y se parodia a sí mismo sin piedad, y con gran efecto cómico, en Agony.

Billy Magnussen le sigue el juego y quizá saca más partido de menos como el Príncipe de Rapunzel, el hermano pequeño de Pine. Su rivalidad fraterna se establece con habilidad y sentido del humor, y Magnussen opta por un príncipe pulcro, perfectamente compuesto, de aire «chico de al lado», aunque con pantalones de cuero ajustados y un buen repertorio de torpezas cómicas. Está todo medido al milímetro, y sus escenas con Rapunzel irradian calidez y amor verdadero. El momento en que ella le cura los ojos es auténticamente mágico.

La película da mayor protagonismo a Rapunzel, y Mackenzie Mauzy aprovecha la oportunidad con toda su melena. Canta de maravilla, establece su amor por su Príncipe en un instante de metraje y hace un trabajo finamente detallado en sus escenas con su madre, la Bruja de Meryl Streep. Stay With Me se convierte en un dúo asombroso, aunque Mauzy permanece casi siempre en silencio. Pero le da mucho material a Streep, y el resultado es profundamente conmovedor. Streep está, de principio a fin, hipnótica. No deja pasar ni una, encuentra cada matiz y posibilidad del texto, y crea una Bruja desolada, desgarrada por el dolor y decidida a asegurar lo que le importa. Sus entradas y salidas, como un derviche giratorio, son gloriosas y sabe vender una canción, encontrar trucos nuevos en melodías que crees conocer de memoria. Es divertida, sexy y directa. Last Midnight es tan buena como nunca la he visto interpretada: emocionante y exultante.

Tracey Ullmann es una Madre de Jack memorable y particularmente perspicaz. Me gustó su enfoque de sentido común ante todo, su desprecio por Milky White y su miedo desesperado a la pobreza y luego su adaptación a la riqueza. Su sentido de una grandeza casi ridícula contrastaba muy bien con su pragmatismo inicial. Sus momentos finales fueron muy conmovedores.

Joanna Riding está perfecta como el fantasma de la madre de Cenicienta (canto grácil y etéreo), Annette Crosbie cumple muy bien como la Abuela y la maravillosa Frances de la Tour logra que la Esposa del Gigante sea conmovedora pero homicida.

No me convencieron ni Jack ni Caperucita Roja; los auténticos chavales simplemente no encuentran la hondura que tienen estos personajes. Johnny Depp ofreció una lectura fresca del Lobo, pero se pierde mucho por la juventud de Caperucita y por no haber doblado el papel de Lobo y Príncipe. Sorprendentemente, Christine Baranski, Tammy Blanchard y Lucy Punch no resultan tan efectivas como la espantosa familia de Cenicienta como deberían; en parte es el diseño de su aspecto, pero no es solo eso. Oportunidades perdidas.

Al permitir primeros planos severos y puntos de vista múltiples de las escenas, el cine siempre ofrece al reparto la opción de «menos es más», por lo general con un gran efecto. Puede que otros hayan creado caracterizaciones cantadas mejores en directo, sobre el escenario, pero eso no disminuye el grueso del trabajo aquí.

No. El problema aquí, aparte del espectacular desacierto de casting de Corden, es que no se traslada a la pantalla lo suficiente del espectáculo teatral. La película no es ni una versión de la obra escénica ni una creación propia con identidad plena: se queda en tierra de nadie; ni fiasco ni triunfadora. No es un cuento simple, pero tampoco un examen complejo de las diferencias entre desear, querer y tener. Y por eso, pierde ligeramente el rumbo después de que la Esposa del Gigante llegue al reino. Pero no de forma fatal.

La cuestión es que Sondheim, como de costumbre, iba por delante de esta partida. Hizo cantar a la Esposa del Panadero:

«Just remembering you've had an "and" When you're back to "or" Makes the "or" mean more Than it did before. Now I understand». Esta película crea un «And». Es perfectamente posible disfrutar tanto de la película como del montaje teatral; pero, para mi gusto, la película demuestra de forma hermosa que el espectáculo de escena significa más de lo que significaba antes de la película. Into the Woods es una obra maestra; la película de Rob Marshall te lo hace ver con total claridad.

No te la pierdas. Pero ten cuidado con lo que deseas...